English follows Japanese

TRA-PLAYは、国内外のアートオーガナイゼーションが実施したワークショップなどを、開催地の土地柄に合わせてリメイクし再実施するプロジェクトです。

その土地の制度・文化・風習・社会状況の中から生み出した実践を大阪で共有し、共に実践することで、同時代の声に耳を傾けると同時に、私たち自身の文化や社会、そして制度について考える機会をつくります。

TRA-PLAY vol.4では、ジョクジャカルタのキュレーター・コレクティブ 『LIR.』が参加し、同地で行われるプロジェクトを大阪版として翻案。トーク/ポートフォリオレビューを開催します。

LIR.は、インドネシア・ジョグジャカルタで2011年に設立されたキュレーター・コレクティブです。国際的な展覧会やコラボレーションのほか、教育プラットフォームの運営などを行い、「地元の知・記憶・歴史を世代を超えて伝えていく」ことに関心を持ちながら活動を展開しています。

本ワークショップでは、LIR.の共同設立者でありアーティストのディト・ユウォノを迎え、インドネシアの文化的な交流スタイルである「ノンクロン」──ゆるやかに集い、時間や会話を共有する──をしながら、参加アーティストを対象とした作品のレビューを行います。インドネシアで活躍するキュレーターから直接アドバイスを受けることで、国際的な文脈の中で自身の作品や制作を見つめ直し、参加者が今後の活動を広げるきっかけとなることを期待しています。

アーティストに限らず、さまざまな分野の方々にとっても刺激的で実りある時間となるはずです。ぜひご参加ください。

TRA-PLAY vol.4 with LIR.　「ノンクロンしながら作品を語ってみる」

日時｜11月12日（水） 19:00 –21:00（開場は15分前より）

会場｜SSK (Super Studio Kitakagaya)

参加費｜無料（要予約：当日13時までにTRA-TRAVELのInstagramまたはMessengerよりご連絡ください）

主催｜TRA-TRAVEL

共催｜LIR.

助成｜大阪市、芳泉文化財団

*ポートフォリオの持参ではなく、ウェブサイトの提示でも構いません

ディト・ユウォノ（Dito Yuwono）

ディト・ユウォノの活動は、ビジュアルアートの制作とキュラトリアル実践のあいだを横断しており、彼は「空間」がいかに政治や歴史と結びついているかに関心を持っている。
リサーチを基盤とした彼の実践は、ビデオ、写真、映像インスタレーションなどの手法を通して、社会的・政治的・歴史的な問題をしばしば扱う。

彼はRAW Academie: CURAおよびIndependent Curators International（ICI）Intensives（2024）の修了生であり、2024年にはジョグジャカルタのCEMETI – Institute for Arts and Societyの新ディレクターの一人に就任した。
それ以前は、2020年から2024年までRuang MES56の共同ディレクターを務めていた。

LIR.

LIRは、ミラ・アスリニングティアス（Mira Asriningtyas）とディト・ユウォノ（Dito Yuwono）によって結成されたアート・インスティテューション／キュレーター・コレクティブ。2011年にインドネシア・ジョグジャカルタで設立されたLIR Spaceは、アーティストが互いに支え合い、前向きな環境を築くことを目的に活動を開始。二人は2019年、ダカールのRAW Material Companyによるプログラム「RAW Academie: CURA」のフェローに選出。LIRのプロジェクトは、学際的なコラボレーションとリサーチを基盤とする展覧会を特徴とし、知識や記憶、歴史を世代を超えて継承することを志向している。代表的なプロジェクトには、「Curated by LIR」展シリーズ（ジョグジャカルタ／ジャカルタ、2018〜2023）、「Transient Museum of a Thousand Conversations」（ISCPニューヨーク、2020年／OUR Museum台北、2023年）、「Pollination」第3版（2020–2021）などがあり、また故郷カリウランを舞台に地域住民の記憶をアーカイブ化する長期プロジェクト「900mdpl」（2017・2019・2022）にも取り組んでいる。

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About TRA-PLAY

TRA-PLAY is a project that reinterprets and re-stages workshops originally organized by art organizations in Japan and abroad, adapting them to the context of the host location.

For TRA-PLAY vol.4, the curator collective LIR. from Yogyakarta will participate, presenting a localized Osaka version of a project originally carried out in their home city. Through this workshop, we aim to share and re-enact practices that emerged from the specific systems, cultures, customs, and social conditions of a place.

By engaging with these practices together in Osaka, the program invites us to listen to contemporary voices while reflecting on our own culture, society, and institutional structures.
We warmly welcome your participation.

TRA-PLAY vol.4 with LIR.    “Reflecting Practice:  Nongkrong and Portfolio Review”

Date: Wednesday, November 12, 2025 – (Doors open 15 minutes before the start)

Venue: SSK (Super Studio Kitakagaya)

Admission: Free (Reservation required — please contact TRA-TRAVEL via Instagram or Messenger by 1:00 p.m. on the day of the event)

Organized by: TRA-TRAVEL

Co-organized by: LIR.

Supported by: City of Osaka, Housen Cultural Founda

TRA-PLAY vol.4 with LIR. “Reflecting Practice:  Nongkrong and Portfolio Review”

LIR. is a curator collective founded in 2011 in Yogyakarta, Indonesia. Alongside organizing international exhibitions and collaborations, they run educational platforms and engage in activities centered on “passing down local knowledge, memories, and histories across generations.”

In this workshop, we welcome Dito Yuwono, artist and co-founder of LIR., who will lead a portfolio review session in nongkrong—a casual Indonesian way of gathering to spend time and share conversations together.

By receiving direct advice from a practicing Indonesian curator, participants will have the opportunity to reflect on their art works and practices from a different perspective, and explore new directions for their future activities.

We hope this will be an inspiring and fruitful occasion not only for artists but also for participants from various fields.
All are warmly invited to join.

Dito Yuwono

Dito Yuwono’s practice traverses between visual art making and curatorial practice. In his artistic practice, Dito is interested in how a space is interwoven with politics and history, and his research-based artistic practice often addresses socio-political-historical issues through the production of video, photography, and audio-visual installation. 

Dito is an alumni of RAW Academie: CURA, and Independent Curators International/ICI Intensives (2024). In 2024, he was appointed as one of the new directors of CEMETI – Institute for Arts and Society in Yogyakarta, Indonesia. He comes to the position from Ruang MES56, where he has served as co-director from 2020-2024. 

About LIR.

LIR is an art institution turn curator collective consisting of Mira Asriningtyas and Dito Yuwono. LIR Space was initially established in 2011 as an art space in Yogyakarta – Indonesia with an aim to build a supportive and positive environment for artists. Together they were a fellow of RAW Academie: CURA (RAW Material Company – Dakar, 2019). 

LIR’s projects are characterised by the multi-disciplinary collaboration and research-based exhibition in order to foster continuous transgenerational transmission of knowledge, memory, and history. LIR’s recent project including “Curated by LIR” exhibition series (Yogyakarta & Jakarta, 2018 – 2023); “Transient Museum of a Thousand Conversations” (ISCP – New York, 2020 and OUR Museum – Taipei, 2023); 3rd edition of Pollination (2020‐2021)—a collaborative exercise between different institutions across Southeast Asia initiated by The Factory Contemporary Arts Centre co‐hosted by MAIIAM Contemporary Art Museum (Thailand), Selasar Sunaryo Art Space (Indonesia), with the support of SAM Funds for Arts and Ecology (Indonesia) and The Gray Centre for Art and Inquiry (Chicago); and “900mdpl” (Kaliurang, 2017, 2019, & 2022), a long-term site-specific project in their hometown Kaliurang, an ageing resort village under an active volcano Mt. Merapi in order to preserve the collective memories of the people and create a socially-engaged archive of the space.

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TRA-TRAVELは、国内外のアートオーガナイゼーションが実施したワークショップなどを、開催地の土地柄に合わせてリメイクし実施するプロジェクト『TRA-PLAY』をスタートします。

2025年夏に連続して開催するTRA-PLAY vol.1〜3 では、ハノイのアートハブ 『AiRViNe』、広州のアーティストコレクティブ 『刺紙』、香港のアーティストコレクティブ 『c.95d8』 が参加します。

それぞれの地域で培われてきたアートプロジェクトを大阪版として翻案し、三日に分けてワークショップおよびトークイベントを開催します。

各団体が、その土地の制度・文化・風習・社会状況の中から生み出した実践を大阪で共有し、共に実践することで、同時代の声に耳を傾けると同時に、私たち自身の文化や社会、そして制度について考える機会をつくります。ぜひ足をお運びください。

TRA-PLAY is a project that remakes and reinterprets workshops and other programs originally organized by art organizations in Japan and abroad, adapting them to the local context of the host city.

