AIR Δ / Artist-in-residency Program vol.9 成果展

Lala Monserrat（ララ モンセラット）
『Transitory Landscape』

Key image of  exhibition “Transitory Landscape” as a result of AIR Δ vol.9

JP/EN December 2024

『Transitory Landscape』は、フィリピン人アーティスト、ララ・モンセラットによる「AIRΔ vol.９レジデンスプログラム」の成果展です。

 ピエール・ノラの「記憶の場（Les Lieux de mémoire）」やウィニコットの「移行対象」などの理論に着想を得た本プロジェクトは、インプリント（刻印）という形で、個人の大切にしている物とそれにまつわる物語をアーカイブ化します。それをもとにコミュニティや土地が抱える集合的な癒しの記憶を共有するための展示空間をつくり、社会におけるレジリエンス（共同体における再生）の重要性を提案します。 

私たちは日々の中で、コミュニティへの帰属感や、文化的・歴史的背景を共有する他者との絆を感じているでしょうか。彼女が目にとどめ、耳をかたむけ、触れたことで、身近な物たちからTransitory Landscape-つかの間の風景-が立ち上がり、私たち自身を映し出します。

柏本 奈津（本展キュレーター）

『Transitory Landscape』

会期：2024年 12月13日（金）〜22日（日） ＊火・水定休日

会場：千鳥文化

時間：11:30〜18:00

料金：入場無料

主催：TRA-TRAVEL

共催：国際交流基金マニラ日本文化センター、Orange Project

レジデンスパートナー：一般財団法人 おおさか創造千島財団

助成：大阪市、芳泉文化財団

✅イベント情報

『Transitory Landscape オープニングイベント』

会期：2024年 12月14日（土）

▶︎アーティスト/キュレーターツアー

時間：16:00〜17:00  *日本語通訳有

▶︎インプリント（刻印）ワークショップ

時間：17:00〜18:00

会場：千鳥文化

料金：参加無料

▶︎▶︎インプリント（刻印）ワークショップについて◀︎◀︎

本展では、鑑賞者が「大切にしている物」を粘土にインプリント（刻印）し、「物にまつわるストーリー」を記録するワークショップを、会期中随時実施しています。千鳥文化2階のテーブルに手順が示されていますので、是非大切にしている物をお持ちになり、ご参加ください。

＊12月14日(土), 15日(日), 16日(月)は、アーティストが在廊していますので、説明を受けながらワークショップを体験していただけます。（アーティストの在廊日以外もご参加いただけます）

✅アーティスト/キュレーター情報

ララ・モンセラット
1993年、フィリピンのメトロマニラ、ラス・ピニャス市生まれ。フィリピン女子大学美術デザイン学部でスタジオアート（絵画）の学位を取得。 モンセラットは、「記憶」「経験」「物質」などに宿る、感覚的・現象学的な「瞑想」に関心を持ち、インスタレーション、絵画、映像といった多様なメディアを組み合わせ、形成期やトラウマ的な経験を再構築することから、それらの変容と癒しの過程を表現する。

柏本 奈津
2006年東京芸術大学美術学部先端芸術表現科を卒業。報道番組や映画制作のコーディネートや助監督、美術展やワークショップの企画サポートを行い、なら国際映画祭学生部門の審査員をつとめるなど幅広く活動する。また展覧会カタログや映画字幕など多方面で翻訳を手掛け、その一方で食に興味を持ちフードケータリングを実施している。

✅AIRΔ vol.9について

TRA-TRAVEL、国際交流基金マニラ日本文化センター(JFM)、Orange Projectとが共催し、大阪にフィリピン人アーティストを1名招聘するアーティスト・イン・レジデンスアワードです。 本アワードでは、2024年6月中旬、JFMとOrange Projectによりフィリピン国内でオープンコールを実施、フィリピン各地から65名の応募がありました。フィリピン側の選考委員により6名に絞りこまれ、日本の最終審査で、レジデンスアワード大賞者をララ・モンセラットに決定しました。モンセラットは10月から大阪に滞在し、3カ月間のアーティスト・イン・レジデンスと本成果展を実施します。

“Transitory Landscape“

“Transitory Landscape” is the culminating exhibition of the AIRΔ vol. 9 Residency Program by Filipino artist Lala Monserrat. Inspired by theories such as Pierre Nora’s “Les Lieux de mémoire” (Places of Memory) and D.W. Winnicott’s “Transitional Objects”, this project archives cherished personal objects and the stories behind them through the process of imprinting. Building on this foundation, the exhibition space is created to share collective memories of healing tied to the communities and the land,  highlighting the importance of resilience—the capacity for renewal within a community—in society.In our daily lives, do we feel a sense of belonging to a community or a connection with others who share the same cultural and historical backgrounds? Through Monserrat’s keen observation, attentive listening, and tactile engagement, Transitory Landscape—a momentary landscape—emerges from familiar objects, reflecting ourselves within them.

（Natsu Kashiwamoto, Curator)

■ Event Information
“Transitory Landscape” Opening Event
Date: Saturday, December 14, 2024
Time: 16:00–17:00

▶︎ Artist/Curator Tour
*Japanese interpretation available

▶︎ Imprint Workshop
Time: 17:00–18:00

Venue: Chidori Bunka
Fee: Free admission

▶︎▶︎ About the Imprint Workshop ◀︎◀︎
During this exhibition, we are hosting a workshop where participants can imprint something they value into clay and document the story behind it. Instructions are available on the table on the second floor of Chidori Bunka, so please bring an item you cherish and join in!

*On December 14 (Sat), 15 (Sun), and 16 (Mon), the artist will be present, offering guidance as you experience the workshop. (You are welcome to participate on days when the artist is not present as well.)

Lala Monserrat
Born in 1993 in Las Piñas City, Metro Manila, Philippines, Monserrat earned her degree in Studio Arts (Painting) from the Philippine Women’s University School of Fine Arts and Design. Monserrat’s autobiographical work focuses on sensorial and phenomenological meditations on memory, experience, and materiality. Her practice spans installation, painting, assemblage, and video, reconstructing formative and traumatic experiences, and expressing the processes of transformation and healing.

Natsu Kashiwamoto
Graduated in 2006 from the Department of Intermedia Art at Tokyo University of the Arts. Engaged in a diverse range of activities, including coordinating news programs, assistant directing for film productions, and supporting the planning of art exhibitions and workshops. Also served as a jury member for the student section of the Nara International Film Festival.In addition to extensive work in translation, such as exhibition catalogs and film subtitles, actively explores an interest in food by organizing catering services.

“AIRΔ vol.9” 

“Transitory Landscape” solo exhibition by Lala Monserrat

Dates: 13-22 December 2024  *Closed on Tuesday, Wednesday

Venue: Chidoribunka

Time: 11:30 AM – 6:00 PM 

Admission: Free

Organizers: TRA-TRAVEL, The Japan Foundation Manila, Orange Project

Residency Partner: The Chishima Foundation for Creative Osaka 

Support: Osaka City, Housen Cultural Foundation

About AIRΔ vol.9
AIRΔ vol.9 is an Artist-in-Residence Award co-organized by TRA-TRAVEL, the Japan Foundation Manila (JFM), and Orange Project. This award invites one Filipino artist to Osaka for a residency. In June 2024, JFM and Orange Project held an open call for applications across the Philippines, receiving 65 entries. Through a selection process conducted by Filipino juries, the pool was narrowed down to six finalists, and the final awardee was chosen by Japanese panels.Lara Monserrat was selected as the grand prize winner. Monserrat is currently staying in Osaka for a three-month artist residency and is presenting the outcomes of her project in a final exhibition.

AIR Δ / Artist-in-residency Program vol.14

　プラット・ピマーンメーン｜Prach Pimarnman

フードワークショップ『ハラルタイカレーをつくりながら』

Key image of  AIR Δ vol.14

JP/EN November 2024

AIRΔ vol.14では、名古屋を拠点にアジアとのアート交流プロジェクトを実施する「SEASUN」に滞在中のタイ・ナラーティワート出身のアーティスト、プラット・ピマーンメーン（Prach Pimarnman）さんを大阪に招聘します。

ピマーンメーンは、仏教国として知られるタイの中でもムスリムが多く住む地域の出身です。自身もムスリムであり、そのルーツをテーマにした作品制作を行っています。2023年に大阪を旅行した際、日本人が経営するハラル料理店で食事をした体験が契機となり、「ハラルフード」をテーマにしたプロジェクトをスタートしました。そして11月8日から1ヶ月間、名古屋市中川区のQ SO-KOに拠点を置く「SEASUN」に滞在し、同プロジェクトを実施しています。

大阪で開催される本イベント『ハラルタイカレーをつくりながら』では、①ハラル食材を買いに行き、②一緒に調理し、③食事をともにする中で、アーティスト自身や作品、彼の文化や社会について話を聞く機会を提供します。参加者はどのタイミングで参加・退出しても構いません。（もちろん、完成したカレーだけを食べに来ていただくのも大歓迎です）

実際にハラル食材を使ったタイカレーの作り方を学び、共につくり食べることで、タイ・ナラーティワート県について深く知る機会になればと思います。ご興味のある方は、ぜひお越しください。

SEASUNとの協働について

TRA-TRAVELはこれまで国外のアートオーガナイゼーションと共に、大阪でアーティスト・イン・レジデンス（AIR）を実施してきました。今年から、「レジデンス事業を通して国内のアートオーガナイゼーションをつなぐ」というキーワードのもと、日本国内の他都市や地域にあるレジデンス施設と協力し、新しい形のアーティスト・イン・レジデンスを実験的に開始しています。このレジデンスプログラムでは、関西でのリサーチや滞在を希望するアーティストを大阪に招聘し、滞在やリサーチ、発表などのサポートを行います。こうした活動を通じて、「国際的な視点から読み解かれる大阪・関西」を取り上げながら、「国内レジデンスのネットワーク」の創出を目指しています。

✅日時： 

<フードワークショップ>

AIRΔ vol.14『ハラルタイカレーをつくりながら』

会場：JUU arts & stay (大阪市此花区梅香１丁目１７−２０)

日時：2024年11月29日（金）　

食材の買い出し 17:00

調理開始　18:30 　

食事開始　19:30　　

＊入出場可能

＊事前予約必須 （instagramまたはfacebookでご連絡ください）

参加費：1000円（食事つき）／学生・こども500円

　　　　＋ドリンク持参もしくは購入可

言語：簡易な英語（簡易な日本語サポートあり）

主催：TRA-TRAVEL　

共催：seasun

助成：大阪市、芳泉文化財団

協力：FIGYA 

✅招聘アーティスト：

プラット・ピマーンメーン｜Prach Pimarnman 

タイ・ナラーティワートを拠点に、作家活動及びカフェ併設のアートスペース Deʻlapae Art Space（2015 年設⽴）の運営を⾏う。2022 年にシラパコーン⼤学にて視覚芸術の博⼠号を取得し、現在はソンクラーナカリン⼤学パッターニー校で教鞭を取る。  マレー⺠族の歴史的経路に焦点を当て、現在に繋がる移⺠の歴史や、過去から現在までの⼈々の経験や記憶を集め、彫刻、映像、コミュニティ・プロジェクトなどを通して歴史的な物語の提⽰を試みる。 主な展覧会に「From Nomad to Nowhere」Warin Lab Contemporary｜バンコク 2024年、「the FROZEN」SAC ギャラリー｜バンコク 2024年、「タイランド・ビエンナーレ PLUVIOPHILE パビリオン」チェンライ 2023年、 「バンコク・アート・ビエンナーレ（Satu ≠ Padu Collaborative として）」バンコク 2022年 

https://www.instagram.com/prach_pimarnman

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AIRΔ vol.14 ｜Prach Pimarnman
Food workshop: “Cooking Halal Thai Curry Together”

For AIRΔ vol.14, we are inviting Prach Pimarnman, an artist from Narathiwat, Thailand, who is currently in Nagoya from November 8 for a month as part of a project organized by SEASUN, which is based in Nagoya and facilitates art exchange projects between Asia and Japan. Pimarnman hails from a region in Thailand with a predominantly Muslim population, and as a Muslim himself, he explores his roots through his art. In Nagoya, he has been researching and creating works themed around “halal food,” a project that traces its beginnings to his experience dining at a halal restaurant run by a Japanese owner during a trip to Osaka in 2023.

At the Osaka event, titled “Cooking Halal Thai Curry Together”, participants will have the opportunity to ① shop for halal ingredients, ② cook together, and ③ share a meal while learning about the artist, his works, and his cultural and social background. Attendees are welcome to join or leave at any time during the event (and of course, you are more than welcome to come just to enjoy the finished curry 🙂 ).

Through learning how to prepare Thai curry using halal ingredients, cooking, and eating together, we hope this event will provide a deeper understanding of Narathiwat Province in Thailand. We warmly invite anyone interested to join us! 

About this project with SEASUN: TRA-TRAVEL has collaborated with international art organizations to conduct artist-in-residence (AIR) programs in Osaka. Starting this year, under the key theme of “connecting domestic art organizations in Japan through residency projects,” we have begun experimental initiatives for new forms of artist-in-residence programs. These initiatives involve partnerships with residency organizers in other cities and regions in Japan. Through this program, we invite artists who wish to conduct research or reside in Osaka or a wider Kansai region, supporting their stay, research, and presentations. 

✅Artist Profile: Prach Pimarnman

An artist based in Narathiwat, Thailand, Prach Pimarnman is also the founder and operator of Deʻlapae Art Space, an art space with an attached café established in 2015. His work focuses on the historical pathways of the Malay ethnic group, exploring the history of migration and the experiences and memories of people from past to present. Through mediums such as sculpture, video, and community-based projects, he seeks to present narratives of historical significance. He has participated in exhibitions such as “From Nomad to Nowhere, Warin Lab Contemporary”, Bangkok (2024),  “the FROZEN”, SAC Gallery, Bangkok (2024), “Thailand Biennale PLUVIOPHILE Pavilion”, Chiang Rai (2023) and “Bangkok Art Biennale (as part of Satu ≠ Padu Collaborative)”, Bangkok (2022)

https://www.instagram.com/prach_pimarnman

✅Event Details:

AIRΔ vol.14 ｜Prach Pimarnman
Food workshop: “Cooking Halal Thai Curry Together”

Venue: JUU arts & stay (1-17-20, Baika, Konohana-ku, Osaka, Japan)
Date: November 29, 2024

Grocery Shopping: 5:00 PM
Cooking Starts: 6:30 PM
Meal Starts: 7:30 PM

*Open for entry and exit at any time.

*Advance booking is required. (Contact us through IG or facebook)

Admission:  ¥1,000 (includes a meal)  / ¥500 for students and kids

+ Bring your own drink or purchase on-site.
Language: Plain English (+ English and Japanese support)

Organized by: TRA-TRAVEL
Co-organized by: SEASUN
Supported by: Osaka City, Hosen Cultural Foundation
In cooperation with: FIGYA

AIR Δ / Artist-in-residency Program vol.13

　リスキー・ラズアルディ  Rizki Lazuardi　

スクリーニング/トークイベント
「AFTER-HOURS TIME DILATION（PALAPAスペシャルエディション）」

Key image of  AIR Δ vol.13

JP/EN November 2024

English follows Japanese:

AIRΔ vol.13では、インドネシア・バンドンを拠点に活動するアーティスト兼キュレーター、リスキー・ラズアルディをショートレジデンス作家として招聘します。リスキーは映像と拡張映画の分野で活躍し、制度化された情報やイメージの物質性をテーマとした作品を数多くの芸術祭や展覧会で発表しています。

本イベントでは、インドネシアのビデオアートと実験映画に焦点を当てた「映像スクリーニング」と「キュレータートーク」を開催します。映像の「物語性」からの脱却を目指すアーティストたちの作品が紹介され、ビジュアル表現や映像速度の操作に関する実験が展開されます。特に、インドネシアのビデオアートの先駆者ゴトット・プラコサ（Gotot Prakosa）の作品『ベガワン・チプトニング（Begawan Ciptoning）』（1976年）は、ジャワ伝統の舞台劇をタイムラプス映像で凝縮し、時間を操作することを芸術として表現することで、次世代アーティストへの新たな可能性を示唆するものとして知られています。本プログラムのビデオアート作品は、ゴトットの「時間」に対する探究心に影響を受けた現代の作品群と言えるでしょう。デジタル技術の進化による時間表現の多様性（無限ループなど）や、視覚と時間の新しい映像表現を体験できる貴重な機会です。

また、今回はシネマ形式ではなく、アフターアワーを過ごす「バー」というパブリックな場所で開催されます。19時からはキュレータートークセッションもありますので、ぜひご参加ください。

✅日時： 

「AFTER-HOURS TIME DILATION（PALAPAスペシャルエディション）」

スクリーニング　16:00~23:00　

キュレータートークセッション　19:00~20:00　(日英通訳有)　

＊注：トーク時は上映をストップします　　

日時： 2024年11月22日

会場：キツツキ (大阪市東成区東小橋１丁目１８−３１)

入場無料（1ドリンク制）、予約不要

通訳：和田太洋

主催：TRA-TRAVEL　

共催：Indeks

助成：大阪市、芳泉文化財団

協力：キツツキ、Tokyo Arts and Space

✅招聘アーティスト：

リスキー・ラズアルディ Rizki Lazuardi　

1982年インドネシア、スマラン生まれ。バンドンを拠点に活動。2020年ハンブルク美術大学（ビジュアル・アーツ、フィルム）修了。

主に映像と拡張映画の分野で活動するアーティスト。制度化された情報とイメージの物質性にまつわるテーマで作品を制作。彼の作品は数多くの芸術祭や展覧会、芸術機関で発表されている。バンドンを拠点とするキュレーション・プラットフォーム「Indeks」を運営。

https://rizkilaz.com/

✅映像作品リスト： 

《 Cenotaphe Bleu 》

Muhammad Akbar / 2022 / Indonesia / 5” @mmmakbar

《 Begawan Ciptoning 》

Gotot Prakosa / 1976 / Indonesia / 5’ 

《 Possessed 》

Jagad Fatih / 2024 / Indonesia / 4’39” @fatihjagadraya

《 Sabiq Hibatulbaqi 》

Rima Ini Mekar dengan Amat Biru / 2024 / Indonesia /4’47” @sundaymanggo

《 Rest in God’s Light》

Made Virgie Avianthy / 2023 / Indonesia /11’25” @virgieav

For AIRΔ vol.13, we are inviting artist and curator Rizki Lazuardi from Bandung, Indonesia, for a short residency. Known for his work in video and expanded cinema, Rizki has contributed to numerous art festivals and exhibitions, focusing on the materiality of institutionalized information and imagery.

This event will feature a “video Screening” and “curator talk,” with a focus on Indonesian video art and experimental film, highlighting artists’ efforts to break free from the “regime of narrative” that dominates conventional cinema. These artists move beyond the traditional story-driven forms of film, experimenting with visual composition, color, non-linear sequences, and innovative uses of time.

The program includes works that echo the experimental curiosity of Indonesian video art pioneer Gotot Prakosa. His 1976 piece, Begawan Ciptoning, compressed the time-stretched essence of a Javanese stage play into a five-minute time-lapse, transforming the slowing of time into a form of artistry. Scored by Japanese composer Kitaro, this work has inspired recent generations to explore new aesthetics in the manipulation of time.

The video art pieces featured in this program reflect Prakosa’s legacy, engaging with concepts like time lapse and infinite loops, facilitated by advancements in digital and online platforms. These technologies allow artists to explore endless temporal possibilities previously constrained by analog media. At the same time, some works subtly explore the embedding of narrative concepts within space, crafting new worlds through visual and temporal experimentation.

This special event, AFTER-HOURS TIME DILATION (PALAPA Special Edition), will take place in a public “bar” setting rather than a conventional cinema, creating an intimate after-hours atmosphere. A curator talk session will begin at 7 p.m., and we encourage you to join us for an evening of visual and temporal exploration.

✅Event Details:

“AFTER-HOURS TIME DILATION (PALAPA Special Edition)”

• Screening: 16:00–23:00
• Curator Talk Session: 19:00–20:00 (with Japanese-English interpretation)
  Note: The screening will pause during the talk.

Date: November 22, 2024
Venue: Kitstutsuki (1-18-31 Higashi-Kobashi, Higashinari-ku, Osaka)
Admission: Free (1 drink minimum), no reservation required
Interpreter: Taiyo Wada

Organized by: TRA-TRAVEL
Co-organized by: Indeks
Supported by: Osaka City, Hosen Cultural Foundation
In cooperation with: Kitstutsuki, Tokyo Arts and Space

✅Rizki Lazuardi

Born in 1982 in Semarang, Indonesia. Lives and works in Bandung, Indonesia. Graduated with an MA in Visual Arts / Film from HFBK University of Fine Arts Hamburg in 2020.

An artist who works mainly with moving images and expanded cinema. Central to his practice is subjects related to institutionalized information and materiality of image. His works and programs have been presented in many festivals, exhibitions, or institutions. Lazuardi runs the Bandung-based curatorial platform Indeks.

https://rizkilaz.com/

✅List of works

《 Cenotaphe Bleu 》

Muhammad Akbar / 2022 / Indonesia / 5”

《 Begawan Ciptoning 》

Gotot Prakosa / 1976 / Indonesia / 5’

《 Possessed 》

Jagad Fatih / 2024 / Indonesia / 4’39”

《 Sabiq Hibatulbaqi 》

Rima Ini Mekar dengan Amat Biru / 2024 / Indonesia /4’47”

《 Rest in God’s Light》

Made Virgie Avianthy / 2023 / Indonesia /11’25” 

下田 展久 Nobuhisa SHIMODA

1957年、川崎生まれ。1979年、アルファレコードよりアルバム「ムーンダンサー」でレコードデビュー。1988年、神戸ポートアイランドのジーベックホール設立準備に参加し2000年まで同ホールのプロデュース。1998年、C.A.P.(芸術と計画会議)のメンバーになり、2015年より2023年まで理事長を務める。C.A.P.と海外のアートグループによる共同プロジェクト「See Saw Seeds」を2016年に開始、アーティスト交換を主軸に現在もプロジェクト継続中。

https://cap-kobe.com/

tsu-tsu
Documentary actor based in Yamanashi Prefecture. He has named and practices the act of interviewing and portraying real individuals as “Documentary Acting.” Since 2022, he has also established and managed the artist-run residence “6okken” in Kawaguchiko, Yamanashi. Recent activities include exhibitions at Kuma Foundation Gallery (“01.25.1997”), Towada Art Center (“Chijou”), and ANB Tokyo (“Servant of the Whole”). His major awards include the 28th CGC Grand Prize and the Yamanashi Media Arts Award. He was selected for Forbes Japan’s 30 under 30 in 2023.
https://6okken-org.studio.site/

Nobuhisa Shimoda
Born in 1957 in Kawasaki. He made his record debut in 1979 with the album “Moon Dancer” from Alfa Records. In 1988, he participated in the establishment of Xebec Hall in Kobe Port Island and served as its producer until 2000. In 1998, he became a member of C.A.P. (Conference on Art and Planning) and served as its president from 2015 to 2023. In 2016, he launched the international collaborative project “See Saw Seeds” with overseas art groups, focusing on artist exchanges, a project that is still ongoing today.
https://cap-kobe.com/

AIR Δ / Artist-in-residency Program vol.12

Key image of  AIR Δ vol.12

JP/EN September 2024

アーティスト・イン・レジデンスプログラム「AIRΔ vol.12」

AIRΔ vol.12では、2023年にICA京都滞在中に着想を得たリサーチプロジェクト「Toytopia」を展開するために、再来日したオーストリア・ウィーン拠点のビジュアルアーティストファニ・フッタークネヒト（Fanni Futterknecht）と、作曲家カミロ・ラトーレ（Camilo Latorre）を招聘します。

日本は世界最大の玩具輸出国の一つとして知られ、玩具と遊びの文脈において世界的な影響力を持ちます。ゴジラ、戦隊もの、スーパーマリオ、ポケモンなど、日本の漫画やゲーム、アニメのキャラクターは、世界中の人々の想像力を掻き立て、デザインやポップカルチャーのトレンドを生み出すなど、国境を越えて強い存在感を示します。

本リサーチプロジェクトでは、特に「カワイイ文化」と「ソフビ」に焦点を当て、玩具の政治的側面に対する批評的な考察を行います。

彼らは、2024年9月から1ヶ月レジデンスパートナーである此花区のFIGYAで滞在制作を行いパフォーマンス及び映像作品を制作、そして9月末に1日限りのパフォーマンスを行う予定です。
そのほか、アーティストの面会やインタビューも随時受け入れるなど、有機的なレジデンスプログラムを目指していますので、ご興味のある方は、ぜひTRA-TRAVELにご連絡ください。

▼主催：TRA-TRAVEL　共催：FIGYA

▼助成： 大阪市、芳泉文化財団、Austrian ministry of culture、 ACT OUT、 EU Japanfest Foundation

✅滞在期間：2024年9月 

FIGYA（〒554-0013 大阪府大阪市此花区梅香１丁目１８−１９）

https://www.figya-jp.com/

✅招聘アーティスト：

ファニ・フッタークネヒト（Fanni Futterknecht） 

ウィーンを拠点とするビデオ、パフォーマンス、インスタレーションなど多様な手法を用いるビジュアルアーティスト。 異なるメディア間の関係性の探究や、メディア間の翻訳、あるいは、芸術として使用されるメディアの問い直しなど、メディアを再考する実践を行う。

現在、在籍する博士課程では、文化・政治的な側面を含む、公共および半公共の空間における言語を通じたパフォーマンスの実用化について研究を行う。https://www.fannifutterknecht.com/

カミロ・ラトーレ（Camilo Latorre）

ウィーンを拠点とするコロンビア出身の作曲家／ライター。ウィーンのMDWでピアノ教育法を学び、その後、プロヴディフ音楽アカデミーおよびリンツのアントン・ブルックナー大学で作曲を学ぶ。特に音楽と文学や視覚芸術など、異なる芸術表現における関係性を探ることに関心を持ち表現する。

www.camilolatorre.com

Artist-in-Residence Program “AIR Δ vol.12”

AIR Δ vol.12 invites Fanni Futterknecht, a Vienna-based visual artist in collaboration with composer Camilo Latorre, who have returned to Japan to further develop their ongoing research project “Toytopia,” which was inspired during Fannis’ 2023 fellowship at ICA Kyoto.

Japan is known as one of the world’s largest exporters of toys and holds significant global influence in the context of toys and play. Characters from Japanese manga, games, and animations, such as Godzilla, Power Rangers, Super Mario, and Pokémon, shape the imagination of people worldwide, creating trends in design and pop culture and establishing a strong presence beyond Japan’s borders. This research project critically examines the political aspects of toys, with a particular focus on “Kawaii Culture” and “Sofubi.”

The two artists will be in residence at FIGYA in Konohana-ku for one month starting in September 2024 developing performative and film works, culminating in a one-day performance at the end of September. 

TRA-TRAVEL.

▼Organized by: TRA-TRAVEL
Co-organized by: FIGYA

▼Funding: Osaka City, Housen Cultural Foundation, Austrian Ministry of Culture, ACT OUT, EU Japanfest Foundation

✅ Residency Period: September 2024
@FIGYA (1-18-19 Baika, Konohana-ku, Osaka, 554-0013)
https://www.figya-jp.com/

✅Artist Profile 

Fanni Futterknecht 

Fanni Futterknecht works in an interdisciplinary artistic field between video, performance and installation. Her practice examines performance in the time- based visual and performing arts and its relationship to text and narrative. Part of this exploration is the examination of media translation processes and the questioning of the media used in the respective artistic context. Repeated stays in Japan have significantly contributed to shaping and deepening her interest in Japanese performance culture. As part of a PhD in Practice, she is currently researching performances and their instrumentalisation through language in public and semi-public spaces, taking cultural and political dimensions into account.

https://www.fannifutterknecht.com/

Camilo Latorre

Camilo is a Colombian composer and writer based in Vienna. He studied piano pedagogy at MDW in Vienna and later composition at the Plovdiv Academy of Music and at the Anton Bruckner University in Linz. Camilo´s formal interest lies specially in finding relationships between music and other art forms, like literature and visual arts.

www.camilolatorre.com

AIRΔ / Artist-in-residency Program vol.10

Key image of AIR Δ vol.10

JP/EN August 2024

TRA-TRAVELは2023年から、国際交流基金マニラ日本文化センター(JFM)と共に、フィリピン人アーティストを大阪に招聘するアーティスト・イン・レジデンス（AIR）を大阪で実施してまいりました。今年度から、エクスチェンジプロジェクトをスタートし、日本人アーティストをフィリピンのバコロドにあるOrange Projectに招聘するレジデンスを開始します。

推薦型コンペティションのAIRΔ vol.10は、第一次審査にて日本在住の3名の有識者が、各アーティスト1名を推薦し、３名のアーティスト「筒 | tsu-tsu」「トモトシ」「山口塁」が選ばれました。そしてフィリピン側の第二次審査を経て、最終1名のレジデンスアーティストを、「トモトシ」に決定しました。以下に審査評、推薦理由をまとめましたので、ご覧ください。

またアーティストと推薦者の皆さまには、この場を借りて改めて御礼を申し上げます。

＜第一次審査＞

選定アーティスト①：筒 | tsu-tsu

推薦者①：川上 幸之介 (Kounosuke Kawakakami)

選定アーティスト②：トモトシ (Tomotosi)

推薦者②：木村絵理子 (Eriko Kimura)

選定アーティスト③：山口塁 (Rui Yamaguchi)

推薦者③：沢山遼 (Ryo Sawayama)　　　　　

＜第二次審査＞

 AIRΔ vol.10 レジデンスアーティスト：トモトシ(Tomotosi)