For TRA-PLAY vol.1–3, we will be joined by Hanoi’s art hub AiRViNe, Guangzhou’s artist collective Prickly Paper, and Hong Kong’s artist collective c.95d8.

Art projects cultivated in each of these regions will be adapted into an Osaka version, presented over three days through workshops and talk events. By sharing and practicing the approaches developed within the systems, cultures, customs, and social contexts of each group’s home region, we aim to create an opportunity not only to listen to diverse contemporary voices but also to reflect on our own culture, society, and systems.

We warmly invite you to join us.

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ワークショップ3 with c.95d8　「Same but Different」

日時｜8月23日（土）15:00–16:30（開場は15分前より）

会場｜LVDB BOOKS（大阪府大阪市東住吉区田辺3丁目9−11）

参加費｜無料（投げ銭）

定員｜10名（要予約。前日までにTRA-TRAVELのinstagramまたはfacebookより予約ください）

主催｜TRA-TRAVEL

共催｜c.95d8

助成｜大阪市、芳泉文化財団

Workshop 3 with c.95d8 — “Same but Different”

Date & Time｜Saturday, August 23, 15:00–16:30 (doors open 15 minutes prior)

Venue｜LVDB BOOKS (3-9-11 Tanabe, Higashisumiyoshi-ku, Osaka)

Admission｜Free (donations welcome)

Capacity｜10 participants (reservation required; please book via TRA-TRAVEL’s Instagram or Facebook by the day before)

Organizer｜TRA-TRAVEL

Co-organizer｜c.95d8

Support｜Osaka City, Housen Cultural Foundation

ワークショップ3 with c.95d8「Same but Different」

香港を拠点に活動するアーティスト・コレクティブ「c.95d8」を招聘し、パフォーマンス・ワークショップを体験・実践します。c.95d8は障害をもつ人々の経験を基盤とし、障害を創造的な資源かつ、熟考に値する主題として、パフォーマンスやワークショップを実施してきました。また、c.95d8が運営する「Crip Art Residency」では、障害のあるアーティストを受け入れを行ってきました。「Crip※」という言葉に込められているのは、障害者としての誇りや文化を積極的に受け入れる姿勢です。

大阪で実施する本イベントでは、c.95d8のこれまでの活動から育まれた「身体の差異と人々のあいだに流れる時間との関係」を探り、また「自分自身、他者、そしてそれらの関わりを形づくるもの」との、繊細な相互作用を探るワークショップでありパフォーマンスでもあります。

※ Crip：かつて差別的に使われた「cripple」に由来する言葉を、自分たちであえて使い直しポジティブに転換し使用している

Workshop 3 with c.95d8: Same but Different

We invite the Hong Kong–based artist collective c.95d8 to lead a participatory performance workshop. Rooted in the lived experiences of people with disabilities, c.95d8 has developed performances and workshops that treat disability as both a creative resource and a subject worthy of deep contemplation, which is understood as ‘crip’ to embrace the disability pride and culture.

In this Osaka event, participants will explore the relationship between bodily differences and the flow of time among people, while also engaging with the delicate interplay between the self, others, and the objects that shape these connections. Blending the formats of workshop and performance, the session offers a space to sense, reflect, and practice together.

c.95d8

2022年に設立された香港のアート＆コリビングスペース／コレクティブ。c.95d8は「クリップ（Crip）」をめぐる課題に焦点を当て、文化イベントやアーティスト・イン・レジデンスを企画・運営しています。「Crip（クリップ）」とは、英語の「cripple（身体障害者）」を当事者が再定義し、肯定的に用いる言葉です。障害を弱点ではなく新たな価値や視点の源泉とみなし、障害者運動のスラング的な自称として用いています。

またc.95d8が運営する「Crip Art Residency」では、障害のある人々の生活経験を基盤としたプログラム運営を行っています。

c.95d8

c.95d8 is a Hong Kong art and coliving space and collective founded in 2022. c.95d8 focuses on crip issues, and curated cultural events and artist residencies. Crip Art Residency is based on the lived experiences of disability. This program views disability as a creative resource and a subject worthy of contemplation, aiming to expand the spectrum of contemporary art while also re-presenting various dimensions of disability.

English follows Japanese

TRA-TRAVELは、国内外のアートオーガナイゼーションが実施したワークショップなどを、開催地の土地柄に合わせてリメイクし実施するプロジェクト『TRA-PLAY』をスタートします。

2025年夏に連続して開催するTRA-PLAY vol.1〜3 では、ハノイのアートハブ 『AiRViNe』、広州のアーティストコレクティブ 『刺紙』、香港のアーティストコレクティブ 『c.95d8』 が参加します。

それぞれの地域で培われてきたアートプロジェクトを大阪版として翻案し、三日に分けてワークショップおよびトークイベントを開催します。

各団体が、その土地の制度・文化・風習・社会状況の中から生み出した実践を大阪で共有し、共に実践することで、同時代の声に耳を傾けると同時に、私たち自身の文化や社会、そして制度について考える機会をつくります。ぜひ足をお運びください。

TRA-PLAY is a project that remakes and reinterprets workshops and other programs originally organized by art organizations in Japan and abroad, adapting them to the local context of the host city.

For TRA-PLAY vol.1–3, we will be joined by Hanoi’s art hub AiRViNe, Guangzhou’s artist collective Prickly Paper, and Hong Kong’s artist collective c.95d8.

Art projects cultivated in each of these regions will be adapted into an Osaka version, presented over three days through workshops and talk events. By sharing and practicing the approaches developed within the systems, cultures, customs, and social contexts of each group’s home region, we aim to create an opportunity not only to listen to diverse contemporary voices but also to reflect on our own culture, society, and systems.

We warmly invite you to join us.

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ワークショップ2 with 刺紙　　「もやもやを木版画にしてみる」

日時｜8月17日（日）14:00–17:00（開場は15分前より）

会場｜LVDB BOOKS（大阪府大阪市東住吉区田辺3丁目9−11）

参加費｜無料（投げ銭）

定員｜10名（要予約。前日までにTRA-TRAVELのinstagramまたはfacebookより予約ください）

対象｜9歳以上（9歳未満は保護者同伴のうえ、事前にご相談ください）

主催｜TRA-TRAVEL

共催｜刺紙

協力｜enno、冬木遼太郎

通訳｜enno

助成｜大阪市、芳泉文化財団

TRA-PLAY vol.2 with Prickly Paper — Moyamoya: Subtle Tensions in Everyday Life through Woodblock Printing

Date & Time｜Sunday, August 17, 14:00–17:00 (doors open 15 minutes prior)

Venue｜LVDB BOOKS (3-9-11 Tanabe, Higashisumiyoshi-ku, Osaka)

Admission｜Free (donations welcome)

Capacity｜10 participants (reservation required; please book via TRA-TRAVEL’s Instagram or Facebook by the day before)

Eligibility｜Ages 9 and up (participants under 9 must be accompanied by a guardian and contact us in advance)

Organizer｜TRA-TRAVEL

Co-organizer｜Prickly Paper

In cooperation with｜enno, Ryotaro Fuyuki

Interpreter｜enno

Support｜Osaka City, Housen Cultural Foundation

ワークショップ2 with 刺紙　「もやもやを木版画にしてみる」

中国・広州を拠点に活動するアーティスト・コレクティブ「刺紙」から、陳逸飛(チェン・イーフェイ)を招聘し、社会を語る術としての木版画をワークショップ形式で実践します。

刺紙の木版画のプロセスを通じて、その活動や背景にある中国の社会状況への理解を深めるとともに、表現手法としての木版画がコミュニケーションツールとしてどのように機能しているのか、その社会的な可能性についても、参加者同士で意見を交わします。家庭や職場、SNS、実社会のなかで私たちが日々感じている小さな違和感を出発点に、それぞれの記憶に残る感覚を木版画でかたちにしていきたいと思います。

Workshop 2 with Prickly Paper — Moyamoya: Subtle Tensions in Everyday Life through Woodblock Printing

In this workshop, we invite Chen Yifei from Prickly Paper, an artist collective based in Guangzhou, China, to explore woodblock printing as a way to speak about society.
Through creating woodblock prints together, participants will gain a deeper understanding of Prickly Paper’s practice and the social context behind their work, while also engaging in dialogue about how woodblock printing can function as a tool for communication and exchange.

Under the theme “Subtle Tensions in Everyday Life through Woodblock Printing”, we will start from the small, hard-to-define feelings of unease that arise at home, at work, on social media, or within society at large. Participants will be encouraged to give shape to these lingering, in-between emotions through the medium of woodblock printing, creating a space to share and reflect on the unspoken dissonances we all encounter.