審査員①：Candy Nagrampa

審査員②：CHARLIE S. CO

審査員③：Manny Montelibano

(50音順、敬称略)

＜選定アーティストと推薦者＞

選定アーティスト①：筒 | tsu-tsu

ドキュメンタリーアクター。山梨県在住。実在の人物を取材し、演じるという一連の行為を「ドキュメンタリーアクティング」と名付け、実践する。他方で、2022年から山梨県河口湖町にてアーティスト・ラン・レジデンス「6okken」を設立・運営する。近年の活動に、クマ財団ギャラリー「01.25.1997」、十和田市現代美術館「地上」、ANB Tokyo「全体の奉仕者」など。主な受賞に、第28回CGC最優秀賞、やまなしメディア芸術アワード山梨県賞など。Forbes Japan 30 under 30 2023選出。

推薦者①：川上 幸之介 （Kounosuke Kawakami）

1979年山梨県生まれ。倉敷芸術科学大学教員。ロンドン芸術大学セントラル・セント・マーチンズMAファインアート修了。専門は現代アート、ポピュラー音楽、キュレーション。著書に『パンクの系譜学』(書肆侃侃房)、共著に『思想としてのアナキズム』（以文社）。キュレーションにPunk! The Revolution of Everyday Life 展、Bedtime for Democracy 展ほか。

＜推薦書＞

選定アーティスト②：トモトシ(tomotosi)

1983年山口県出身。国立大学法人豊橋技術科学大学建設工学課程を卒業後数年にわたって建築設計・都市計画に携わる。2014年より展覧会での発表を開始。「人の動きを変容させるアクション」をテーマに主に映像作品を制作している。また2020年よりトモ都市美術館を運営し、新しい都市の使い方を提案している。主な展覧会に、「tttv」（中央本線画廊、2018）、「有酸素ナンパ」（埼玉県立近代美術館、2019）、「ミッシング・サン（芸術競技2021）」（代々木TOH、2021）、「絶望的遅延計画」（TAV GALLERY、2023）がある。

推薦者②：木村絵理子(Eriko Kimura)

キュレーター、弘前れんが倉庫美術館館⻑、多摩美術大学・金沢美術工芸大学客員教授、美術評論家連盟会員。2023 年より、弘前れんが倉庫美術館副館⻑兼学芸統括を務め、2024 年 より現職。2000 年より横浜美術館に勤務、2012 年より 2023 年まで主任学芸員。2005 年より 2023 年まで横浜トリエンナーレのキュレトリア ル・チームに携わり、2020 年の第7回展では企画統括を務めた。その 他、關渡ビエンナーレ(2008 年、台北)、釜山 Sea Art Festival(2011 年)など海外のプロジェクトに従事。

＜推薦書＞

選定アーティスト③：山口塁(Rui Yamaguchi)

1991年石川県生まれ。些細なジェスチャーや身近な生活用品を詩的あるいは政治的メタファーに転換し、日常に潜む社会的構造を明らかにする作品を制作している。制作は都市文脈と歴史のリサーチ、特定の個人への聞き取りから始まり、表現媒体はテキスト、ダンス、映像、インスタレーション、パフォーマンスなど領域横断的に展開する。近年の主な展示に「現代芸術振興財団CAF賞ファイナリスト展」（代官山ヒルサイドフォーラム、2023年）、「ON LIMITS」（新有楽町#ソノアイダ、2023年）、「A-TOM ART AWARD 2022 ヴァナキュラーと夜明け」（コートヤードHIROO、2022年）、などがある。

推薦者③：沢山遼(Ryo Sawayama)

美術批評家、武蔵野美術大学美学美術史研究室准教授

1982年生まれ。東京造形大学絵画専攻領域特任准教授を経て2024年4月より現職。2009年「レイバー・ワー ク―カール・アンドレにおける制作の概念」で第14回芸術評論募集第一席。著書に『絵画の力学』(2020年、 書肆侃侃房)。主な共著に『現代アート10講』(2017年、田中正之編著、武蔵野美術大学出版局)、『絵画 との契約―山田正亮再考』(2016年、松浦寿夫ほか著、水声社)、国立新美術館編『今、絵画について考える』(水声社、2023 年)などがある。

＜推薦書＞

＜第２次審査評＞

まず日本の3名のアーティストのプロポーザルに大いに興奮しました。それぞれのアーティストの提案は、いずれもグローバル／ローカルな文化的な物語に共鳴するもので、最終的に1名のアーティストの選定は、熟考の末に行いました。

筒 | tsu-tsuは、自分と同じ日に生まれた多様な文化や人々に魅せられており、バコロド住民とのパフォーマンスアートを通じて、そのつながりを探ることを目的とするものでした。彼の個人的な人間関係に焦点を当てたプロジェクトではありますが、深い洞察に誘うものでした。

山口塁は、ネグレンセ文化とその豊かな集いの伝統や、多様な料理の影響を反映し、食の共同体的側面に深く掘り下げるプランを提案しました。彼のコンセプトはシンプルでありつつも、私たちのコミュニティの本質を的確に捉えるものでした。

トモトシの「ストリート・イナサルとフランチャイズ・イナサルの邂逅」という革新的なプロジェクトは、地元の食品ベンダーが直面する現在の課題に関連しており、際立って見えました。その提案では、商業開発によって地元の名物が置き換えられる問題に取り組んでおり、バコロドで強く認識される懸念を反映したものでした。彼の提案は地域の問題に光をあてつつ、経済的変遷のなか、文化保存というグローバルなテーマにも触れるものでした。

上記の選考の結果、トモトシをAIRΔ vol.10 レジデンスアーティストとして選定いたしました。彼のプロポーザルは目的が明瞭で、また私たち地域住民や地域文化に与えうる影響を深く理解していると感じたためです。

As discussed in the meeting, we are excited to host all three Japanese artists for our residency, a decision made after much deliberation. Each artist’s proposal uniquely resonates with our global and local cultural narrative. 

Tsu-Tsu, films is fascinated by diverse cultures and individuals born on the same day as him, and aims to explore this connection through performance art with a Bacolod resident. Although his focus on personal human connections, his project promises profound insights. 

Rui Yamaguchi, plans to delve into the communal aspect of food, reflecting the Negrense culture and its rich traditions of gatherings and diverse culinary influences. His concept, while simple, effectively captures the essence of our community.  

Tomotosi,  with his innovative “Street Inasal meets Franchise Inasal” project, stood out due to its relevance to the current challenges faced by local food vendors. This project addresses the displacement of local delicacies by commercial developments, a concern deeply felt in Bacolod. His work not only highlights regional issues but also speaks to global themes of cultural preservation amid economic shifts. Therefore, we have selected Tomotosi as our top choice for the residency because we feel he clearly understands the purpose of his proposal and how this affects our people and our regional culture. We recommend ensuring that he has all necessary documentation from participants for his art and documentation.

Candy Nagrampa

Candy Nagrampa is a film worker based in Bacolod City, Philippines. She is the Projects and Exhibition Director of the Orange Project, a private artist-run space that supports and promotes contemporary art in the Philippines. Nagrampa is also active in the arts community. She has organized several exhibitions, public art projects and inter-community collaborations. She has worked as an assistant director for several indie and mainstream films. Her debut directorial is a documentary short film “Ang Kalibutan ni Nunelucio Alvarado”.She is passionate about using her craft to promote social change and to create a more inclusive and equitable society.

CHARLIE S. CO

CHARLIE S. CO has produced more than 40 solo exhibitions since 1983, presented internationally in Australia, China, Hong Kong, Singapore and The Philippines. A mature and prolific career, Co established his own distinctive style early on, an individuality that has awarded him many accolades among them the 13 Artists Award (1990), Juror’s Choice of The 6th Philip Morris ASEAN Art Awards (1999), an Artist in Residence in Japan, China and Australia, Patnubay ng Sining at Kalinangan (Pintura) (2003), and the Dr. Jose Rizal Award for Excellence (2007). Furthermore, Co has represented the Philippines in important regional surveys including Brazil’s 23rd Sao Paulo Biennale (1996), 2nd Asia Pacific Triennial (Australia 1996), “Asian Modernism” at the Japan Foundation Asian Cultural Centre, Tokyo (1995, traveling to Bangkok and Jakarta). Despite his successes Co’s practice has remained deeply rooted to his home of Bacolod City, where he runs and co-owns Orange Project supporting emerging Visayan talent. Co was pivotal in establishing VIVA EX-CON (Visayan Visual Art Exhibition and Conference) in 1990 and is currently the longest running biennial in the Philippines.

Manny Montelibano 

Mariano “Manny” G. Montelibano III (b. 1971) lives and works in Bacolod, the province of Negros Occidental, Philippines. He holds a Bachelor’s degree in Economics from the University of St. La Salle in Bacolod City, where he is currently Director of the Institute of the Moving Image. He also received his training through experience as technical director at University of St. La Salle in Bacolod and various film projects. His work often explores contemporary socio-political, economic, and religious structures through video and inter-media installations, reflecting on the Philippine cultural landscape within a broader, universal context. He is an active cultural worker in the Philippines, especially in the Visayas region, affiliated with various organizations such as the National Commission for Culture and the Arts of the Philippines, Black Artists in Asia Association, and VIVA EXCON Organization. In 2015, he represented the Philippines at the 56th Venice Biennale.

AIR Δ / Artist-in-residency Program vol.9

JP/EN August 2024

AIRΔ vol.9は、TRA-TRAVEL、国際交流基金マニラ日本文化センター(JFM)、Orange Projectとが共催し、大阪にフィリピン人アーティストを1名招聘するアーティスト・イン・レジデンスアワードです。

本アワードでは、2024年6月中旬、JFMとOrange Projectによりフィリピン国内でオープンコールを実施、フィリピン各地から65名の応募がありました。フィリピン側の選考委員により6名に絞りこまれ、日本の最終審査で、レジデンスアワード大賞者を Lala Monserrat（ララ モンセラット）に決定しました。大賞者は10月から大阪に滞在し、3カ月間のアーティスト・イン・レジデンスと成果展を実施します。

以下は、上位3名の審査評になります。そして65名の応募アーティストに、改めて御礼を申し上げます。

Selection of Filipino Artists for AIRΔ Vol. 9 in Osaka:

AIRΔ vol.9 is an Artist-in-Residence Award co-hosted by TRA-TRAVEL, the Japan Foundation Manila (JFM), and Orange Project, which invites one artist from the Philippines to Osaka. In mid-June 2024, an open call was conducted across the Philippines by JFM and Orange Project, receiving 65 applications from various regions of the country. The selection committee in the Philippines narrowed the applicants down to six, and in the final selection in Japan, Lala Monserrat was chosen as the recipient of the Residency Award. The awardee will stay in Osaka starting in October for a three-month artist residency, culminating in an exhibition.

Below are the reviews for the top three finalists. We also extend our sincere thanks to all 65 artists who applied this year.

＜審査評＞

Doktor Karayom (ドクトル・カラヨム) のプロポーザルは、フィリピンの伝統的なカトリックの祭壇文化と、それが日本で生活するフィリピン人によってどのように適応されているかに焦点を当てたものであり魅力的な内容でした。また、日本の寺院の創造過程や、日本の信仰においてあまり探究されていない祈り、儀式、そして超常現象にも踏み込み、フィリピンと日本の精神性の間にある形而上学的な関係を可視化する可能性を秘めたものでした。

Renz Baluyot（レンツ・バルヨット）のプロポーザルは、彼自身の父が元海外労働者であったという家族史を織り交ぜ、コミュニティとレジリエンス（復元力）に焦点を当てたものでした。大阪在住のOFW（フィリピンの海外労働者）やフィリピン移民の生活を調査し、彼/彼女らの個人的な物語とフィリピンのディアスポラ全体の理解を橋渡しすることを目的とするものでした。さらに、大阪の歴史とフィリピンコミュニティのつながりを強調し、過去と現在を結ぶ大阪という場所の特性を考慮した提案であることが特に注目されました。

Lala Monserrat（ララ モンセラット）のプロポーザルは、『移ろう風景：共同体の絆と集団的記憶の形』というテーマのもと、地域の「治癒」の伝統と文化遺産を探り、再構築することを目的とするものでした。本プロジェクトでは、大阪の博物館でのリサーチや、地元民や職人との交流を通じて、儀式、家庭、文化上など様々な在り方で重要とされる品々を、その意義を含め調査が行われます。そこから、デジタルアーカイブを作成するなど、多様な形での協働が期待される内容です。

移ろう世界の中で「治癒」を考えるMonserratの視点は、単純なアーカイブにとどまらない広がりを示しており、MonserratをAIRΔ vol.9のレジデンスアーティストとして選出いたしました。

Doktor Karayom‘s proposal was compelling in its focus on the traditional Catholic altar culture of the Philippines and its adaptation by Filipinos living in Japan. Additionally, he aims to delve into the creation of Japanese temples and investigate prayers, rituals, and supernatural phenomena that are not commonly explored in Japanese faith, seeking to uncover the metaphysical connections between Filipino and Japanese spirituality.

Renz Baluyot’s proposal interweaves his family history, particularly the experience of his father as a former overseas worker, with a focus on community and resilience. He aims to investigate the lives of OFWs (Overseas Filipino Workers) and Filipino immigrants living in Osaka, seeking to bridge their personal narratives with a broader understanding of the Filipino diaspora. Furthermore, the proposal emphasizes the connection between Osaka’s history and the Filipino community, making it particularly noteworthy for its consideration of Osaka as a place that links the past with the present.

Lala Monserrat‘s proposal, under the theme “Transitory Landscape: A Form of Communal Bonds and Collective Memory,” aims to explore and reconstruct the traditions and cultural heritage of healing in the region. The project will involve research at Osaka’s museums and engagement with local residents and artisans to investigate the significance of various objects considered important in rituals, households, and culture. This research will lead to the creation of a digital archive, anticipating diverse forms of collaboration. Monserrat’s perspective on “healing” within a transitory world reflects a broader scope that goes beyond a simple archive, leading to her selection as the AIRΔ vol.9 resident artist.