刺紙

アーティストコレクティブ『刺紙』*は、中国広州で生まれたトイレで読むための小冊子『刺紙』を発行することから活動を開始。『刺紙』の各号の表紙は異なるアーティストによる木版画で印刷され、中身は家庭用プリンターで制作されるなど、手作り感のあるスタイルで本をつくっています。テーマごとに原稿の募集方法や形式を変え、トイレに投稿箱を設置するなど、ユニークな活動を展開しています。
『刺紙』は少数部を販売することで活動を維持し、また雑誌づくりを通じて友人たちとのつながりを深めてきました。 ワークショップは、この〈木版画＋雑誌づくり〉という方法をより広く多様な人々へ届けることを目指しています。これまで17の都市・地域でワークショップを開催し、美術機関、コミュニティスペース、独立系書店、自主運営スペースなどで活動してきました。

 2023年7月には、拠点を黄埔区深井村の店舗へ移し、「刺高聯記」として独立した拠点として活動を続けています。

* 中国語の「刺紙(Prickly Paper)」と広東語の「トイレットペーパー」は同音異義語

Prickly Paper
Prickly Paper is a booklet originally created by Chen Yifei and Ou Feihong for an exhibition at the Fei Art Museum in Guangzhou. The first issues were placed in the public toilets of a Guangzhou building, with its title being a Cantonese homonym for “toilet paper.”

Each issue features a woodblock-printed cover by different artists, while the inside pages are printed with a home printer. Submissions and layouts change with each theme, and the publication embraces a rough, handmade style. Produced in small quantities, Prickly Paper sustains itself through limited sales and serves as a way to connect with friends.

The Prickly Paper workshop aims to bring the practice of woodblock printing and zine-making to a broader and more diverse audience. To date, it has traveled to 17 cities and regions, hosted in art institutions, community centers, independent bookstores, and self-organized spaces.

In July 2023, the project relocated to a storefront in Shenjing Village, Huangpu District, establishing an independent space named Cigao Union.

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TRA-TRAVELは、国内外のアートオーガナイゼーションが実施したワークショップなどを、開催地の土地柄に合わせてリメイクし実施するプロジェクト『TRA-PLAY』をスタートします。

2025年夏に連続して開催するTRA-PLAY vol.1〜3 では、ハノイのアートハブ 『AiRViNe』、広州のアーティストコレクティブ 『刺紙』、香港のアーティストコレクティブ 『c.95d8』 が参加します。

それぞれの地域で培われてきたアートプロジェクトを大阪版として翻案し、三日に分けてワークショップおよびトークイベントを開催します。

各団体が、その土地の制度・文化・風習・社会状況の中から生み出した実践を大阪で共有し、共に実践することで、同時代の声に耳を傾けると同時に、私たち自身の文化や社会、そして制度について考える機会をつくります。ぜひ足をお運びください。

TRA-PLAY is a project that remakes and reinterprets workshops and other programs originally organized by art organizations in Japan and abroad, adapting them to the local context of the host city.

For TRA-PLAY vol.1–3, we will be joined by Hanoi’s art hub AiRViNe, Guangzhou’s artist collective Prickly Paper, and Hong Kong’s artist collective c.95d8.

Art projects cultivated in each of these regions will be adapted into an Osaka version, presented over three days through workshops and talk events. By sharing and practicing the approaches developed within the systems, cultures, customs, and social contexts of each group’s home region, we aim to create an opportunity not only to listen to diverse contemporary voices but also to reflect on our own culture, society, and systems.

We warmly invite you to join us.

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TRA-PLAY vol.1 with AiRViNe

「ベトナム・アフタヌーンティー: In-Betweenness」

日時｜8月16日（土）16:00–19:00（入出場自由）

会場｜イチノジュウニのヨン （大阪府大阪市西成区山王1-12-4）

参加費｜無料（1ドリンク制）

定員｜なし（お茶の提供は数に限りがございます）

主催｜TRA-TRAVEL

共催｜AiRViNe

協力｜C-index

助成｜大阪市、芳泉文化財団

本ワークショップは、ハノイのアートハブ AiRViNe（Artist-in-Residence Vietnam Network）によるシリーズ「Nature on the Roof」をリメイクしたものです。

Nature on the Roofは、ハノイの放置された屋上住宅にアーティストを招き、その空間や近隣住民との対話を通じて制作された本イベントは、レジャーをゲリラ的な実践として再構築する試みでした。

その発想の源となったのは、ベトナムの「trà đá vỉa hè（歩道のアイスティー）」の文化です。それは茶道のような格式張った儀礼に対して、より気軽で共同的なカウンターカルチャーとして生まれました。伝統儀礼がエリート主義であるのに対し、trà đá はお茶を飲む行為を、身近で柔軟かつ共有可能な文化へと変えるものです。輸入された習慣をベトナム現地の状況に合わせて変容させるベトナム人の姿勢――規則を緩め、完璧さを手放し、そこにある可能性を受け入れる――が映し出されています。

大阪では、その精神を翻案し「ベトナム・アフタヌーンティー」を開催します。またイベント内では、「In-Betweenness（間にあること）」と題した公開ディスカッションを行われ、ベトナムのアーティストやアート団体が、その必要性や文脈に応じ――アーティスト、オーガナイザー、キュレーター、そしてインスティテューション――と自在に役割を行き来する在り方を考察します。

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AiRViNe／エアバイン

AiRViNe（アーティスト・イン・レジデンス・ベトナム・ネットワーク）は、
グエン・トゥ・ハンとチャン・タオ・ミエンによって設立。

文化交流やキャリア支援、地域社会との関わり、そして持続可能なアートインフラの育成を目的に、アーティスト・イン・レジデンスを通じてベトナム現代美術シーンの発展の支援をおこなう。2024年以降、AiRViNeは On the Move（OTM） および Green Art Lab Alliance（GALA） の正式メンバーとなり、さらに 台湾アートスペースアライアンス（TASA）、台湾アジア交流基金会、黄金町エリアマネジメントセンター との提携を通じて、ベトナムと国際的なアーティスト・イン・レジデンスをつなぐ重要なハブとしての役割を担う活動を行う。また、ワークショップやトーク、メンタリングを通じ、ベトナムのアーティストが国際的なレジデンスの機会を見つけ繋げる橋渡しとして積極的に支援活動を行う。

TRA-PLAY vol.1 with AiRViNe
Vietnam Afternoon Tea: In-Betweenness

Date & Time｜Saturday, August 16, 16:00–19:00 (free entry/exit)
Venue｜Ichinojuuni no Yon
(1-12-4 Sanno-cho, Nishinari-ku, Osaka)
Admission｜Free (one drink required)
Capacity｜No limit (please note the number of tea servings is limited)
Organizer｜TRA-TRAVEL
Co-organizer｜AiRViNe
In cooperation with｜C-index
Supported by｜Osaka City, Hosen Cultural Foundation

Workshop 1 with AiRViNe: 

“Vietnamese Afternoon Tea: In-Betweenness”

This workshop reinterprets Nature on the Roof, a series organized by Hanoi’s art hub AiRViNe (Artist-in-Residence Vietnam Network).

Nature on the Roof invited artists into an abandoned rooftop house in Hanoi, where they created works in dialogue with the space and its neighbors. The event sought to reimagine leisure as a guerrilla practice.

Its inspiration came from Vietnam’s culture of trà đá vỉa hè—sidewalk iced tea. In contrast to the formality of the tea ceremony, trà đá emerged as a more casual and communal counter-culture. While traditional rituals often carry an air of elitism, trà đá transforms the act of drinking tea into an accessible, flexible, and shared cultural practice. It reflects the Vietnamese approach of adapting imported customs to local realities—relaxing rules, letting go of perfection, and embracing possibility.

In Osaka, we will adapt that spirit into Vietnam Afternoon Tea.

Following the workshop, we will hold a public discussion titled In-Betweenness. This conversation will explore how Vietnamese artists and art organizations move fluidly between roles—artist, organizer, curator, and institution—depending on the needs and contexts of their practices.

AiRViNe

Artist-in-Residence Vietnam Network (AiRViNe) – founded by Nguyen Tu Hang and Tran Thao Mien – aims to support the growth of Vietnam’s contemporary art scene through artist residencies that foster cultural exchange, professional development, community engagement, and sustainable art infrastructure. Since 2024, AiRViNe has become an official member of On the Move (OTM), the Green Art Lab Alliance (GALA), and partnered with Taiwan Art Spaces Alliance (TASA), Taiwan-Asia Exchange Foundation, Koganecho Management Area Center —affirming its growing role as a vital connector between Vietnam and the international art residency landscape.

AiRViNe has organized collaborative residency programs with partners in Vietnam, Taiwan, and Japan, and hosts visiting artists from Vietnam, Italy, Netherlands, UK and Philippines. Through workshops, talks, and mentorship, the network actively supports Vietnamese artists in navigating and applying to international residency opportunities.

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中国・福建省出身のアーティスト、楊健（Yang Jian）は、2024年にTRA-TRAVELのレジデンスプログラム「AIRΔ vol.8 with WHITE SPACE Beijing」に参加し、大阪で展覧会『タコの庭』を開催しました。

その後も大阪を拠点に活動を続ける楊は、2025年2月から5月までニューヨークのQC Art Centerのアーティストインレジデンスに参加。「清潔／検問」の関係性や、それらが引き起こす人種やイデオロギーの分断、それによる生活や思想への影響をテーマに制作を行いました。

今回の「Beer with Artist vol.9」では、ニューヨークでの滞在制作、現在の大阪での暮らし、そして中国のアートシーンについて、楊さんにじっくりとお話をうかがいます。

本イベントは、「アーティストに聞いてみる」をテーマに、気軽に相談したり、交流を楽しんだりできるカジュアルな場として、新たなつながりを生み出すことを目指しています。

中国の文化や地域の話題にとどまらず、さまざまな国でのアーティストとしての経験や視点を交えた自由な対話を楽しめる機会になれば幸いです。

今回のイベントでは、楊の映像作品もあわせてご紹介します。

皆さまのご来場を、心よりお待ちしております。

✅イベント情報 

日時：2025年7月 10 日（木）　19:00 ~ 21:00

言語：日本語・英語

参加費：自由（ドネーション制）

会場：EARTH  2階 (〒557-0002 大阪府大阪市西成区太子１丁目３−２６)

主催：TRA-TRAVEL 

協力：EARTH

✅アーティスト情報

楊健（Yang Jian）

アーティスト

1982年 中国福建省生まれのビデオとインスタレーションを主に制作するアーティスト。厦門大学芸術学院で学士号（2004年）と修士号（2007年）を取得後、2009年から2010年までStichting Niemeijer Fonds（NL）の助成を受けRijksakademie van Beeldende Kunsten（オランダ）に滞在。 2015年にHUAYU Youth Awardの審査委員会特別賞を受賞。2018年OCATヤング・メディア・アーティスツ・オブ・ザ・イヤー受賞。中国、ドイツ、アメリカ、オランダで個展及びグループ展を多数開催。

主な展示として、「個展：Geyser」（WHITE SPACE、北京、2023年）、「Motion is Action-35 years of Chinese Media Art」（BY ART MATTERS、Hangzhou、2023年 ）、「Three Rooms: Edge of Now」（ZKM、カールスルーエ、2019年／ナムジュンパイクアートセンター、2018年）など。

現在中国の南京及び大阪を拠点に活動。

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Beer with Artist vol.9
with Yang Jian   

Clean/Censorship

Looking back on the practices and projects from Beijing to Osaka to New York.

Yang Jian, an artist from Fujian Province, China, participated in the TRA-TRAVEL residency program “AIRΔ vol.8 with WHITE SPACE Beijing” in 2024, during which he held an exhibition titled The Octopus Garden in Osaka.

Since then, he has continued to base his practice in Osaka. From February to May in 2025, Yang participated in a residency program in New York, where he developed work exploring the relationship between “clean” and “censorship,” and how these concepts contribute to divisions rooted in race and ideology—affecting daily life and modes of thought.

In this upcoming Beer with Artist vol.9, we will hear directly from Yang about his residency experience in New York, his current life in Osaka, and his perspective on the Chinese contemporary art scene.

This event is designed as a casual and open space to “ask the artist,” allowing participants to freely engage in conversation, ask questions, and make new connections.

We hope this will be a space not only to discuss Chinese culture and local issues, but also to enjoy open dialogue informed by Yang’s experiences as an artist working across different countries and contexts.

Yang’s video works will also be presented as part of the event.

We warmly welcome your attendance!

✅ Event Information

Date & Time: Thursday, July 10, 2025 | 19:00–21:00　

Language: Japanese & English

Admission: Free (donations welcome)

Venue: EARTH, 1-3-26 Taishi, Nishinari-ku, Osaka-shi, Osaka 557-0002, Japan

Organized by: TRA-TRAVEL

In cooperation with: EARTH

✅ Artist Information

Yang Jian

Artist

Born in 1982 in Fujian Province, China, Yang Jian is an artist primarily working with video and installation. He earned both his bachelor’s and master’s degrees from the Academy of Arts at Xiamen University in 2004 and 2007, respectively. From 2009 to 2010, he was a resident at the Rijksakademie van Beeldende Kunsten in the Netherlands, supported by the Stichting Niemeijer Fonds.

In 2015, he received the Jury Special Award at the HUAYU Youth Award, and in 2018 he was named OCAT Young Media Artist of the Year. He has presented solo and group exhibitions in China, Germany, the United States, and the Netherlands. Recent exhibitions include Geyser at WHITE SPACE Beijing (2023), Motion is Action – 35 Years of Chinese Media Art at BY ART MATTERS in Hangzhou (2023), and Three Rooms: Edge of Now at ZKM in Karlsruhe (2019) and the Nam June Paik Art Center (2018).

Yang is currently based in Nanjing, China, and Osaka, Japan.

English follows Japanese

ワンタニー・シリパッタナーナンタクーン（Wantanee Siripattananuntakul）は、バンコクを拠点に国際的に活動するアーティストです。2025年5月よりPARADISE AIRのアーティストインレジデンスとして松戸に滞在し、「空き家」をテーマに新作のリサーチと制作を行っています。また、大阪にも1週間滞在し、都市と記憶にまつわるリサーチを行います。

シリパッタナーナンタクーンは、一緒に暮らすアフリカンパロット「ボイス（Beuys）」との共同制作や、人間と非人間の関係性、経済、所有、記憶、喪失といったテーマを鋭く掘り下げ、映像、彫刻、インスタレーションなど多様なメディアで表現しています。これまで第53回ヴェニスビエンナーレ・タイ館代表、FRIEZE London 2023、タイランドビエンナーレ2023など、世界各地で作品を発表してきました。

今回の「Beer with Artist vol.8」では、シリパッタナーナンタクーンとともに街を歩きながら、「空き家」や「家の記憶」について考えます。アーティストからの問いかけに、参加者が応える対話形式で進行し、日常のなかに潜む社会的なテーマを身近に感じるひとときを目指します。

本イベントは、「アーティストに聞いてみる」をテーマに、気軽に相談や交流ができるカジュアルな場として、新たなつながりを生み出すことを目的としています。

タイにとどまらず、さまざまな文化や国を渡り歩いてきたアーティストとしての経験や、現在滞在中の松戸でのリサーチ、さらに6月にシラパコーン大学アートセンターで開催予定の個展についての話など、自由な対話を楽しめる場になればと思います。表現することや個人としての葛藤など、アーティスト本人へのざっくばらんな質問や相談も大歓迎です。

皆さまのご来場を心よりお待ちしております。

✅イベント情報 

日時：2025年5月30日（金）　15:00~17:00　※雨天中止

言語：日本語・英語

参加費：自由（ドネーション制）

会場：大阪市此花区（詳細は当日13時までにTRA-TRAVELのInstagramまたはfacebookでお問い合わせください）

主催：TRA-TRAVEL 

協力：PARADISE AIR

✅アーティスト情報

ワンタニー・シリパッタナーナンタクーン（Wantanee Siripattananuntakul）

アーティスト

 1974年、タイ・バンコク生まれのワンタニー・シリパッタナーナンタクーン（Wantanee Siripattananuntakul）は、社会・政治・経済の構造、不平等やイデオロギーが日常生活に与える影響に焦点を当て、詩的な問いとグローバルな構造への批評的なまなざしに根差した実践（映像、オーディオ、彫刻、インスタレーションなど）を行うアーティスト。

2009年には、第53回ヴェニスビエンナーレ・タイ館に選出され、その後も、National Museum of Modern and Contemporary Art（ソウルl）、Museo MACRO（ローマ）、MAIIAM Contemporary Art Museum（チェンマイ）、Frieze Art Fair（ロンドン）など、国際的な美術館やビエンナーレ、アートフェアで作品を発表しています。

2025年5月現在、松戸のPARADISE AIRにてアーティスト・イン・レジデンスとして滞在し、記憶、生態系、都市空間の静かな変容をテーマにした新作を制作しています。

■イベント前インタビュー

Qenji Yoshida（以下QY）: ワンタニ―さんは近年世界中の様々な地域で活動をされていますが、まずはご自身がどんなアーティストで、どんなことに関心をもって制作されているのか、簡潔に自己紹介いただけますか？