AIR Δ / Artist-in-residency Program vol.11 アーティスト・トークイベント

『夢の国？　日本 – アメリカの移民史』
ハナン美弥　×    奥村一郎
　　　(アーティスト)   　　(和歌山県立近代美術館 学芸員)

Key image of “Yumenokuni? Nihon-America no iminshi” as a result of AIR Δ vol.11

JP 11 August 2024

TRA-TRAVELはこれまで国外のアートオーガナイゼーションと共に、アーティスト・イン・レジデンス（AIR）を、大阪で実施してまいりました。今年から、『レジデンス事業を通して国内のアートオーガナイゼーションをつなぐ』ことをキーワードに、日本国内の他都市／地域のレジデンス施設と共同で、新たな形のアーティスト・イン・レジデンスを開始します。

このレジデンスプログラムでは、関西でリサーチを必要としつつも関西外で滞在するアーティストを大阪に招聘し、滞在やリサーチ、発表などのサポートをおこないます。このような活動を通して『国際的な視点から読み解かれる大阪／関西』を取り上げ、『国内レジデンスのネットワーク』を創出することを試みます。

本企画AIRΔ vol.11では、「トーキョーアーツアンドスペースレジデンシー（TOKASレジデンシー）」（東京）に滞在していた、アメリカを拠点に活動するハナン美弥さんを、大阪に招聘します。ハナンは、2024年5月から7月にかけてTOKASにて滞在制作を行い、1900年頃アメリカに渡った日本人移民、とりわけ、二度と日本の地を踏むことなく亡くなった移民者たちの足跡を追うために、複数の国内地域を訪問しました。本リサーチは関西でも継続し、大阪での滞在ではリサーチに関するトークイベント『夢の国？　日本ーアメリカの移民史』を行います。

そしてこのトークゲストとして、日系美術家たちを紹介した展覧会「トランスボーダー 和歌山とアメリカをめぐる移民と美術」（和歌山県立近代美術館、2023年）の担当学芸員の一人、奥村一郎さんを招待し、日本ーアメリカの移民について、
深く知る機会をもちたいと思います。ご興味のある方は、ぜひお越しください。

✅トークイベント概要

『夢の国？　日本ーアメリカの移民史』

会期：2024年 8月11日（日）

会場：PORT（大阪市此花区四貫島１丁目６−６）
時間：15:00 ~ 17:00

料金：入場無料(投げ銭制)

主催：TRA-TRAVEL

共催：TOKAS（トーキョーアーツアンドスペース）

レジデンスパートナー：PORT

助成：大阪市、芳泉文化財団

✅登壇者情報

ハナン美弥

アメリカ合衆国を拠点としている学術的アーティスト。熊本県出身で、日本では放射線技師として病院に務めていたが、1998年に渡米。死の哲学を基にした作品が多い。現在は、渡米した日本人移民を中心とした、忘れられている歴史を追及した作品を製作中。ネバダ・アートカウンシル・フェローシップ(2023)、ジェンテル・アーティスト・イン・レジデンス(2022)、シエラ・アートファンデーション・グラント(2018)などをはじめとする、多くを受賞。ブライトン・プレスとの共同制作のアーティストブックはアメリカ議会図書館、ハーバード大学、スタンフォード大学など30以上もの施設のコレクションに追加されている。2012年にはTEDx San Diegoからインスタレーションを依頼され、発表。2013年にはサン・ディエゴ・メサ・カレッジより優秀卒業生賞を与えられた。現在ネバダ州立大学リノ校の准教授。https://www.miyahannan.com

■イベント前インタビュー

Qenji Yoshida（以下QY）: こんにちは。ハナンさんは日本で放射線技師として務めておられ、その後1998年に渡米されていますが、アメリカでアートの道に進まれたのでしょうか？

ハナン美弥（以下ハナン）：正直言って、全然予期していなかったことなんですが、渡米後、大学でドローイングのクラスを取ったのがきっかけです。その頃まだ英語があまり出来なかったのですが、言葉がなくても思っていることや考えていることを表現できて楽しかったんです。先生方に勧められて、気がついたら大学院まで卒業していました。とにかく人一倍努力しました。考えることも体を使って物を作る事も好きで、アートはその両方を満たしてくれました。

QY：放射線技師のキャリアから、なぜ渡米に至ったのかも伺いたいのですが、今日は作品について聞かせてください。これまでさまざまな制作や活動をされていますが、ご自身の制作やコンセプトについて教えていただけますか？

ハナン：大きく言うと、死に関することを題材にしています。私は世界を『次から次へとつながる一連の事象や生命』と見ていて、自然や風景はこれらの誠実な記録だと思っています。人類と、自然に刻まれている情報の関係に興味があります。扱う素材は特に決まっていません。コンセプト次第で決めて、実験的な手法を使うのが好きで、プロセスと使う材料の意味を大事にしています。

QY：『次から次へとつながる一連の事象や生命』の記録としての自然や風景という言葉は、数々の死（と生）の層がどんなものにも見えてくるように感じますね。今回の日本滞在ではリサーチに重点を置かれていると話されていましたが、どんな調べものをされているのでしょうか？

ハナン：ここ数年は、〈忘れられている、もしくは失われてしまいそうな話〉を呼び起こして保存しようという試みで作品を作っています。偶然にアメリカのへんぴな場所で日本人のお墓を見つけました。それは家族を支えるために出稼ぎに来て、残念ながら若くしてアメリカで亡くなってしまった方々のお墓だと後に知りました。その足跡を起点に、明治末にアメリカの鉄道建設に従事するため、海を渡った日本人出稼ぎ労働者や移民の歴史を調べています。それは今の日本の方々に知ってほしい歴史です。

QY：長くアメリカで暮らすハナンさん自身に重ねるように、移民の歴史へ関心を持たれているのかと想像します。それはハナンさん自身のアイデンティティについて考える／知ることと繋がっていると思います。少し抽象的な質問になってしまいますが、リサーチ対象とはどのような距離感を持って最終的な作品まで昇華されるのでしょうか？例えば、あくまで客観的な資料として見ているのか、またはより感情的に対象に近づくのか・・

ハナン：いい質問ですね。これは私も注意深く考えているところです。私としては、本で読めるような一般的な歴史よりは、個人的なストーリーに興味があります。一人一人の話を通して歴史を知るという事がアートにできる事だと思いま　す。ただ、歴史を取り扱うのはとても責任のいることで、結果的にどのような作品になるにしても、しっかりリサーチをしてよく知っておくべきだと思います。今回のリサーチで、たくさんの本や資料を見ましたが、一番印象的だったのは、実際の移民達の書いた日記や手記でした。あまり感情的になると主観が入りすぎてしまうので、いいバランスを見つけたいと思います。

QY：最後の質問です。現在ネヴァダ州にお住まいとのことですが、そこからは今の日本はどのように見えていますか？

ハナン：ネヴァダというよりは、アメリカと日本両方を知っている者からの意見として、正直に言っていいでしょうか？（笑）今の日本はちょっと心配です。日本の食、文化、技術力、国民性などは今でも尊敬されていますが、政治的、経済的、国際的には日本は昔ほど重要視されていないように思います。日本には、世界情勢に興味がなかったり、知らないふりをしている人が多く、現実を見ずに内側にこもって安心している感じがします。

QY：内側にこもっているのは、日本にいても近年更に加速しているように感じています。特に若い人は昔ほど気軽には海外に行くことも難しく、でも半面、情報自体はインターネットで広く世界を知った気にはなれます。ただ日本語の情報にはジャーナリズムも少なく、多すぎるフェイクニュースとそもそもの情報過多から何を信じていいかも読めばいいかも分からないような状況が、自家中毒に気付けないような状況を招いているように感じています。

ハナン：確かに、情報の氾濫は、いろんな錯覚や誤解を招く可能性がありますね。だからこそ、情報を鵜呑みにせず、論理的・客観的・合理的に思考を展開し、分析する力（英語でいうcritical thinking）を身につけなければなりませんね。

AIR Δ / Artist-in-residency Program vol.8 成果展

タコの庭

楊健 ( Yang Jian / ヨウケン)

Key image of exhibition “Octopus’s Garden” as a result of AIR Δ vol.8

JP /EN /CN 19-21 July 2024

会期：2024年 7/19(金)〜21(日)

会場：Super Studio Kitakagaya　大阪市住之江区北加賀屋5-4-64

時間：11:00〜18:00　

入場無料

TAIWAN: The Professional Exchange Program 2024

 AIR台湾：日本のアート実践者を台湾へ

TAIWAN: The Professional Exchange Program 2024 AIR台湾：日本のアート実践者を台湾へ

プログラム実施期間：2024年8月1日-9月23日

応募締め切り：2024年6月17日午後11時（GMT+8）

概要：

台湾で行われるRes Artis Conference 2024 – TAIPEI（※）の開催時期に合わせて芸術文化の実践者（キュレーター、アーティスト、文化事業者、批評家など）を日本から1名、台湾の新竹市鐵道藝術村に約2ヵ月台湾に招聘いたします。参加者は2ヵ月の滞在時に台湾国内のアートシーンやレジデンスプログラムを観察し、成果発表としてプレゼンテーション及び執筆をご依頼させていただきます。プレゼンテーションはRes Artist及びTASAのアニュアルミーティングにて行います。

提供：

• プログラム期間中の宿泊施設及び共同作業スペース
• 台湾国内の交通費
• 日本ー台湾間の往復エコノミークラス航空券
• 生活費　NT$8,000（約39,000円）
• 執筆謝金　NT$10,000（約49,000円）
• 台湾国内の文化芸術施設や組織とのネットワーキング及びその旅行費

対象者：

・日本在住の芸術文化実践者（キュレーター、アーティスト、文化事業者、批評家など）

・英語での日常的なコミュニケーションが可能な方

・年齢性別国籍不問

申請方法：
オンラインでの申請のみ受け付けています。次のリンクをクリックしてくださいhttps://forms.gle/7b57Kne43EWyC6LJ6 

上記の応募締切日までに英語にて必要事項を記入し、個人情報、履歴書、滞在計画書、任意で推薦者の連絡先をアップロードしてください。

本プログラムの審査結果は、2024年6月20日ごろにTASAのFacebookページ（https://www.facebook.com/profile.php?id=100012372787522)、および公式ウェブサイト( https://tasa-tw.org/en/home )にて発表いたします。

ご質問：

質問や提案、またサポートが必要な場合は、英語にて「tasatw@gmail.com」にお問い合わせください。また詳しい条件は、リンク先の英語の募集要項をご参照ください。

https://docs.google.com/document/d/1qVg5CjkRJFYMvc88V3_qL-GwEEgSLQS42e0kBWjTIcg/edit?usp=drive_link 

※  Res Artisは、アーティスト・イン・レジデンス（AiR）プログラムを支援する国際的なネットワークです。世界中のアーティスト・イン・レジデンスプログラムや文化機関をつなぎ、情報交換やリソースの共有を促進しています。Res Artisのメンバーには、アーティスト、キュレーター、文化機関のプロフェッショナルなど多岐にわたります。

Res Artisのアニュアルミーティング（年次会議）では、世界中のアーティスト・イン・レジデンス（AiR）プログラムの運営者、アーティスト、文化機関の代表者たち数百名が集い、多様なワークショップ、プレゼンテーション、パネルディスカッションが行われます。2024年の会議は台北で開催される予定です。過去にはロンドン（2022年）、京都（2019年）、ラップランド（2018年）など世界各地で開催。

https://resartis.org/

エクスチェンジプログラム共同主催：

TASA（台湾アートスペースアライアンス）

新竹市鐵道藝術村（新竹、台湾）

Accton Arts Foundation（新竹、台湾）

TRA-TRAVEL（大阪）

The Professional Exchange Program 2024

Open Call for Applications: Art and Cultural Practitioners (from Japan) 

Program timeline: 1st August – 23th september 2024

Submission Deadline: 11:00pm(GMT+8) of 17th June, 2024

The Professional Exchange Program is to support practitioners who are in the field of arts and culture working as  curator, artist, cultural worker, and critic from Japan to have the chance for a multi-week visit and exchange in Taiwan, hosted by an individual or an organization who has the related experiences and skills to help them develop the visiting practitioner’ personal and professional goals. The visiting practitioner also contributes to the host and art community of Taiwan by giving reflective observations and suggestions.

Taiwan Art Space Alliance and  Art Site of Railway Warehouse, Hsin-Chu City also facilitates coordination and logistics of the exchange as needed. 

Eligibility and criteria:

Designed for one Art and Cultural practitioner working as curator, artist, cultural worker, and critic from Japan.

How does the program work?

Organizers will offer the visiting practitioner :

• Provide accommodation ( shared creative space) during the Program.
• Local transportation fee (up to the given limit based on actual expenses and with a given maximum NT2000 for staying ).
• A round-trip economy class ticket. 
• NT$ 8,000 for Living expenses. (about USD$240)
• NT$ 10,000 for written creation (about USD$ 300) 

• Visiting trip, connecting practitioner to cultural sites and organizations.

The visiting practitioner is required to:

• Give presentations in separate sessions of the 2024 Res Artist Conference and 2024 TASA Annual Meeting with Southeast Asia Professional Exchange Platform, which topic is regarding “Arts Residencies in Taiwan Today” and assess the current landscape of Art Residency in Taiwan and explore future opportunities.  
• 1 article ( 2 pages in English) about the observation of  Taiwan Art-in-Residence now. The article will be presented in the publication platform about the AiR, and on the official website of TASA. 
• conduct workshops during the residency (optional) ( we will leave this decision for the final selecting candidate, if any) 

How can you apply for this program: 

We only accept online applications. Please click on the following link: 

fill out the application before the deadline (listed above). Applicants are required to upload personal information, CV. a resident plan, and the contact information of your referee.

Should you have any questions about the 2024 TASA  Open Call for Applications or submitting your proposal, or need assistance with access requirements, please don’t hesitate to get in touch via email: tasatw@gmail.com 

This program responds to needs and requests from practitioners in the result of the review, which will be launched on the Facebook page and official website of TASA on June 20th 2024. 

Our Organizers: 

Taiwan Art Space Alliance, (hereinafter “TASA”) entitled TASA was established in 2016. It integrates dozens of art villages and art spaces across Taiwan and holds regular meetings every year across Taiwan to discuss the position and role of artists in residence (AiR) in contemporary art through an annual series of meetings and lectures. TASA was to serve as a platform for the exchange and integration of resources among artists in residence (AiR) and art spaces throughout Taiwan. In addition, by connecting organizations and planning events, TASA endeavors to improve and strengthen the overall environment for art and culture in Taiwan, while attracting new energy in promoting international cooperation and expanding the global network among art institutions.

Art Site of Railway Warehouse, Hsin-Chu City, was formerly known as Warehouse No. 3, No. 4, and No. 5 of Taiwan Railway Company in Hsinchu Station. It was built in 1941 during the Japanese Occupation and was registered as a historical building in 2015. The wooden roof built by using the traditional jointing method has been completely preserved. The original truck platform has been converted into a platform for viewing trains. Each year the Art Site offers5-8 positions for artist-in-residency programs. In addition, the Art Site also holds exhibitions, art and cultural events very often.Hsinchu City Art Site of Railway Warehouse has been operated by Accton Arts Foundation since 2016.

Accton Arts Foundation was established in 2000 with the support of Accton Technology Coperation. We mainly focus on “promoting art education”, “nurturing artistic talents” and “connecting art communities” to respond to the missions and vision of the Arts Foundation.

TRA-TRAVEL is an art hub/collective with the mission of “creating international art pathways in Osaka.” It engages in a wide range of artistic practices and projects, including curating exhibitions, running artist-in-residence programs, organizing art workshops for children, and hosting international conferences and talks. As a mobile project, TRA-TRAVEL does not have a fixed location; instead, it collaborates with various local and international art spaces and organizations to create unique projects.

Host for the Program  :

Art Site of Railway Warehouse, Hsin-Chu City, was formerly known as Warehouse No. 3, No. 4, and No. 5 of Taiwan Railway Company in Hsinchu Station. It was built in 1941 during the Japanese Occupation and was registered as a historical building in 2015. The wooden roof built by using the traditional jointing method has been completely preserved. The original truck platform has been converted into a platform for viewing trains. Each year the Art Site offers 5-8 positions for artist-in-residency programs. In addition, the Art Site also holds exhibitions, art and cultural events very often.Hsinchu City Art Site of Railway Warehouse has been operated by Accton Arts Foundation since 2016.

Supported by:

Ministry of Culture 

National Culture and Arts Foundation

The Housen Cultural Foundation 

AIRΔ / Artist-in-residency Program vol.8

 ヨウ・ケン（楊健／Yang Jian）

TRA-TRAVELと WHITE SPACE BEIJINGによるアーティスト・イン・レジデンスプログラムAIRΔ Vol.8

▼AIR Δ vol.8 概要

TRA-TRAVELは2021年から、公共および民間のアートオーガナイゼーションと共に、アーティスト・イン・レジデンス（AIR）を大阪で7回実施してまいりました。本年から、『AIRにおけるクリエイティブエコノミーを考える』をキーワードに、国外のギャラリーとコラボレーションするアーティスト・イン・レジデンスを開始します。

本プログラムでは、作品の構想から販売に至るまでのレジデンスプログラムの流れを、アーティストとギャラリーと共にデザインすることで、アーティストの滞在制作、作品発表、そして作品の「販売」に至るまでの動線をもつAIRプログラムを試験的に実施します。
本滞在制作は、アーティストはもちろん、協働するギャラリーにおいても、作品の流通だけでなく、派遣アーティストが新たなインスピレーションを得る機会と捉えています。

AIRΔ vol.8では、北京のギャラリー「WHITE SPACE」が推薦する、中国の南京及び大阪を拠点に制作を行うアーティスト、ヨウ・ケン（楊健／Yang Jian）を招聘します。ヨウ・ケンは、2024年6月から7月にかけてレジデンスパートナーである北加賀屋のSuper Studio Kitakagayaで滞在制作を行い、また7月19日から21日まで「ART OSAKA」に合わせて開催されるオープンスタジオにて成果展と作品販売を行います。そのほか、アーティストの面会やインタビューも随時受け入れるなど、有機的なレジデンスプログラムを目指していますので、ご興味のある方は、ぜひTRA-TRAVELにご連絡ください。

＊作家とギャラリーの経費を除いた作品の売上は、次年度の本プログラムのAIR費用にあてるなど、循環型クリエイティブエコノミーを計画しています。

TRA-TRAVEL

▼主催：TRA-TRAVEL、WHITE SPACE

　　　レジデンスパートナー：おおさか創造千島財団（Super Studio Kitakagaya）

▼助成： 大阪市、芳泉文化財団

▼滞在場所：Super Studio Kitakagaya (スーパースタジオキタカガヤ)

　　　　　　　　〒559-0011 大阪府大阪市住之江区北加賀屋５丁目４−６４

　　　　　　　　　https://ssk-chishima.info/

▼滞在期間：2024年6月―7月末

© Julian Salinas

▼招聘アーティスト：ヨウ・ケン(楊健／Yang Jian）

1982年 中国福建省生まれ。ビデオとインスタレーションを主に制作するアーティスト。厦門大学芸術学院で学士号（2004年）と修士号（2007年）を取得後、2009年から2010年までStichting Niemeijer Fonds (NL)の助成を受けオランダのRijksakademie van Beeldende Kunstenに滞在。 2015年にHUAYU Youth Awardの審査委員会特別賞を受賞。2018年OCAT Young Media Artists of the Year受賞。中国、ドイツ、アメリカ、オランダで個展及びグループ展を多数開催。現在中国の南京及び大阪を拠点に制作を行う。

https://whitespace.cn/artists/yang-jian/

▼コラボレーションギャラリー：WHITE SPACE

WHITE SPACEは2004年北京で設立、2009年に草場地にある1500平方メートルのスペースに移転し、若手アーティストの作品に焦点を当てた中国初の現代アートギャラリーとし、次々と新しい企画を実施している。2021年、WHITE SPACEは北京市の順義区に700平方メートルの新スペースをオープン。WHITE SPACEは各取扱い作家の個々の芸術活動を深め、また、コンテンポラリーアートの世界的な普及と交流を促進するプロフェッショナルなギャラリーとして、中国とアジアにおける先駆的なアートスペースのひとつとして発展を続けている。

https://whitespace.cn/

▼WHITE SPACEによる推薦理由

Reasons for recommendation by WHITE SPACE

福建省出身で、厦門大学で修士号を取得したヨウ・ケンは、2012年からWhite Spaceの所属アーティストになりました。彼は、2009年にアムステルダムのRijksakademie van Beeldende Kunstenで奨学金を受けるなど、数々の重要な功績で知られています。その作品は文化の壁を越えて多くの観客に共鳴し、中国国内外の展覧会で展示され、また、メディアアート分野でも重要な存在として認識されています。

ヨウ・ケンは日本文化に対する深い関心を持っています。TRA-TRAVELとの共同プログラムを通じて大阪や日本の芸術文化、そして社会を知り、交流を深めることから新たなインスピレーションが生まれ、それが彼の芸術表現をさらに豊かにすることを期待しています。これは、グローバルな芸術交流を促進し、創造的な才能を育成するという我々のミッションと一致するものです。彼のSSKでのレジデンスを楽しみにしており、それが彼の芸術的探究と私たちのコミュニティの両方を豊かにすることを期待しています。

AIRΔ vol.8 in collaboration with WHITE SPACE Beijing

Since 2021, TRA-TRAVEL has collaborated with public and private art organizations to conduct seven artist-in-residence (AIR) programs in Osaka. Starting this year, we are excited to launch a new artist-in-residence initiative in collaboration with international galleries under the theme “Rethinking the Creative Economy in the Context of AIR.” 

In this program, we aim to experimentally implement an artist-in-residence (AIR) program that encompasses the entire process from the artist’s residency and creation to the presentation and sale of their works. By designing the residency program flow together with artists and galleries—from the conception of artworks to their sale—we seek to create a seamless pathway for artists from their creative process to the commercial distribution of their works.

Our overseas gallery partners expect that by not only facilitating the distribution of artworks but also sending artists to Osaka to participate in the AIR program, they can provide opportunities for artists to gain new inspiration and foster creativity.

For AIRΔ vol.8, we are pleased to invite Yang Jian (楊健), an artist based in Nanjing and Osaka, recommended by the Beijing gallery “WHITE SPACE.” Yang Jian will undertake a residency at Super Studio Kitakagaya in Kitakagaya from June to July 2024. He will showcase and sell his works during the open studio event from 19 to 21 July coinciding with the art fair “ART OSAKA.” . In addition, we will arrange meetings and interviews with the artist, aiming for a dynamic and interactive residency program. Interested parties are encouraged to contact TRA-TRAVEL for more details.

*Proceeds from the sale of the artworks, excluding the expenses of the artist and the gallery, will be reinvested into the AIR program for the following year, supporting a sustainable creative economy.

▼ Organizers: TRA-TRAVEL, WHITE SPACE 

　Residence Partner: Chishima Foundation for Creative Osaka (Super Studio Kitakagaya)

▼ Support: Osaka City, Housen Cultural Foundation 

▼ Residence Location: 

Super Studio Kitakagaya 5-4-64 Kitakagaya, Suminoe-ku, Osaka, 559-0011, Japan https://ssk-chishima.info/ 

▼ Residence Period: June – End of July 2024

Yang Jian 

Born in 1982 in Fujian Province, China, Yang Jian is an artist whose work primarily focuses on video and installation. He received a BA (2004) and MA (2007) from the Art College of Xiamen University and was a resident artist at the Rijksakademie van Beeldende Kunsten in Netherlands from 2009 to 2010, supported with funding from Stichting Niemeijer Fonds (NL). He won the Judging Panel Special Award  of  HUAYU Youth Award in 2015. OCAT Young Media Artists of the Year in 2018.He has exhibited extensively in solo and group exhibitions in China,Germany, USA and the Netherlands, He currently lives and works in Nanjing China and Osaka Japan.

https://whitespace.cn/artists/yang-jian/

WHITE SPACE

WHITE SPACE was founded in 2004 in Beijing and relocated to the current 1,500-square-meter space in Caochangdi in 2009 to embark on a new series of art programs, becoming the first contemporary art gallery in China to focus on working with young artists. In 2021, WHITE SPACE opened its brand new 700-square-meter space in Shunyi district of Beijing. As a professional gallery that promotes the dissemination and exchange of contemporary art worldwide, the gallery has worked alongside each artist to deepen individual artistic practices, and becoming one of the foremost pioneering spaces for art in China and Asia.

https://whitespace.cn/

Yang Jian, a native of Fujian Province with a Master’s degree from Xiamen University, has been a key figure at White Space Gallery since 2012. His early career is marked by significant accomplishments, such as receiving a prestigious scholarship at the Rijksakademie van Beeldende Kunsten in Amsterdam in 2009. His work, recognized for transcending cultural barriers, resonates with diverse audiences worldwide and has been featured in notable solo and group exhibitions both in China and internationally. His contributions to media art have established him as a significant figure in this field.

Yang Jian has a deep interest in Japanese culture, and we hope that through this collaborative program with TRA-TRAVEL, he will gain new inspiration and enrich his artistic expression by learning about and engaging with the art, culture, society and people of Osaka and Japan. This program aligns perfectly with the gallery mission to foster global artistic exchange and nurture creative talent.We eagerly anticipate his future residency at SSK, confident that it will enrich both his artistic journey and our community.

『in flux: ベトナムビデオアートの流れを振り返る』

 ベトナム映像作品スクリーニング＋キュレータートーク
(TRA-TRA-TALK vol.5関連イベント)

「Journey of a Piece of Soil（ジャーニー・オブ・ピース・オブ・ソイル）」
監督：Trương Công Tùng（チュオン・コン・トゥン）｜ベトナム｜2015｜カラー｜33分

大きな赤土のように見えるもの、実際にはシロアリの巣を運んでいる匿名の男を追った。 映像の中では何の説明も与えられないまま、男はどこへ行くにもそれを持ち歩き、細心の注意を払ってその物体を扱う。 ここではアーティストは、集団的な関与と文化的生産のより大きな様式における儀式の機能を考察している。 アーティストの活動は中央高原の複数の歴史、生活、民族性、神話に大きく影響され、関わってきたが、作品の中で描かれている農村のシャーマニズムは架空のもの。 なぜ男がシロアリの巣に惹かれるのかは明確には示されないが、だからこそ、献身についての作品『Journey of a Piece of Soil（ジャーニー・オブ・ピース・オブ・ソイル）』が作品として非常に魅力的なのである。さまざまな信仰が私たちに求める、堅実で妥協のない決意を力強く描いているのだ。

— 出典: Kadist から編集

チュオン・コン・トゥンは、ベトナム中部高原のさまざまな少数民族に囲まれたダクラク省で育つ。 2010年にホーチミン芸術大学で漆絵を専攻し卒業。 科学、宇宙論、哲学、環境の研究に関心を持っている。トゥンは、ビデオ、インスタレーション、絵画、ファウンド・オブジェクトなどさまざまな表現形式を用いて、近代化による文化的、地政学的な変化が土地の生態系、信仰、神話に顕在化したことに対する個人的な思索を反映させた作品を制作している。 また、さまざまな公共空間や状況での芸術的および文化的活動を通じて、ビジュアルアートと生命及び社会科学の間でオルタナティブな知識を生み出すための活動集団Art Labor (2012 年設立) のメンバー。 2023年にはハン・ネフケンス財団東南アジアビデオアート制作賞を受賞した。

主な展覧会に「The Disowned Garden…A Breath of Dream」サンアート／ササアートスペース／ジム・トンプソン・アートセンター／プラメーヤ財団／ムゼイオン／釜山市立美術館で2023年〜2025年にかけて巡回｜「Trương Công Tùng」ICA、ロサンゼルス（2023）｜『O Quilombismo, Of Resisting and Insisting. Of Flight as Flight. Other Democratic Egalitarian Political Philosophies」世界文化の家、ベルリン(2023)｜「Signals…瞬息」パラサイト、香港（2023）｜「Is it morning for you yet?」第58回カーネギーインターナショナル、ピッツバーグ（2022）｜「A State of Absence…Words out there」 Manzi Art Space、ハノイ（2021）｜「The Sap Still Runs」Sàn Art、ホーチミン市（2019）｜ 「バンコク・アート・ビエンナーレ」バンコク（2018年）｜「Between Fragmentation and Wholeness」Galerie Quynh、ホーチミン市（2018年）｜「A Beast, a God, and a Line」パラサイト、香港／ワルシャワ近代美術館／ダッカアートサミット（2018年）「Cosmopolis, Collective Intelligence」ポンピドゥーセンター、パリ（2017年）。

truongcongtung.com

Trương Công Tùng, Journey of a Piece of Soil (2015)
Duration: 33:35

We follow an unnamed man carrying what appears to be a large piece of red soil, in actuality a termite nest. Without any explanation provided in the film, the man brings it with him wherever he goes, devoting great care and attention to the object. Here, the artist considers the function of the ritual in larger modes of collective engagement and cultural production. While the artist’s practice has been largely influenced and engaged with the multiple histor(ies), lives, ethnicities and mythologies of the Central Highlands, the rural shamanism depicted in the work is a fictive one. There’s no clear indication why the man is drawn to the termite’s nest, and yet that is what makes Journey of a Piece of Soil so fascinating as a work about devotion: it powerfully depicts the steady and uncompromised determination our various faiths require of us.
— Source: edited from Kadist

Trương Công Tùng grew up in Dak Lak among various ethnic minorities in the Central Highlands of Vietnam. He graduated from the Ho Chi Minh Fine Arts University in 2010, majoring in lacquer painting. With research interests in science, cosmology, philosophy and the environment, Trương Công Tùng works with a range of media, including video, installation, painting and found objects, which reflect personal contemplations on the cultural and geopolitical shifts of modernization, as embodied in the morphing ecology, belief or mythology of a land. He is also a member of Art Labor (founded in 2012), a collective working between visual art and social/life sciences to produce alternative non-formal knowledge via artistic and cultural activities in various public contexts and locales. In 2023 he was awarded the Han Nefkens Foundation Southeast Asian Video Art Production Prize. 