Wantanee Siripattananuntakul（以下WS）：私の作品は映像、音、彫刻、インスタレーションの間を行き来しますが、自分ではそれらを特に区分しているのわけではなく、「問いを立てる方法」として捉えています。階級、所有、相続、種のヒエラルキーといったシステムを通して、政治的・経済的・感情的な力が私たちの暮らしに与える影響を探っています。近年はより動物や石、光といった人間に限らない存在との協働により関心をよせています。彼らはただの象徴ではなく、紡がれる歴史を共に目撃し、参加している存在だと考えているからです。

making shadows speak © Wantanee Siripattananuntakul

QY:  近年のご活動を追えていないので、今回お話を聞けるのがとても楽しみです。
現在、松戸のPARADISE AIRでアーティスト・イン・レジデンスに参加されているとのことですが、そこではどのようなプロジェクトやリサーチを行っているのでしょうか？

WS：今、松戸で取り組んでいるプロジェクトでは、日本の「空き家」に潜む重層的な物語を探っています。私は街を歩き、写真を撮り、断片を収集し、近隣に住む人や、その場所に今も想いを寄せている人たちに話を聞いています。

家が空き家になる理由は決して単純ではありません。法制度や感情的な距離の問題だけでなく、経済的な負担、地域の政治、口にされにくいコミュニティの懸念など、さまざまな要因が絡み合っています。たとえば松戸では、地元の職員から「税負担の問題よりも、近隣住民の安全への不安や、景観を保たなければという圧力が空き家問題の発端だった」と教えてもらいました。

私はこうした「間（あいだ）」の空間　―記憶やケア、制度的な力が交錯する場所―　に惹かれています。
空き家は、単に放置された建物ではなく、ためらいや圧力、そして移行の記録として、静かにそこに在り続けているのだと感じます。

‘The “end of history” will not come tomorrow © Wantanee Siripattananuntakul

QY:  人、記憶、所有や経済、人口など、さまざまな要因が複雑に交差するテーマとして「空き家」なのですね、かなり面白いですね。
なかなか簡単には扱えない難しさもあるテーマだと思いますが、今回の松戸や大阪でのリサーチが今後どのように展開していくのか、とても楽しみにしています。

この「空き家」にまつわる問題は、タイでも似たような状況があるのでしょうか？

WS：タイに現在の日本のような「空き家」問題があるかどうかははっきりとは言えませんが、さまざまな理由で空き家になっている住宅は多くあります。

タイでは、一般の人々にとって住宅ローンの仕組みがとても複雑で、家を買うのは簡単ではありません。金利も非常に高く、私が大洪水の後に特別プロモーションで家を購入したときですら、最低でも3％の金利を払う必要がありました。通常は5〜6％が一般的で、長期的には大きな負担になります。

そのため、ローンの支払いが続けられずに銀行に差し押さえられ、住宅が中古物件として再び市場に出されるケースが多くあります。

もう一つの問題は、仕事が見つからずその地域を離れる必要がある場合です。その際、家を残して賃貸に出そうとするのですが、タイでは賃貸契約の法律が弱く、貸主を守る仕組みが十分ではありません。借主が物件を大切に扱わなくても、対処できる手段が限られています。

上記のように、タイにも空き家は多くあります。ただし、それは日本のような地方の「過疎化」によるものではなく、経済的な圧力、不安定な住宅制度、そして法的保護の弱さによるものでしょう。これを「空き家」と呼べるのかはまだ考えているところですが、別の力によって形作られた、構造的な「放置」だと言えるかもしれませんね。

making shadows speak © Wantanee Siripattananuntakul

QY:  今回の大阪のイベントでは、ギャラリーなどでのトークイベントではなく、歩きながら行います。ワンタニーさんご自身も、日本や大阪の「空き家」について、参加者にむしろ質問をしてみたいと話されていましたが、具体的にはどのようなことを聞いてみたいと考えていますか？

WS： 一緒に街を歩きながら観察し、より自然なかたちで思考を交換するような時間にしたいと考えています。　最初から自分の考えを提示するのではなく、参加者に「空き家」についていくつか質問を投げかけたいと思っています。
例えば

1. 記憶をもつと思えるような家を見かけたことはありますか？ そのとき、どんな気持ちになりましたか？

2. 誰にも見られていないとき、空き家の中では何が起きていると思いますか？

3. 離れたくなかった場所を手放さなければならなかった経験はありますか？

4. 手放したくないのに、それでも人が家を手放すのはなぜだと思いますか？

これらの問いは、個人的な記憶や想像、そして大きな社会的構造について静かに考える空間を生み出します。　散歩中には参加者の声をいくつか映像で記録できればとも考えています。 これらの映像は、のちに「ケア」「不在」「都市の重層的な生命」に関するより大きな作品の一部になる可能性があると考えています。

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Beer with Artist vol.8
with Wantanee Siripattananuntakul

“Walking Through Osaka’s Quiet Spaces: Memory, Nature, and What Remains”

Wantanee Siripattananuntakul is a Bangkok-based artist working internationally. Since May 2025, she has been staying in Matsudo as part of the PARADISE AIR artist-in-residence long-stay program, where she is researching and creating new work around the theme of “vacant houses.” She is also spending a week in Osaka to further explore themes related to urban space and memory.

Siripattananuntakul’s multidisciplinary practice—spanning video, sculpture, and installation—explores complex themes such as the relationship between human and non-human beings, economic systems, ownership, memory, and loss. Often collaborating with her African parrot Beuys, she has exhibited globally, including representing Thailand at the 53rd Venice Biennale, and participating in Frieze London 2023 and the Thailand Biennale 2023.

In this edition of Beer with Artist vol.8, participants will join the artist on a walk through the city, engaging in conversations around vacant homes and the memories embedded in them. The event will unfold in a dialogue format, with participants responding to questions from the artist—creating an opportunity to reflect on the hidden social layers of our everyday surroundings.

This casual event aims to be a welcoming space for exchange and connection, based on the theme “Ask the Artist.”

We hope the event will offer room for free and open dialogue—whether about her experiences working across cultures and countries, her ongoing research in Matsudo, or her upcoming solo exhibition in June at the Art Centre of Silpakorn University. Questions about artistic practice, personal struggles, or creative concerns are all welcome.

We look forward to seeing you there!

✅ Event Information

Date & Time: Friday, May 30, 2025 | 15:00–17:00　* Cancelled if it rains

Language: Japanese & English

Admission: Free (donations welcome)

Venue: Konohana Ward, Osaka City

(For details, please contact TRA-TRAVEL via Instagram or Facebook by 1:00 PM on the day of the event.)

Organized by: TRA-TRAVEL

In cooperation with: PARADISE AIR

✅ Artist Information
Wantanee Siripattananuntakul

Artist

Born in 1974 in Bangkok, Thailand, Wantanee Siripattananuntakul is a multidisciplinary artist whose practice spans video, sound, sculpture, and installation. Her work examines complex social, political, and economic systems, with a particular focus on inequality and the impact of ideological structures on everyday life.

She earned a B.F.A. from Silpakorn University and later studied under Prof. Jean-François Guiton at Hochschule für Künste Bremen, where she was awarded the Meisterschüler title in 2007.

In 2009, she represented Thailand at the 53rd Venice Biennale and has since exhibited

internationally at institutions such as the National Museum of Modern and Contemporary Art (Seoul), Museo MACRO (Rome), MAIIAM Contemporary Art Museum (Chiang Mai), and Frieze Art Fair (London). Recent highlights include the 7th Anyang Public Art Project in South Korea, the Thailand Biennale in Chiang Rai, and her participation in the Art Explora Residency at Cité internationale des arts in Paris (2024).

She is currently an artist-in-residence at Paradise Air in Matsudo, Japan, where she is developing new work that explores memory, ecology, and the quiet transformation of urban space.

Her works are part of several public collections in Thailand, including the Ministry of Culture and the MAIIAM Contemporary Art Museum. Through residencies and exhibitions across Asia and Europe, she continues to build a practice grounded in poetic inquiry and critical engagement with global structures.

■interview

Qenji Yoshida (hereafter QY):

You’ve been active in many different regions around the world in recent years, but to begin, could you briefly introduce yourself? What kind of artist are you, and what themes or questions are central to your practice?

Wantanee Siripattananuntakul (hereafter WS):

My practice moves between video, sound, sculpture, and installation — but I think of it less in terms of media, and more as a way of asking questions. I explore how political, economic, and emotional forces shape our lives, often through systems like class, property, inheritance, and species hierarchy.

Much of my work traces what disappears quietly: a fading memory, a displaced animal, an overlooked document. I’m interested in subtle resistance — gestures that seem small, but carry emotional and political weight. Whether through a misplaced feather, a shifted pedestal, or an echo in the image, I try to create spaces where meaning doesn’t declare itself, but arrives slowly, through tension, silence, or care.