Selected exhibitions include ‘The Disoriented Garden…A Breath of Dream’ (presented between 2023-2025 at Sàn Art, Sa Sa Art Space, the Jim Thompson Art Center, the Prameya Foundation, Museion, Busan Museum of Art); ‘Trương Công Tùng’, Institute of Contemporary Art, Los Angeles, USA (2023); ‘O Quilombismo, Of Resisting and Insisting. Of Flight as Flight. Other Democratic Egalitarian Political Philosophies’, Haus der Kulturen der Welt, Berlin, Germany (2023); ‘Signals…瞬息’, Para Site, Hong Kong (2023), ‘Is it morning for you yet?’, 58th Carnegie International, Pittsburgh, USA (2022), ‘A State of Absence…Words out there’, Manzi Art Space, Hanoi, Vietnam (2021), ‘The Sap Still Runs’, Sàn Art, Ho Chi Minh City, Vietnam (2019); The Bangkok Art Biennale, Bangkok, Thailand (2018); ‘Between Fragmentation and Wholeness’, Galerie Quynh, Ho Chi Minh City, Vietnam (2018); ‘A Beast, a God, and a Line’, Para Site, Hong Kong (2018), the Museum of Modern Art, Warsaw, Poland, (2018), the Dhaka Art Summit, Dhaka, Bangladesh (2018); ‘Cosmopolis, Collective Intelligence’, Centre Pompidou, Paris, France, (2017).

truongcongtung.com

「On Amanda Heng: The Scent of Tam Đảo（アマンダ・ヘン：タム・ダオの香り）」
監督：Veronika Radulovic（ヴェロニカ・ラドゥロヴィック）｜ベトナム｜2022｜カラー｜10分

* このビデオエッセイは、インドネシアのゲーテ・インスティトゥート・ジャカルタのプログラムおよび取り組みである「絡み合いと身体化された歴史の収集」の一部です。

1995年、ヴェロニカ・ラドゥロヴィックは、シンガポール人アーティストのアマンダ・ヘンとアーティスト兼講師のチュオン・タンをハノイ芸術大学の教室に連れて行った。 彼らは学生たちと一緒に即興パフォーマンスのワークショップを行い、それを無許可でビデオ録画した。 同じ頃、アーティストのグループは授業を離れ、都市を離れ、誰の監視も逃れて、近くの山や田園地帯に実験を持ち出し、そこで最初のパフォーマンス・アート作品のいくつかが試作され、記録された。26 年以上後に、ラドゥロヴィッチはこのオリジナルの素材を使用して、1990 年代のベトナムのパフォーマンス・アートに対する特異なアプローチを振り返り、コメントを残した。 彼女は参加者の何人かに当時の状況について質問し、これらのビデオとワークショップが作成された歴史的背景について最新の見解を用意した。

— 出典: ゲーテ・インスティトゥートより編集

ヴェロニカ・ラドゥロヴィックは、ベトナムの漆工芸を学ぶために1990年代初頭に初めてハノイを訪れた。1994年から 2005年まで、DAAD (ドイツ学術交流サービス) の後援により、ハノイ芸術大学で初の国際講師を務めた。ドイツのさまざまな機関や美術館と協力して、彼女はドイツとベトナムの現代美術の間の重要な結節点として機能し、1995年にドイツのミュンスター・ラックンスト美術館での「Lacquer, Earth, Stone（漆、土、石」（BASF の後援）を含むいくつかの主要な展覧会を企画。 ベルリン世界文化の家にてギャップ・ベトナム・プロジェクト（1998年）や ベルリン・フォルクスビューネでのプロジェクト「Ryllega Berlin 」（2008年）、そして、 ifaギャラリーベルリン (Institut für Auslandsbeziehungen)での展覧会 Connect: Kunstszene Vietnam (2009/2010) などを行います。ヴェロニカ・ラドゥロヴィックは、ハノイとベトナムでの長年の教育活動はじめ、広範な活動により、ベトナムにおける現代美術シーンの発展における最も重要なパイオニアの一人とみなされてる。

http://www.radulovic.org/wordpress/

Veronika Radulovic, On Amanda Heng: The Scent of Tam Đảo (2022)
Duration: 10:23

* The video-essay was part of ‘Collecting Entanglements and Embodied Histories’, a programme and initiative of the Goethe-Institut Jakarta, Indonesia.

In 1995, Veronika Radulovic brought Singaporean artist Amanda Heng and artist/lecturer Trương Tân to her classroom at University of Fine Arts Hanoi. Together with the students, they did an improvised performance workshop and made an unauthorised video recording out of it. Around that same time, the group of artists took their experiments out of the class, out of the city, and out of any scrutiny, into the nearing mountains and countryside where some of the first performance art pieces were trialled and documented. Over 26 years later, Radulovic uses this original material to reflect and comment on the unusual approach to performance art in Vietnam in the 1990s. She asks some of the participants about the situation at that time and provides an up-to-date view at the historical context in which these videos and the workshop were created.
— Source: edited from the Goethe-Institut

Veronika Radulovic first came to Hanoi in the early 1990s to study Vietnamese lacquer art. From 1994 to 2005 she was the first international lecturer at the Hanoi University of Fine Arts, sponsored by DAAD (German Academic Exchange Service). Working in cooperation with various institutions and museums in Germany, she served as an important link between German and Vietnamese contemporary art, and curated several major exhibitions, including: Lacquer, Earth, Stone at the Museum für Lackkunst Münster, Germany (sponsored by BASF, 1995); the Gap Vietnam Project at the House of the World Culture Berlin (1998); the project Ryllega Berlin at the Volksbühne Berlin (2008); and the exhibition at the ifa Gallery Berlin (Institut für Auslandsbeziehungen) Connect: Kunstszene Vietnam (2009/2010). Due to her many years of teaching and her extensive activities in Hanoi and Vietnam, Veronika Radulovic is considered one of the most important pioneers in the development of the contemporary art scene in Vietnam.
http://www.radulovic.org/wordpress/

「Becoming Alluvium（漂砂になる）」
監督：Thảo Nguyên Phan (タオ・グエン・ファン)｜ベトナム｜2019-ongoing｜カラー｜16分

「Becoming Alluvium」は、タオ・グエン・ファンによるメコン川とそれが育む文化についての現在進行形のリサーチに基づく。 寓話を通して、農地の拡大、魚類の乱獲、農民の都市部への経済的移住によって引き起こされた環境と社会の変化を探っている。 （中略） 三章に渡って展開される本作は、時代や年代はバラバラの破壊と輪廻、再生の物語を連想的な方法論で結ぶ。クメールの民話、ラビンドラナート・タゴールの詩、マルグリット・デュラスの『恋人』、イタロ・カルヴィーノの『見えない都市』に至るまで、数多くの文学的参考文献を参照している。 チベット、中国、ビルマ、タイ、ラオス、カンボジア、ベトナムを流れるメコン川のように、この映画は歴史と神話の間を漂流している。

— 出典: Institute of Modern Art（オーストラリア）

タオ・グエン・ファンは、絵画や映像、インスタレーションなど多様な表現形式を用いた作品を発表している。 文学的で哲学的なまなざしを日常生活へと向け、社会や歴史における曖昧な問題を観察している。

Fundaciò Joan Miró（ジョアン・ミロ・ファウンデーション）と共同で、Han Nefkens Foundation-LOOP Barcelona Video Art Production Award 2018を受賞。アーティストとしての活動に加え、専門分野を超えた実践を探求し、地域コミュニティに利益をもたらすアートプロジェクトを開発するコレクティヴ「Art Labor」の共同ファウンダーでもある。

http://www.thaoguyenphan.com/

主な国際展への参加：

Pirelli HangarBiccoca (Milan, Italy, 2023)、 Venice Art Biennial (Venice, Italy, 2022)、Tate St Ives (Cornwall, UK, 2022)、Chisenhale gallery (London, 2020)、WIELS (Brussels, 2020)、Rockbund Art Museum (Shanghai, 2019)、Lyon Biennale (Lyon, 2019)、Sharjah Biennial (Sharjah Art Foundation, 2019)、Dhaka Art Summit (2018)、Para Site (Hong Kong, 2018)、Factory Contemporary Art Centre (Ho Chi Minh City, 2017)、Nha San Collective (Hanoi, 2017)、and Bétonsalon (Paris, 2016)

Thảo Nguyên Phan,  Becoming Alluvium(2019)
Duration: 16:40

‘Becoming Alluvium continues Thảo Nguyên Phan’s ongoing research into the Mekong River and the cultures that it nurtures. Through allegory it explores the environmental and social changes caused by the expansion of agriculture, overfishing and economic migration of farmers to urban areas. […] Although non-chronological in narrative and associative in logic, ‘Becoming Alluvium’ unfolds over three-chapters telling stories of destruction, reincarnation, and renewal. Bringing together a host of literary references from Khmer folktales, the poetry of Rabindranath Tagore, to The Lover by Marguerite Duras, and Italo Calvino’s Invisible Cities. History and mythology flow and ebb through this film, like the river it traces which snakes through Tibet, China, Burma, Thailand, Laos, Cambodia, and Vietnam.

— Source: The Institute of Modern Art

Trained as a painter, Thảo Nguyên Phan is a multimedia artist whose practice encompasses video, painting and installation. Drawing from literature, philosophy and daily life, Phan observes ambiguous issues in social conventions and history.

Phan exhibits internationally, with solo and group exhibitions including Pirelli HangarBiccoca (Milan, Italy, 2023); Venice Art Biennial (Venice, Italy, 2022); Tate St Ives, (Cornwall, UK, 2022); Chisenhale gallery (London, 2020); WIELS (Brussels, 2020); Rockbund Art Museum (Shanghai, 2019); Lyon Biennale (Lyon, 2019); Sharjah Biennial (Sharjah Art Foundation, 2019); Dhaka Art Summit (2018); Para Site (Hong Kong, 2018); Factory Contemporary Art Centre (Ho Chi Minh City, 2017); Nha San Collective (Hanoi, 2017); and Bétonsalon (Paris, 2016), among others. She was granted the Han Nefkens Foundation-LOOP Barcelona Video Art Production Award 2018, in collaboration with Fundaciò Joan Miró. In addition to her work as a multimedia artist, she is co-founder of the collective Art Labor, which explores cross disciplinary practices and develops art projects that benefit the local community.

http://www.thaonguyenphan.com/

「Soap Bubbles」
監督：Phạm Nguyễn Anh Tú （ファン・グエン・アン・トゥ）｜ベトナム｜2021｜カラー｜7分

* Ignite Creativity Grant by ゲーテ・インスティトゥートの支援を受けた「ルン・チュン」プロジェクトの一部。

本作は、ゲイのスーパーヒーローが、ベトナムではクィアネスが伝染する可能性があるという噂を乗り越るという物語の中で、彼自身のクィアの原初の記憶を探求した。さまざまなユーモラスで不遜な役割を引き受け、ホーチミン市で行われた実際のパフォーマンスの一部と組み合わせることにより、アーティストは、ベトナムのLGBTQ+コミュニティに関する固定観念を生み出し、具体化する主な情報源の1つとしての報道機関を再検討する。この映像は、思い出の光景を再現し、ポップソングのファンタジーや家族の逸話を織り交ぜることによって、記憶と外的要因が個人のアイデンティティの形成に果たす役割について考察する。この作品は、オルタナティブな物語、クィア・アイデンティティに関する会話、ベトナムのクィア・コミュニティに対する偏見の調査と解体を歓迎する上映プロジェクトである「Lưng Chừng (ルン・チュン）」の一環として制作および上映された。

— 出典: ゲーテ・インスティトゥートより編集

ファン・グエン・アン・トゥは、ベトナムのサイゴンで生まれ育ったビジュアル アーティスト。 彼は、アニメーション コラージュとクロマキー合成を組み合わせてビデオ制作に取り組み、個人的な思い出、空想、内なる対話のシーンを再現する。 彼は、物理的世界との関わりを再考し、再想像するために、私たちの世界を構造化する知識のシステムを把握するための実験と批判的考察の場としてアートを用いることに関心を持っている。

プリンス・クラウス・ファンドのシード賞、第9回インターナショナル・ビエンナーレ・オブ・ユニバーシティ：ビジュアル・アート・ビエンナーレ賞、PULSE賞、ドグマ・プライズ　2019年と2021年、およびゲーテ・インスティトゥートからのIgnite Creativity Grant 2021を受賞。 彼の作品は、大英博物館、オーバーハウゼン国際短編映画祭、第4回タイ短編映画・ビデオフェスティバル、シュツットガルト・フィルム・ウィンター、カッセル・ドクフェスト、ニューメキシコ・エクスペリメンツ・イン・シネマ国際映画祭などで国際的に上映。ナイシネマの創設、及びサイゴン・エクスメリメンタル・フィルム・フェスティバルの共同創設者。ドイツとベトナムを往来している。

https://www.instagram.com/naicinema/

Phạm Nguyễn Anh Tú, Soap Bubbles, 2021
Duration: 7:00
* Part of ‘Lưng Chừng’ supported by the Goethe-Institut’s Ignite Creativity Grant.

A gay superhero experiments with his first queer memory while navigating rumours that queerness could be potentially contagious in Vietnam. Assuming different humorous and irreverent roles and combining these with segments of an actual performance done in Ho Chi Minh City, the artist reexamines news outlets as one of the primary sources that generates and reifies stereotypes on the LGBTQIA+ community in Vietnam. By recreating scenes of memory, interweaving it with pop song fantasy and family anecdotes, the video contemplates on the role that memory and external forces play in formation of one’s identity. The work was produced and screened as part of ‘Lưng Chừng / In the Middle of Nowhere’, a screening project welcoming alternative narratives, conversation on queer identities, examining and deconstructing the stigmatisation on the Vietnamese queer community.

— Source: edited from the Goethe-Institut

Phạm Nguyễn Anh Tú is a visual artist born and raised in Sài Gòn, Việt Nam. He approaches video making through combinations of animated collages and chroma key compositing to recreate scenes of personal memories, fantasy and inner dialogues. He is interested in using art as a site for experimenting and critically reflecting, to grasp the systems of knowledge that structure our world in order to rethink and reimagine our engagement with the physical world.