I often work with material as memory—fragile, living, or unstable—and with a more-than-human presence, where animals, stones, and light are not symbols but witnesses and participants in unfolding histories.

QY: I haven’t been able to follow your recent work closely, so I’m really looking forward to hearing more from you this time.

I understand you’re currently participating in an artist-in-residence program at PARADISE AIR in Matsudo—could you tell us about the project or research you’re working on there?

WS: Yes, I’m here for a residency at PARADISE AIR.

My current project explores the layered stories within akiya — Japan’s vacant houses. I walk through neighbourhoods, photograph, collect fragments, and speak with people who live nearby or still feel attached to these places.

The reasons a house becomes akiya are never simple. It’s not only about legal systems or emotional distance—often, it’s tied to economic strain, local politics, and unspoken community concerns. In Matsudo, for example, I learned from a local official that the issue began less with the tax burden and more with neighbours’ anxiety about safety and the pressure to maintain appearances.

I’m drawn to this in-between space, where memory, care, and structural forces interact. These houses aren’t just abandoned; they are silent records of hesitation, pressure, and transition.

QY: So “akiya” (vacant houses) is a theme where many complex factors intersect—people, memory, ownership, economy, population… That’s really fascinating.

It also seems like a difficult topic to approach, not something that can be easily addressed. That’s why I’m very curious to see how your research in Matsudo and Osaka will develop moving forward.

Do you see similar issues related to vacant houses in Thailand as well?

WS: I’m not sure if we have the same kind of “akiya” issue in Thailand, but we definitely have many empty houses for different reasons.

In Thailand, the housing finance system is complicated for ordinary people. Buying a house is hard because the loan system isn’t built for us. The interest rates are very high — even when I purchased my home with a special promotion after the big floods years ago, I still had to pay at least 3% interest. Usually, people pay 5 or 6%, which becomes a huge burden over time.

Many people can’t keep up with payments, so the bank seizes the house and puts it back on the market as second-hand property. There are a lot of those cases.

There’s another issue — people may have to move away because they can’t find work in that area, so they leave the house and try renting it out. But renting in Thailand is risky. We don’t have strong laws to protect landlords, so if the tenants don’t take care of the property, you cannot do much.

So yes, we have many empty houses. But they don’t come from rural decline like in Japan. They come from economic pressure, insecure housing systems, and weak legal protections. I’m still considering whether we can call it “akiya,” but it’s a related kind of structural abandonment, shaped by different forces.

QY: For this event in Osaka, instead of holding a talk in a gallery setting, it will take place as a walk through the city.

You mentioned that you would actually prefer to ask questions to the participants about “akiya” (vacant houses) in Japan and Osaka, rather than just sharing your own perspective.

What kind of questions are you hoping to ask specifically?

WS: Yes, instead of giving a formal talk, I wanted this event to be a shared walk, where we observe the city together and exchange thoughts more naturally. Rather than presenting my own views right away, I’d like to ask participants a few quiet questions related to vacant houses (akiya)—and the memories, emotions, or meanings these spaces might carry. These questions aren’t meant to have “correct” answers. They’re gentle prompts to reflect on the places we often pass without noticing and open up personal or social layers of thinking. For this walk, I’m planning to ask four questions: 1. Have you ever passed by a house that felt like it was holding a memory? What did you feel? 2. What do you think happens inside these empty houses when no one is watching? 3. Have you ever had to let go of a place you didn’t want to leave? 4. What makes people give up a house, even when they don’t want to? These questions create a quiet space for personal memory, imagination, and reflection on larger social systems. I also hope to record some of the participants’ responses on video, as we walk, filming from behind to keep the focus on the surrounding environment and the voice, rather than on the person. These recordings may later become part of a broader work about care, absence, and the layered life of cities.

English follows Japanese

マリカ・コンスタンティーノ（Marika Constantino）は、フィリピンを拠点に活動するアーティスト／キュレーター／カルチュラル・ワーカーです。
2012年、マニラのEscolta地区にて98B COLLABoratoryを共同設立し、歴史的建築物を活用してアートと地域をつなぐ実験的なプラットフォームを運営してきました。

現在はRoxas Cityに自ら立ち上げた「KANTINA」を拠点とし、アーティスト・イン・レジデンスを通じて地域住民と共に学び、創造する場づくりに取り組んでいます。
2017年には、エディンバラ大学の「Global Cultural Fellow」やアジアン・カルチュラル・カウンシルのニューヨーク・フェローシップに選出され、また2021年には蓮沼執太の「Silence Park」にも参加するなど、国内外で多彩な実践を行ってきました。

今回の「Beer with Artist vol.7」では、幅広いコンスタンティーノのこれまでの歩みをたどるトークイベントを開催します。 

本イベントは「アーティストに聞いてみる」をテーマに、気軽に相談や交流が楽しめるカジュアルな場として、新しいつながりを築く機会を創出します。

フィリピンの文化や地域の話題にとどまらず、アーティスト／カルチュラル・ワーカーとしての経験や、現在拠点としているRoxasでの取り組みなど、自由な対話を楽しめる場になればと思います。

皆さまのご来場を心よりお待ちしております。

✅イベント情報 

日時：2025年5月15日（木）　19:00~20:30

言語：英語（ときどき日本語サポート）

参加費：自由（ドネーション制）

会場：SUCHSIZE (大阪府大阪市西成区山王１丁目６−２０)

主催：TRA-TRAVEL 

共催：KANTINA

✅アーティスト情報

Marika Constantino／マリカ・コンスタンティーノ（フィリピン）

アーティスト、KANTINAディレクター

フィリピン内外の主要な展覧会に参加。キュレーター及びリサーチャーとしても活動しており、また世界各国の出版物に多数寄稿しているフリーランスのライターでもある。ザ・フィリピン・カレッジ・オブ・アーキテクチャー大学で学位を得た後、UPカレッジ・オブ・ファイン・アーツでは美術史を専攻し、さらに学識を深めた。芸術が持つ知性的、概念的、経験的な側面のバランスを保ちながら、意欲的に活動を続けている。2015年から2018年には、マニラのエスコルタにあるファースト・ユナイテッド・ビルディング・コミュニティ・ミュージアムの事業を取りまとめ、同じくマニラのイントラムロスにあるDestileria Limtuaco Museumの監督も務めた。2018年から2019年には、アジアン・カルチュラル・カウンシルのニューヨーク・フェローシップに選出され、翌年2020年2月には、西ビサヤ地方に知識と創作活動を共有するためのアートスペース「KANTINA」を創立。そして現在は、フィリピンのマニラとカピスの首都ロハスにて活動を続けている。

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Beer with Artist vol.7
 with Marika Constantino

“Art Practices in the Philippines: Alone and Collectively”

Marika Constantino is an artist, curator, and cultural worker based in the Philippines. In 2012, she co-founded 98B COLLABoratory in the Escolta district of Manila, operating an experimental platform that connected art and the local community through a historical building.
  Currently, she runs KANTINA, an artist-in-residence program she founded in Roxas City, fostering spaces for learning and creativity in collaboration with local residents.
In 2017, she was selected as a “Global Cultural Fellow” by the University of Edinburgh and received a New York Fellowship from the Asian Cultural Council. With a strong international presence, she continues to engage with society, history, and memory through her art-based practice.

At Beer with Artist vol.7, we will hold a casual talk event where we ask Constantino about her past activities.
  This series, themed “Ask the Artist,” aims to create relaxed opportunities for conversation and connection with artists. Participants are encouraged to enjoy food and drinks while exchanging thoughts with the artist.
  Not only will we talk about the Philippines, but also casually explore questions like how she has survived as an artist and cultural worker, and learn more about her current activities in Roxas.
  We warmly invite everyone to drop by and join the conversation!

✅ Event Information

• Date and Time: Thursday, May 15, 2025, 19:00–20:30
• Language: English
• Admission: Free (Donations welcome)
• Venue: suchsize, 1-6-20 Sanno, Nishinari-ku, Osaka, 557-0001
  
  

Organizer: TRA-TRAVEL
Co-organizer: KANTINA

✅ Artist Information
 Marika Constantino (Philippines)
Artist-Curator / Founder of KANTINA

Marika Constantino is an artist, cultural worker and independent curator who has participated in significant exhibitions, events, and projects in the Philippines and abroad. She is also a freelance writer who has contributed to a number of globally distributed publications. Her early exposure to art coupled with her boundless fascination for the creative process resulted in a degree from the UP College of Architecture to further studies at the UP College of Fine Arts, with Art History as her major. Her works and projects are centered on patterns, layers, textures, and materials, and its intersection with history, memory and culture. Constantino is continually striving to strike the balance between the cerebral, conceptual and experiential aspects of art with life in general, thus, fueling her fervent passions for artistic endeavors. In 2017, she was selected to be one of the Global Cultural Fellows of the Institute of International Cultural Relations at the University of Edinburgh, United Kingdom. That same year she was supported by the British Council, Manila to participate in a cultural leadership program at the King’s College in London, United Kingdom. As part of her art practice, she co-directed the programs and activities of 98B COLLABoratory (2012-2018), curated and coordinated the undertakings of the First United Building Museum (2015-2018) in Escolta, Manila and curated the Destileria Limtuaco Museum (2018) in Intramuros, Manila. She was awarded the New York Fellowship for 2018-2109 by the Asian Cultural Council. In February 2020, Constantino established KANTINA, an art space for co-learning and co-creation. She is currently based in both Manila and Roxas City, Capiz in the Philippines.