He is the recipient of the Prince Claus Fund’s Seed Award, 9th International Biennial of University Visual Art Award, PULSE Award, Dogma Prize 2019 and 2021, and Ignite Creativity Grant 2021 from Goethe Institut. His works have been shown internationally at The British Museum, International Short Film Festival Oberhausen, 4th Thai Short Film and Video Festival, Stuttgart Film Winter, Kassel Dokfest, New Mexico Experiments in Cinema International Film Festival. He is also the founder of Nãi Cinema and the co-founder of Saigon Experimental Film Festival. He lives and works between Germany and Vietnam.
https://www.instagram.com/naicinema/

「Precious. Rare. For Sale.（プレシャス・レア・フォーセール）」
監督：Lêna Bùi｜ベトナム｜2023｜カラー｜12分

「プレシャス・レア・フォーセール」は、1990年代のベトナムの映像における表象を広く取り上げる。雄大かつ神聖な獣の住処から、戦争の英雄譚やソーシャル・リアリズム（労働者階級の現実の生活から社会・政治的状況を描いた作風≠社会主義リアリズム）悲劇の背景としての役割まで、自然の表象は、ベトナムの社会・政治的文脈の変化によって形作られてきた。

映画製作者が環境をどのように描いてきたかを振り返ることで、ブイはカメラのために自然を利用する倫理に疑問を抱く。フランス人が撮影した初期の民族誌学映画では、ベトナムのジャングルが手付かずの原始的な風景として描かれていたが、今日の荒廃した森林や整然と区画された土地の映像は、台頭する中産階級にとって自然がどのように商品となったかを明らかにしている。不動産開発業者やスリルを求めるビデオブロガーによってスクリーン上に捉えられた自然のイメージは常に形を変え、メディア消費の無限ループを加速させる。

— 出典: 「モノグラフ 2023」アジア・フィルム・アーカイブ（AFA）

レナ・ブイは、時に逸話から、時に人間と自然との関係や急速な発展が人々の生活に与える影響を深く表現した作品を制作する。 彼女は主にペインティングと映像を通じて、伝統や信仰、死や夢が私たちの行動や認識にどのような影響を与えるかを考察している。

ウェスレアン大学で東アジア研究の学士号を取得。ブイの作品は、「モノグラフ2023」アジア・フィルム・アーカイブ（AFA）を始め、2022年には韓国の済州ビエンナーレとアジア文化センター、UAEのシャルジャ芸術財団、ベトナムでは、SànArtとファクトリーコンテンポラリーアートセンター、ドイツの世界文化の家、そして、ロンドンのウェルカムコレクションでの個展やグループ展、上映プログラムにて展示。

https://www.lenabui.com/

Lêna Bùi, Precious. Rare. For Sale. (2023)

Duration: 12:40
Commissioned by Asian Film Archive

‘Precious. Rare. For Sale.’ takes a broad sweep at the presentation of nature in Vietnamese moving images from the 1990s. From being an abode for majestic and magical beasts, to serving as a backdrop for war heroics and social realist tragedies, representations of nature have been shaped by Vietnam’s changing socio-political contexts.

Reflecting on how filmmakers have portrayed the environment, Bùi questions the ethics of exploiting nature for the camera. While early ethnographic films shot by the French depicted the Vietnamese jungle as an untouched, primitive landscape, today’s images of razed forests and neatly-partitioned land plots reveal how nature has become a commodity for a rising middle-class. Captured on screen by property developers and thrill-seeking vloggers alike, nature’s images shape-shift constantly, feeding into an endless loop of mediated consumption.

— Source: ‘Monograph 2023’, Asian Film Archive

Lêna Bùi produces works that are drawn sometimes from anecdotes, and at other times from in-depth articulations of human relationships to nature and the impact of rapid development on people’s lives. Working mainly through painting and video, she reflects on the ways in which tradition, faith, death and dreams influence our behaviour and perception.

Lêna holds a B.A in East Asian Studies from Wesleyan University. Her work has been shown in solo, group exhibitions and screening programmes such as Monograph 2023 by Asian Film Archive; 2022 Jeju Biennale, the Asia Culture Center, South Korea; Sharjah Art Foundation, UAE; Sàn Art and The Factory Contemporary Art Center, Vietnam; Haus der Kulturen der Welt, Germany; and the Wellcome Collection, London.

https://www.lenabui.com/

「My Paradise（私の楽園）」
監督：Quỳnh Đông（クイン・ドン）｜ベトナム｜2012｜カラー｜14分

エデンへの憧れを皮肉たっぷりに解説した「My Paradise（私の楽園）」では、ベトナムの理想主義が表現する夢のようなキッチュな世界の中で、クイン・ドン自身の両親が主人公として登場する。 彼女は、数々の文化的象徴、モチーフや舞台を参照してアーティストの父が作ったティールーム、パビリオン、中国の半月橋といった東洋風のマケット（模型）など、神話的なイメージに支えられた大げさなノスタルジーを誇張する。 […] 伝統的なイメージとポップなイメージの両方を派手な感性で融合させ、ドンはその時代に構築された「オリエント（東洋）」を風刺している。

— 出典 : Yeo Workshop（シンガポール）

クイン・ドンは、文化的な固定観念に意図的に挑戦するための本来のプラットフォームとして、ハイパーリアルなビデオ作品を制作する。また、彼女の活動はパフォーマンスや彫刻にも及ぶ。ベルン芸術大学でアートを学び、チューリッヒ芸術大学でアートの修士号を取得。 作品は世界的に公開され、ベルン美術館、パリのペロタン美術館、アムステルダム国立美術館、ベルンのベルンハルト・ビショフ＆パートナー美術館などで知られる。 さらに、パリ音響調整研究所/音楽院、スイス・ローザンヌ州立美術館 ; LISTE 17やバーゼルのヤングアートフェア、 米国・ニューヨークのエミリー・ハーベイ財団、韓国・大邱でも作品を発表。

https://quynhdong.ch/

My Paradise by Quỳnh Đông (2012)

Duration: 14:32 

A sardonic commentary on the yearning for Eden, ‘My Paradise’ features Quynh Đông’s own parents as protagonists within a dreamlike and kitschy landscape of Vietnamese idealism. She references a myriad of cultural icons, motifs and settings including oriental-styled maquettes of a teahouse, pavilion and half-moon Chinese bridge made by the artist’s father, to reinforce an overblown nostalgia fed by mythic imagery. […] Marrying both traditional and pop imagery with a garish sensibility, Đông satirises the construct of ‘The Orient’ through the times.

— Source : Yeo Workshop.

Quỳnh Đông creates hyper-real video works to provide an innate platform upon which she deliberately challenges cultural stereotypes. Her practice extends to also include performance and sculpture. She studied Fine Arts at Bern University of the Arts, and completed her MA in Fine Arts at Zurich University of the Arts. Her work has been exhibited internationally, notably including the Kunsthalle Bern, Galerie Perotin in Paris, Rijksakademie van beeldende kunsten in Amsterdam, and Galerie Bernhard Bischoff & Partner in Bern. She has further performed her works at Institut de Recherche et Coordination Acoustique/Musique Paris; Museé cantonal des Beaux-Arts Lausanne in Switzerland ; LISTE 17, the Young Art Fair in Basel, Switzerland; the Emily Harvey Foundation in New York, USA; and YAP`15, The Twinkle World, Exco 1F, Deagu, in South Korea.

https://quynhdong.ch/

Beer with Artist

 vol.5 コランタン・ラプランシュ・ツツイ（Corentin Laplanche Tsutsui）

『Un/Uttered』

 台湾映像作品上映会＋ポストスクリーニングトーク
(TRA-TRA-TALK vol.5関連イベント)

Beer with Artist

 vol.4 ジョンスワット・アンスワーンシリ（Jongsuwat Angsuvarnsiri）

イベント情報 「ギャラリスト・ジョンスワットに聞くタイのアート」

日時：2024年2月14日　18:00~20:00　要予約

言語：英語

料金：飲食割り勘制

主催：TRA-TRAVEL

—- Beer with Artist vol.4 with Jongsuwat Angsuvarnsiri ” Ask gallerist Jongsuwat Art in Thailand” 

Jongsuwat Angsuvarnsiri is a co-founder of SAC Gallery based in Bangkok and Chiang Mai where he also runs a residency program. Having graduated from Sotheby’s Institute of Art in London, Jongsuwat’s interest is in art investment, art business development and art collecting. At the gallery, Jongsuwat focuses on working with emerging artists to connect between Thailand and the international art scene. 

Their talk session, Beer with Artist vol.4, is scheduled to take place in Kitakagaya area in Osaka. 

This event is designed as a casual talk session with “Frank Q&A.” It aims to foster casual interactions with the art practitioners, allowing attendees to enjoy meals and drinks, engage in spontaneous conversations, and forge new connections – a refreshing divergence from standard artist talks. We invite attendees to not only discuss the art itself but also to delve into candid inquiries about himself, his life experiences, among other topics. We eagerly anticipate your presence. 

EVENT details Beer with Artist vol.4 with Jongsuwat Angsuvarnsiri ” Ask gallerist Jongsuwat Art in Thailand” 

Venue: Inquiry required (up to 15 people) 

Date & Time: February 14, 2024 18:00-20:00, reservation required 

Language: English 

Fee: Even split for food and drink 

Organized by: TRA-TRAVEL

TRA-TRA-TALK

 vol.5 「９つの質問：アートオーガナイゼーションの活動と国際交流の可能性
— 台北、ホーチミン、カールスルーエから」

English follows Japanese

■イベント概要
大阪のアートハブ・TRA-TRAVELは、「リサーチをひらく」をテーマにしたトークイベント「TRA-TRA-TALK（TTT）」を継続的に開催しています。クリエイターや研究者などの「リサーチャー（聞き手）」が、プロジェクトやリサーチを進めるにあたって、専門家や事情通など「レスポンダー（応対者）」に話を聞きに行くことを、あえてパブリックイベントとしてひらくことで、観客も交えた意見交換を行う「相互の学びの場」となることを目指しています。
TTT vol.5は、TRA-TRAVELをリサーチャーとして、また台北、ホーチミン、カールスルーエを代表するアートオーガイナイゼーション三団体をレスポンダーとして招き、「アートオーガナイゼーションの活動と国際交流の可能性」を中心に対話／リサーチをひらきます。

 

 

□ トークテーマ「９つの質問：アートオーガナイゼーションの活動と国際交流の可能性—　台北、ホーチミン、カールスルーエから」

– リサーチャー／TRA-TRAVEL
– レスポンダー／OCAC、Sàn Art、Mediating Media Art

＊トークモデレーター・通訳: 池田昇太郎

□ 日　程：2024年2月4日（日）17:00~19:00　（受付開始：16:40）　
*参加費：自由（ドネーション制）*定員30名(予約不要、先着順)

□ 会　場：JUU（FIGYA運営施設）
（〒554-0013 大阪府大阪市此花区梅香１丁目１７ー２０）

 

主催：TRA-TRAVEL 共催：OCAC
助成：大阪市、芳泉文化財団、國家文化藝術基金會
協力：FIGYA、一般社団法人アラヤシキ

 

 

 

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■イベント詳細

９つの質問からスタートする本トークイベント「TTT vol.5」では、台北のアーティスト・コレクティブ『OCAC』、ホーチミンのアーティスト・イニシアチブ・プラットフォーム『Sàn Art』、そしてカールスルーエの美術館・研究所ZKMのアートメディエイターが立ちあげた『Mediating Media Arts』が参加します。
各国や地域でアートがどのように機能し、また現在のトレンドがどのようなものかについて意見交換を行い、国や地域によって異なる「アートに関する制度、歴史、文化助成、国際協力」について理解をふかめる機会をもちたいと思います。
同時代のアートの動向に耳をかたむけ、新たな視点やインスピレーションを得る絶好の機会となることでしょう。ぜひ足をお運びください。

※ 関連イベント 上映会：
TTT vol.5の関連イベントとして、①台北『OCAC』のキュレーターチームP.M.S.による台湾の映像作品（2/3土曜）、②ベトナム『Sàn Art』のキュレーターMart Lou Davidによるベトナムの映像作品（2/18日曜）の上映会を、同会場にて開催します。

 

 

■ Sàn Art https://san-art.org/

2007年にアーティスト主導のプラットフォームとしてホーチミン市に設立されたSàn Artは、以来、ベトナムとこの地域をリードする独立系アート団体へと成長した。Sàn Artは、国内外のアーティストや文化活動に対する草の根的な支援へのコミットメントを維持しつつ、定期的な教育的イニシアチブを通じた批評的言説の場でもある。

展覧会プログラム（2007年以来110以上）のほか、Sàn Artの過去のプロジェクトには、アーティスト・レジデンス「Sàn Art Laboratory」（2012-2015年）、出版物やイベントのシリーズ「Conscious Realities」（2013-2016年）などがあり、グローバル・サウスに焦点を当てた作家、アーティスト、思想家、文化関係者を招いている。2018年、Sàn Artはキュレーター養成学校「Uncommon Pursuits」と、ベトナムとこの地域の近現代美術の対話に焦点を当てた新しいギャラリーを立ち上げた。また同年、MoT+++およびNguyen Art Foundationと共同で設立した国際的なアーティスト・レジデンシー・プログラムであるA. Farm（2018-2020）を開始した。

組織の歴史に新たな章を開いたSàn Artは、革新的で実験的な実践や視点を支援・育成するコミュニティ・ハブとして拡大している。

 

 

■ OCAC (Open Contemporary Art Center) https://www.facebook.com/opencontemporary

2001年に台湾の板橋で設立されたOpen Contemporary Art Center（OCAC）は、バンコクや台北の様々な地区を拠点に進化を遂げてきたアーティストコレクティブ。初期にはアーティストスタジオ、ブッククラブ、展覧会などのプログラムを提供していましたが、現在では特にタイのアーティストとの国際的なつながりを深めるための「ThaiTaiプロジェクト」を通じて成長を遂げています。現在は9人のメンバー全員が活動中のアーティストで、OCACは現代アートシーンにおける多様な対話と芸術的可能性を促進するシンクタンクおよびプラットフォームとして機能しています。

 

■ Mediating Media Arts https://www.instagram.com/mediating_media_arts/
Mediating Media Artsはカールスルーエの文化施設ZKMのアートメディエイターBarbara Kiolbassa と Fanny Kranzが立ち上げたチーム。2022年にMMAは韓国、日本、インドネシアを訪れ、非ヨーロッパ的文脈におけるメディア・アートの媒介を探求し、多くのネットワークを築き、そして何よりもたくさんの食事を交わしました。
MMAは、韓国、日本、インドネシアで実践されているメディアアートの仲介（メディエイション）戦略について、また、メディアアート媒介の差し迫った課題は何なのかを、それぞれのローカルな文脈を踏まえて研究した。TTT vol.5では、彼らの経験を紹介する。

 

 

■レスポンダー

マリー・ルー・ダヴィド／Mary Lou DAVID

パリ生まれ、ロンドン育ち。ホーチミンを拠点に活動。2014年ロンドン大学コートールド美術研究所美術史コース修了。 ベトナムのアートシーンを牽引する現代アートオーガナイゼーション「Sàn Art（サン・アート）」のキュレーター。実験映画、ビデオ・アート、クィア・パフォーマンスへの継続的な関心に加え、同地のインディペンデントなアートスペースを支援し、コラボレーションするための新たなネットワークの構築を目指す。さまざまなレジデンスプロジェクトに携わる中で、コミュニティに焦点を当てたプログラムと国際的な芸術交流が地元のアートシーンを多様にし、活性化するためのプロジェクトを数多く実践している。

Sàn Artでの展覧会企画と並行して、「Saigon Experimental Film Festival’ editions III and IV (2020年、 2022年) 」の共同キュレーション、 A. Farm (2018-2020年)、Times & Realities (2021年)、Sàn Art Studio (2021年〜)、Ecologies of Water (2023-)といったレジデンシープロジェクトにも関わっている。

※マリー・ルー・ダヴィドの今回の日本滞在とリサーチは、石橋財団・国際交流基金日本美術研究フェローシップの支援により実現しました。

 

 

 

ルオ・シードン

OCAC（Open Contemporary Art Center）の主要メンバーであるルオ・シードンの芸術実践は、個人としてのアート表現の追求と集団的な実践への関心という、二つの異なる磁場から形作られています。