イベント情報 「ギャラリスト・ジョンスワットに聞くタイのアート」

日時：2024年2月14日　18:00~20:00　要予約

言語：英語

料金：飲食割り勘制

主催：TRA-TRAVEL

Beer with Artist vol.4 with Jongsuwat Angsuvarnsiri ” Ask gallerist Jongsuwat Art in Thailand” 

Jongsuwat Angsuvarnsiri is a co-founder of SAC Gallery based in Bangkok and Chiang Mai where he also runs a residency program. Having graduated from Sotheby’s Institute of Art in London, Jongsuwat’s interest is in art investment, art business development and art collecting. At the gallery, Jongsuwat focuses on working with emerging artists to connect between Thailand and the international art scene. 

Their talk session, Beer with Artist vol.4, is scheduled to take place in Kitakagaya area in Osaka. 

This event is designed as a casual talk session with “Frank Q&A.” It aims to foster casual interactions with the art practitioners, allowing attendees to enjoy meals and drinks, engage in spontaneous conversations, and forge new connections – a refreshing divergence from standard artist talks. We invite attendees to not only discuss the art itself but also to delve into candid inquiries about himself, his life experiences, among other topics. We eagerly anticipate your presence. 

EVENT details Beer with Artist vol.4 with Jongsuwat Angsuvarnsiri ” Ask gallerist Jongsuwat Art in Thailand” 

Venue: Inquiry required (up to 15 people) 

Date & Time: February 14, 2024 18:00-20:00, reservation required 

Language: English 

Fee: Even split for food and drink 

Organized by: TRA-TRAVEL

ジャコモ・ザガネッリ（Giacomo Zaganelli）とシルビア・ピアンティーニ（Silvia Piantini）は、イタリア出身でベルリンを拠点とするアーティスト兼デザイナーのデュオです。彼らはアジア、特に台湾や日本で精力的に活動しており、土地の文脈や地元民と多文化的対話を通じて、空間、身体性、生物と素材の関連性を探求しています。
Beer with Artist vol.2では、西成区の居酒屋を併設するアートスペース「イチノジュウニのヨン」を会場にトークイベントを行います。
本イベントは「アーティストに聞いてみる」をテーマに、気軽にアーティストとの交流を生むカジュアルなトークイベントです。来日したアーティストと一緒に食事やお茶を楽しみ、会話を交わし、新たなつながりを築くことを目的とします。作品の事だけでなく、アーティストに対する素朴な疑問や、イタリアやベルリンの生活についてなど、自由な会話を楽しむ機会をもちたいと思います。この機会に、一緒にお茶を飲みながらアーティストの視点を介して、世界に足を踏み入れてみませんか？皆様がふらりと立ち寄られることを心待ちにしております。

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“Beer with Artist”
Vol.2 Giacomo Zaganelli and Silvia Piantini

November 4, 2023, from 4 to 6 PM @ Ichinojuni no Yon

1-12-4 Sanno, Nishinari-ku, Osaka City

“Beer with Artist”

Vol.2 Giacomo Zaganelli and Silvia Piantini

Date: November 4, 2023 (Saturday) from 4 to 6 PM
*Free entry and exit, no reservation
Venue: Ichinojuni no Yon
1-12-4 Sanno, Nishinari-ku, Osaka City

Language: English, Japanese
Fee: Free (One-drink order system)
Organizer: TRA-TRAVEL
In cooperation with: C-index, FIGYA, NART

■ Artist Profile

Giacomo Zaganelli and Silvia Piantini

Giacomo Zaganelli and Silvia Piantini are an artist+designer duo from Italy, based in Berlin. Working together and sharing the same approach towards art and life, the duo investigates the connection and the relationships between space and physicality, living things and materials.
The research and discovery of different contexts, exploring peculiar details and activating a multicultural dialogue with locals, are considered fundamental moments and integrant part of their practice. A participatory approach and an unconventional involvement of the local resources always influence the outcome of their collaboration, encompassing different types of languages that, from time to time, take the form of actions, interventions, installations, performances, case studies. Art as a medium to get in touch with local contexts.
The duo has been actively working in Asia for many years, mainly in Taiwan and Japan and recently also in Thailand. In 2021 Zaganelli participated in the Thailand Biennale in Korat and Piantini joined him as project coordinator.

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“Beer with Artist”
Vol.1 Fanni Futterknecht

May 21, 2023, from 6 PM @Hoffma
https://goo.gl/maps/nAZze3raxPfvhBe57?coh=178571&entry=tt

TRA-TRAVEL’s new venture, “Beer with Artist,” is a casual talk event themed around “drinking with the artist”. The aim of this event is to enjoy meals and drinks with artists visiting Japan, exchange conversations, and build new connections. Unlike typical artist talks, we aim to create a space where casual interactions can occur.
Our first guest is Fanni Futterknecht, a contemporary artist from Austria. You can enjoy free conversations while delving deeper into her works, thoughts as an artist, and current interests. Why not take this opportunity to step into the artist’s world while sipping on a drink or coffee together? We look forward to your participation.

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“Beer with Artist”

Vol.1 Fanni Futterknecht

Date: May 21, 2023 (Sunday) from 6 PM
*Free entry and exit, no reservation
Venue: Hoffma
6-13-6 Tanimachi, Chuo-ku, Osaka City, Osaka Prefecture 542-0012
https://goo.gl/maps/nAZze3raxPfvhBe57?coh=178571&entry=tt

Language: English, Japanese
Fee: Free (One-drink order system)
Organizer: TRA-TRAVEL
Co-host: Hoffma

■ Artist Profile

Fanni Futterknecht
https://www.fannifutterknecht.com/

Born in Vienna Fanni Futterknecht has been studying fine art, contextual painting and video at the Gerrit Rietveld Academy Amsterdam and the Academy of Fine Arts Vienna. She participated at CNDC in Angers in France researching live performance, space and the body.
Fanni Futterknecht’s works adopt a position that spans media, ranging between video, performance and installation. In her works she reflects on sociological and social questions, converting them into poetic interpretations. In spatial and plastic realizations and translations, and by means of language, the artist works on – in the form of performance, demonstrations, videos and installations – the construction and deconstruction of scenarios. Performance-installations are understood as processual sculptures, transforming creatively during their staging.Part of this investigation is a concern with processes of media translation and a questioning of the media employed in each context: the translation of the performance into a video. The video as an exhibition. The installation as a performance

■pre-interview with the artist

Qenji Yoshida (QY): We will be discussing this at our event, “Beer with Artist,” but could you briefly tell us about yourself as an artist and the kind of field/area you explore?

Fanni Futterknecht(FF): thank you so much for this invitation. I am really happy about this idea and to have the opportunity to exchange with you and other artists about my work.

So briefly, I am a Vienna based visual artist working with different media mainly of narrative nature such as performance, installation, video and text. I work a lot with different performers as well as musicians depending on the specific project. My last project was about the act of scribbling (in Austrian German kritzeln) as an extended form of writing and speaking and a performative gesture of protest. The work is based on an extensive exploration about rhetoric in public space.

QY: I’ve seen some of your projects, and I’m particularly interested in your performance. While you’re in Japan, what kind of project are you working on?

FF: I came to Japan this time in the frame of an ICA fellowship based on my current research around the theme of play culture and toys in its social and political dimensions. Main goal was to get a broad image, idea or even imagination of where play begins and where it ends in peoples everyday life.

QY: I believe Japan is rich in “play” cultures and would provide an excellent location for researching this topic.

FF: Definitely, Japan is the perfect ground for this exploration as it offer endless opportunities and inputs around the notion of play and game.

This time I found my stay in Japan, even though it was my third time already, challenging, mainly due to language barriers but also I found the artistic context of Kyoto more closed than other bigger cities in Japan such as Tokyo or Osaka . It might have to do with the fact that Kyoto is a very touristic place and emerging in this context as a foreigner can be harder than for example in Tokyo. 