2011年にはパリのポンピドゥー・センターで行われた「Rencontres Internationales Paris/Berlin/Madrid」や、フランスのリヨン・ビエンナーレ「Une terrible poetique」に参加しました。2014年には、国立文化芸術基金から海外芸術旅行プログラムの助成を受け、インドネシア、フィリピン、タイの芸術スペースやコレクティブのリサーチや交流を進めました。台湾と東南アジアの間で多数の共同プロジェクトを実施しており、例えば、Jiandyinとの共同での「ThaiTai: A Measure of Understanding」（2012-2014）、Lifepatchとの「CO-Temporary: Itu Apa Island」（2016）、PETAMUプロジェクト（2018）、そして「A Fly Enters. Immense Breath of the SEA」シリーズ（2020-2022）など。2022年には、Baan Noorg Collaborative Arts & Cultureと共にカッセルのDocumenta15に参加しました。

 

 

 

 

 

TRA-TRA-TALK vol.5
9 Questions: Exploring the works of Art organizations and prospects for global collaboration – Insights from Taipei, Ho Chi Minh, and Karlsruhe

 

■ Introduction:
Researchers often engage in conversations with knowledgeable individuals who can provide insights and answers, helping to advance their projects and research. This event is designed to make such research processes public, creating a “space for mutual learning” where the audience can actively participate in exchanging opinions and ideas. In TTT vol.5, TRA-TRAVEL will take on the role of the “researcher,” while three art organisations from Taipei, Ho Chi Minh City, and Karlsruhe will serve as “responders.” The event will facilitate dialogue and research, centring on “Exploring the Activities of Art Organisations and Prospects for International Collaboration.”
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“TTT vol. 5” will commence with a series of nine questions and feature prominent participants: the Taipei artist collective “OCAC,” the Ho Chi Minh City-based artist initiative platform “Sàn Art,” and “Mediating Media Arts,” a project initiated by art mediators from the ZKM cultural instituion in Karlsruhe. This event aims to foster a dialogue on how art functions across different countries, regions, and time zones, and to explore current trends. We will delve into the diverse aspects of “art organisations, history, cultural funding, and international cooperation,” which vary significantly from one region to another. This gathering presents a unique opportunity to engage with contemporary art trends and to acquire fresh perspectives and inspiration. We eagerly anticipate your participation!
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*Associated Event Screenings:
In conjunction with TTT vol.5, we are excited to present two special screenings at the same venue: 1) A showcase of Taiwanese video works by P.M.S. from OCAC, Taipei, scheduled for Saturday, Feb. 3, and 2) A selection of Vietnamese video works curated by Mart Lou David of Sàn Art, Vietnam, set for Sunday, Feb. 18. These screenings promise to enrich the overall experience of the event.

 

 

 

■ Sàn Art https://san-art.org/
Sàn Art, founded in 2007 in Ho Chi Minh City as an artist-led platform, has since grown into a leading independent arts organization in Vietnam and the region. Maintaining a commitment to grassroots support for local and international artists and cultural work, Sàn Art is also a site for critical discourse with regular educational initiatives.

Sàn Art has hosted over 110 exhibitions since 2007, alongside projects like the Sàn Art Laboratory artist-residency and Conscious Realities, featuring publications and events with a Global South focus. In 2018, it launched Uncommon Pursuits, a curatorial school, and a new gallery for modern and contemporary art dialogues in Vietnam and the region. The same year saw the inception of A. Farm, an international artist residency program, in collaboration with MoT+++ and the Nguyen Art Foundation.

Opening a new chapter in the organization’s history, Sàn Art is expanding as a community hub to support and foster innovative and experimental practices and perspectives.

 

■ OCAC (Open Contemporary Art Center)https://www.facebook.com/opencontemporary

OCAC / Open Contemporary Art Center, founded in 2001 in Banqiao, is an artist collective that has evolved through various locations, including Bangkok and different districts in Taipei. Initially offering programs like artist studios, book clubs, and exhibitions, OCAC has grown to foster international connections, notably with Thai artists through the ThaiTai Project. Now with nine members, all active artists, OCAC serves as a think-tank and platform, promoting diverse dialogues and artistic possibilities in the contemporary art scene.

 

 

 

 

■ Mediating Media Arts https://www.instagram.com/mediating_media_arts/
In October 2022, Barbara and Fanny embarked on a research trip to Korea, Japan, and Indonesia. Their goal was to explore media art mediation in non-European contexts, establish numerous networks, and, importantly, share a variety of culinary experiences. MMA conducted research into the specific strategies used for media art mediation in these countries, focusing on the unique challenges and issues relevant to each local context. At TTT vol.5, they will present their findings and experiences.

Beer with Artist

 vol.2 ジャコモ・ザガネッリ／シルビア・ピアンティーニ
（Giacomo Zaganelli and Silvia Piantini）

□ 言　語：英語、ときどき日本語(スタッフによる日英補助有)

□ 料　金：無料（ワンドリンク・オーダー制）

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“Beer with Artist”
Vol.2 Giacomo Zaganelli and Silvia Piantini 

November 4, 2023, from 4 PM @ Ichinojuni no Yon (1-12-4 Sanno, Nishinari-ku, Osaka City)

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“Beer with Artist”

Vol.2 Giacomo Zaganelli and Silvia Piantini 

Date: November 4, 2023 (Saturday) from 4 to 6 PM
*Free entry and exit, no reservation
Venue: Ichinojuni no Yon
1-12-4 Sanno, Nishinari-ku, Osaka City

Language: English, Japanese
Fee: Free (One-drink order system)
Organizer: TRA-TRAVEL
In cooperation with: C-index, FIGYA, NART

■ Artist Profile

Giacomo Zaganelli and Silvia Piantini are an artist+designer duo from Italy, based in Berlin. Working together and sharing the same approach towards art and life, the duo investigates the connection and the relationships between space and physicality, living things and materials.
The research and discovery of different contexts, exploring peculiar details and activating a multicultural dialogue with locals, are considered fundamental moments and integrant part of their practice. A participatory approach and an unconventional involvement of the local resources always influence the outcome of their collaboration, encompassing different types of languages that, from time to time, take the form of actions, interventions, installations, performances, case studies. Art as a medium to get in touch with local contexts.
The duo has been actively working in Asia for many years, mainly in Taiwan and Japan and recently also in Thailand. In 2021 Zaganelli participated in the Thailand Biennale in Korat and Piantini joined him as project coordinator.

AIRΔ / Artist-in-residency Program vol.7

Super Studio Kitakagaya オープンスタジオ

カール・カストロ（Karl Castro）

AIRΔ / Artist-in-residency Program vol.6

 タイラー・コバーン（Tyler Coburn）

□通訳: 池田昇太郎

AIRΔ vol.6 Tyler Coburn　 Talk event: “Remote sensation” Workshop: “Counterfactuals” Tyler Coburn is an American visual artist and writer based in New York City. Using a variety of media, he explores such subjects as botany, law, ergonomics, and the collecting practices of museums. Coburn’s work has been exhibited internationally, including at Centre Pompidou (Paris), Para Site (Hong Kong), and Hayward Gallery (London).

In AIRΔ vol.6, for his short research artist in residence, Coburn held a talk at DOYANEN HOTELS BAKURO (Nishinari-ku, Osaka City) on July 14th and a workshop at ICHINOJUNI NO YON (Nishinari-ku, Osaka City) the following day. In the talk, Coburn surveyed his past work and current research into Namban art in Japan, demonstrating a method of approaching history through multiple senses. The gaming-style workshop, entitled “Counterfactuals,” invited participants to imagine alternate paths that past events could have taken. It was an opportunity to dynamically engage the historical record and ask critical questions about what other presents and futures could be possible. 

Talk event “Remote sensation”

Venue: DOYANEN HOTELS BAKURO (2-8-12, Hagi no Chaya, Nishinari-ku, Osaka)

Date and time: July 14, 2023 19:00 – 20:30 Admission is free, no reservation required (Japanese/English translation available)

Workshop “Counterfactuals”

Venue: Ichinojuni no Yon (1-12-4 Sanno, Nishinari-ku, Osaka City)

Date: July 15, 2023 14:00 – 17:00, 1 drink required, reservations required (first 12 people) (Japanese-English interpretation available) (Note: The end time may be extended by up to one hour.)

Organized by TRA-TRAVEL Co-organized by DOYANEN HOTELS

Supported by: Osaka City Cooperation: C-index, Tokyo Arts and Space, General Incorporated Association Arayashiki, NART

Translator: Shotaro Ikeda

AIRΔ / Artist-in-residency Program vol.5

 アナ・メンデス（Ana Mendes）

□日程: 2023年６月3日（土）16：00～18；00

□会場: DOYANEN HOTELS BAKURO 1F カフェスペース
　　 (大阪市西成区萩之茶屋2-8-12)

入場無料

□通訳: 池田昇太郎

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主催: TRA-TRAVEL

共催: DOYANEN HOTELS

助成: 大阪市

協力: 一般社団法人アラヤシキ

Beer with Artist

 vol.1 ファニ・フッタークネヒト（Fanni Futterknecht）

□ 言　語：英語、ときどき日本語

□ 料　金：無料（ワンドリンク・オーダー制）

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“Beer with Artist”
Vol.1 Fanni Futterknecht

May 21, 2023, from 6 PM @Hoffma
https://goo.gl/maps/nAZze3raxPfvhBe57?coh=178571&entry=tt

TRA-TRAVEL’s new venture, “Beer with Artist,” is a casual talk event themed around “drinking with the artist”. The aim of this event is to enjoy meals and drinks with artists visiting Japan, exchange conversations, and build new connections. Unlike typical artist talks, we aim to create a space where casual interactions can occur.
Our first guest is Fanni Futterknecht, a contemporary artist from Austria. You can enjoy free conversations while delving deeper into her works, thoughts as an artist, and current interests. Why not take this opportunity to step into the artist’s world while sipping on a drink or coffee together? We look forward to your participation.

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“Beer with Artist”

Vol.1 Fanni Futterknecht

Date: May 21, 2023 (Sunday) from 6 PM
*Free entry and exit, no reservation
Venue: Hoffma
6-13-6 Tanimachi, Chuo-ku, Osaka City, Osaka Prefecture 542-0012
https://goo.gl/maps/nAZze3raxPfvhBe57?coh=178571&entry=tt

Language: English, Japanese
Fee: Free (One-drink order system)
Organizer: TRA-TRAVEL
Co-host: Hoffma

■ Artist Profile

Fanni Futterknecht
https://www.fannifutterknecht.com/

Born in Vienna Fanni Futterknecht has been studying fine art, contextual painting and video at the Gerrit Rietveld Academy Amsterdam and the Academy of Fine Arts Vienna. She participated at CNDC in Angers in France researching live performance, space and the body.
Fanni Futterknecht’s works adopt a position that spans media, ranging between video, performance and installation. In her works she reflects on sociological and social questions, converting them into poetic interpretations. In spatial and plastic realizations and translations, and by means of language, the artist works on – in the form of performance, demonstrations, videos and installations – the construction and deconstruction of scenarios. Performance-installations are understood as processual sculptures, transforming creatively during their staging.Part of this investigation is a concern with processes of media translation and a questioning of the media employed in each context: the translation of the performance into a video. The video as an exhibition. The installation as a performance

■pre-interview with the artist

Qenji Yoshida (QY): We will be discussing this at our event, “Beer with Artist,” but could you briefly tell us about yourself as an artist and the kind of field/area you explore?

Fanni Futterknecht(FF): thank you so much for this invitation. I am really happy about this idea and to have the opportunity to exchange with you and other artists about my work.

So briefly, I am a Vienna based visual artist working with different media mainly of narrative nature such as performance, installation, video and text. I work a lot with different performers as well as musicians depending on the specific project. My last project was about the act of scribbling (in Austrian German kritzeln) as an extended form of writing and speaking and a performative gesture of protest. The work is based on an extensive exploration about rhetoric in public space.

QY: I’ve seen some of your projects, and I’m particularly interested in your performance. While you’re in Japan, what kind of project are you working on?

FF: I came to Japan this time in the frame of an ICA fellowship based on my current research around the theme of play culture and toys in its social and political dimensions. Main goal was to get a broad image, idea or even imagination of where play begins and where it ends in peoples everyday life.

QY: I believe Japan is rich in “play” cultures and would provide an excellent location for researching this topic.

FF: Definitely, Japan is the perfect ground for this exploration as it offer endless opportunities and inputs around the notion of play and game.

This time I found my stay in Japan, even though it was my third time already, challenging, mainly due to language barriers but also I found the artistic context of Kyoto more closed than other bigger cities in Japan such as Tokyo or Osaka . It might have to do with the fact that Kyoto is a very touristic place and emerging in this context as a foreigner can be harder than for example in Tokyo. 

In Japan many relationships establish through being introduced through others, as a foreigner you kind of depend a bit on others taking care for you. That can be on the one hand something really beautiful as my experience in Japan has always been defined by meeting many warm and welcoming people, but sometimes this dependence can also become suffocating when you do need to sort things on your own.

QY: Since this event is titled “Beer with Artist”, I’d like to ask you about your own drinking culture or that of your country. In Japan, we have “Nomikai” (drinking parties). These are gatherings where friends come together at an izakaya (Japanese-style pub) to drink and chat. In business, contracts are often made at “Nomikai” instead of formal meetings or conferences, and in the dating scene, we have a special “Nomikai” called “Gokon”. So, “Nomikai” serves various social functions. What about Austria?

FF:  I have had many Nomikais, I guess, in my previous stays in Tokyo, at least many social moments in bars with friends and colleagues. 

In Austria we have a strong drinking culture too and we also have this saying that many contracts are made in the bars and not in the formal work environments. There is though quite a huge cultural difference. Despite the fact I consider austrians on a European scale  rather shy, in comparison to Japan, they really are very direct in addressing issues that we disagree with or dislike. It is also something I personally always find challenging being in here: How to address a problem or discomfort in a non direct way and by all means avoiding an uncomfortable situation for the other? In Japanese culture you aim to avoid confrontation by all means but in Austria we do the opposite many times. As a consequence people argue much more, especially when they get drunk.

 
QY: Oh, it’s true that I don’t like confrontation either, and tend to think of a dialectic, or a third alternative if there is a conflict. Some people say that people in Japan don’t like confrontation because it is an island country, and they value harmony. Maybe there are political, social, or geopolitical influences… I’d like to talk more about this, but let’s talk more the bar!

It’s true, I also avoid confrontation, and when there’s a conflict, I tend to think dialectically or try to find a third alternative. Some people say that because Japan is an island country, there is a tendency to value harmony and avoid confrontation. Perhaps there are political, social, and geopolitical influences at play… I’d love to delve deeper about you and your practices as well as this topic, but let’s save that for the bar!

TRA-TRA-TALK

 “アートと隣人 vol.1 ／ インドネシアの文化芸術、その創造環境”

Exhibition “At that sunny place / アノ　ヒダマリニテ“