In Japan many relationships establish through being introduced through others, as a foreigner you kind of depend a bit on others taking care for you. That can be on the one hand something really beautiful as my experience in Japan has always been defined by meeting many warm and welcoming people, but sometimes this dependence can also become suffocating when you do need to sort things on your own.

QY: Since this event is titled “Beer with Artist”, I’d like to ask you about your own drinking culture or that of your country. In Japan, we have “Nomikai” (drinking parties). These are gatherings where friends come together at an izakaya (Japanese-style pub) to drink and chat. In business, contracts are often made at “Nomikai” instead of formal meetings or conferences, and in the dating scene, we have a special “Nomikai” called “Gokon”. So, “Nomikai” serves various social functions. What about Austria?

FF:  I have had many Nomikais, I guess, in my previous stays in Tokyo, at least many social moments in bars with friends and colleagues. 

In Austria we have a strong drinking culture too and we also have this saying that many contracts are made in the bars and not in the formal work environments. There is though quite a huge cultural difference. Despite the fact I consider austrians on a European scale  rather shy, in comparison to Japan, they really are very direct in addressing issues that we disagree with or dislike. It is also something I personally always find challenging being in here: How to address a problem or discomfort in a non direct way and by all means avoiding an uncomfortable situation for the other? In Japanese culture you aim to avoid confrontation by all means but in Austria we do the opposite many times. As a consequence people argue much more, especially when they get drunk.

 
QY: Oh, it’s true that I don’t like confrontation either, and tend to think of a dialectic, or a third alternative if there is a conflict. Some people say that people in Japan don’t like confrontation because it is an island country, and they value harmony. Maybe there are political, social, or geopolitical influences… I’d like to talk more about this, but let’s talk more the bar!

It’s true, I also avoid confrontation, and when there’s a conflict, I tend to think dialectically or try to find a third alternative. Some people say that because Japan is an island country, there is a tendency to value harmony and avoid confrontation. Perhaps there are political, social, and geopolitical influences at play… I’d love to delve deeper about you and your practices as well as this topic, but let’s save that for the bar!

ブレーカープロジェクトでは、Yukawa-NakayasuとQenji Yoshidaを迎えて、「[Co-mirroring コ・ミラーリング] – 共にうつしあう-」というテーマのもと、二つの展覧会「Dear」と「来日」を開催いたします。
個々の作家活動にくわえて、”観光と人の動線を生み出す”アートハブ「TRA-TRAVEL」の共同代表としてアジアのネットワークを独自に展開し、海外での活動も多い二人ですが、今回は普段の生活圏である西成区において、約1年半かけてリサーチを行いながら、創作活動を進めてきました。その過程で両アーティストが着目したのは「他者との身体的／心理的距離」、そして「共感」についてです。Yukawa-Nakayasuは、飛田新地料理組合の古写真から肖像画を描くことや、地域の人々の夢を集める行為を通して、コロナ禍で他者と隔絶された時勢に「未来の親愛なる人と出会う方法」について思いを巡らします。一方、Qenji Yoshidaは、フィールドワークで出会った在日中国人との交流を通して、言語や価値観の違い、そこから生まれる摩擦やズレに着目しつつ、異文化の共存や折衷を想像することから作品制作を行いました。
通底するテーマのもと、二名のアーティストが異なるアプローチと表現方法で結実させる二つの展覧会をご高覧いただければ幸いです。

※ Co-mirroring コ・ミラーリング：社会的／身体的など非対称な力学をはらんだ異なる主体が、互いに影響を与えあう双方向的ミラーリング状態を示す造語

■２つの展覧会の詳細：

〇 展覧会A：「Dear」
作家：Yukawa-Nakayasu
会場：飛田会館
住所：大阪市西成区山王3-1-13
入場料：無料
会期：2022年2月11日(金・祝)-13日(日)、17日(木)-20日(日)、23日(水・祝)-27日(日)
開場時間：13:00〜19:00 　

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〇展覧会B：「来日」
作家：Qenji Yoshida
会場：白壁(「紳士用品 丸亀／動物園前一番街商店街」 向かい）
住所：大阪市西成区太子1-11-2
入場料：無料
会期：2022年2月26日(土)・27日(日)、3月3日(木)-6日(日)、10日(木)-13日(日)
開場時間：13:00〜19:00

■アーティストプロフィール
Yukawa-Nakayasu
1981 年大阪生まれ。歴史や習俗や習慣をもとに、社会や身体、日常に内在している営為や現象を視覚化する作品を制作。 近年では「生命の循環」まで視野を広げ、人々の営みから発生するエネルギーの循環に着目している。2018 年に The 12th Arte Laguna Prize 大賞受賞 ( Arsenale, ヴェネツィア )、2017 年に『Japanese Connections』( Nikolaj Kunsthal, コぺンハーゲン ) など。http://yukawanakayasu.net/

Qenji Yoshida
1982年大阪生まれ。言語、翻訳、対話などをテーマに、間違いや誤解を積極的に採用することで国内外で作品制作を行う。2020年文化庁新進芸術家海外研修生として台湾にて滞在制作。主な展覧会に2020年「In Teleland」（宝蔵巌国際芸術村、台北）、2018年「行為の編纂」（TOKAS本郷、東京）、2017年「DELIKADO PELIGROSO」（MATADERO MADRID、マドリード）。https://www.qenjiyoshida.com/

Mong-jane Wu

台北在住。ボストン美術館芸術大学にてMFA取得。写真やパフォーマンスなどから文化風習や様式への介入、写真メディアの境界を思索する作品で知られている。近年では、2018年「台南国際フォトフェスティバル」（台南）に参加。
www.mongjanewu.com

Prapat Jiwarangsan

バンコク在住。ロイヤルカレッジ・オブ・アート（ロンドン）修了。特に移住・移民をテーマにタイの歴史と記憶、政治の関係性を表現する作家として知られている。近年では、2019年にシンガポールビエンナーレに参加。
www.prapat-jiwarangsan.com

Qenji Yoshida

TRA-TRAVEL共同代表。「言語」「翻訳」「対話」から、異言語間や異文化間におけるミスコミュニケーションを考察、探求する試みと実践を行っている。近年では、2017年「Delikado Peligroso」（マドリード）に参加など。
www.Qenjiyoshida.com

Wantanee Siripattananuntakul

シラバコーン大学（バンコク）講師。社会、政治、経済、文化などへ批判的な視線を扱うメディア越境型の作風で知られ、第53回ヴェネチア・ビエンナーレ・タイ館代表。近年では、2018年に個展「THE BROKEN LADDER」（バンコク）など。
www.wantaneesiri.com

Yukawa-Nakayasu

TRA-TRAVEL共同代表。大阪を拠点に歴史や習俗や習慣をもとに、社会や身体、日常に内在している営為を視覚化する作品を制作発表している。近年では、2018年にThe 12th Arte Laguna Prize（ヴェネチア）大賞受賞。
www.yukawanakasu.net

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“Statement of the exhibition”

The rise of low-cost carriers (LCCs) brought a new perspective on geopolitics that closely connected cities beyond countries’ borders. For instance in Europe in 1993, the “Third Package” was adopted as the last stage of the step-by-step process of air transport liberalization, in order to fully open up airline markets. Since then, the EU’s “sense of community” actually started being cultivated beyond countries in accordance with the policy that “allows its people free movement of borders and guarantees them equal treatment with the citizens of the host country”.
Physical/psychological distances between cities have been reduced, and exchanges, intermingling, solidarities, or repulsions in multiple levels became normalized. Such situations could be described as a post-LCC era.
On the other hand, the network proposed by LCCs in Asia, unlike the EU, are subject to firm restrictions upon entry, such as the right to stay for both travelers and immigrants. The social movement dynamics are generated not freely, but formed by the intertwining interests of each country, which makes us imagine post-LCC situations in Asia distinct and diverse when compared with the one in the EU.
Japan, for instance, has started to ease the restrictions on travelers and workers coming from other Asian countries in recent years. The so-called “Inbound Travel Promotion Project (Visit Japan Project)” is part of the government’s measures to resolve the serious shortage of domestic labor. It has triggered more flows and movements of people, things and information, creating new dimensions of social phenomena that are becoming more visible and apparent. It would question, challenge and possibly alter traditional values and social conventions.

The exhibition, which invites a total of seven artists from four Asian countries, examines the “current dynamics brought about by the movement of people, things and information beyond borders”, through the artists’ perspectives on the themes such as tourism, immigration and communication.
The exhibition entails various processes and forms of collaboration, and cooperation, which embody current movement dynamics in Asia. By bringing together a series of excises and a collection of art works, the exhibition aims to trigger imaginations and reflections about a prospective time we call post-LCC.

TRA-TRAVEL

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