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TRA-TRAVEL is the art hub established in 2019. We host onsite and online events such as exhibitions and talk events with our mission to connect locals from different sites/countries, and generate a new cultural, artistic and touristic traffic with them.
NEWS
Beer with Artist vol.6
with 鈴木啓二朗
『アーティスト・イン・レジデンスの最前線? 台湾から』
鈴木 啓二郎は山口を拠点とするアーティスト、キュレーター、アートマネージャー。
TRA-TRAVELと、台湾のTASA(Taiwan Art Space Alliance)、新竹市鐵道藝術村、Accton Arts Foundationとともに、日本のアート実践者1名を台湾へ招聘する公募を行いました。受賞者の鈴木は8月から台湾入りし、100名以上の世界のアーティストインレジデンス関係者が集う国際カンファレンス「Res Artis TAIPEI 2024」や、共催団体TASAが主催するアニュアルミーティングへ参加してきました。
Beer with Artist vol.6では、鈴木の台湾での報告会をかね、大阪市西成区のEARTHを会場にトークイベントを行います。 本イベントは「アーティストに聞いてみる」をテーマに、気軽にアーティストとの交流を生むカジュアルなトークイベントです。アーティストと一緒に食事やお茶を楽しみ、会話を交わし、新たなつながりを築くことを目的とします。台湾の滞在についてだけでなく、登壇者に対する素朴な疑問や、拠点である山口での生活についてなど、自由な会話を楽しむ機会をもちたいと思います。皆様がふらりと立ち寄られることを心待ちにしております。
✅イベント情報
日時:2024年9月27日(金) 19:00~20:30
言語:日本語
参加費:自由(ドネーション制)定員15名(予約不要、先着順)
会場:EARTH 〒557-0002 大阪府大阪市西成区太子1丁目3−26
主催:TRA-TRAVEL
共催:TASA(Taiwan Art Space Alliance)
✅アーティスト情報
鈴木啓二朗 (山口市、日本)
1981年愛知県名古屋市生まれ。2004年名古屋市立大学卒業、2010年ヒューストン大学大学院修了。地域や国際社会を視野に入れ、多様なリサーチとプロデュース手法を用いてアートの有用性を追求。主な活動として、「Earthship Biotecture」や「Adobe Alliance」のインターン参加、「Project Row Houses」レジデンス参加、オルタナティブスペース「the temporary space」の設立・運営などがある。主な展覧会に「Fotofest2010」(米国)、「Jakarta Biennale#14」(インドネシア)など。2018年に「第10回やまぐち新進アーティスト大賞」を受賞。最近では「ホスピタル・アート」事業や「あそべる図書館」プロジェクトにも携わる。 www.keijirosuzuki.com
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Beer with Artist vol.6
with Keijiro Suzuki
“Artist Residencies at the Forefront? Reporting from Taiwan”
Keijiro Suzuki is an artist, curator, and art manager based in Yamaguchi. TRA-TRAVEL organized a residency program that brought a Japanese art practitioner to Taiwan in collaboration with the Taiwan Art Space Alliance (TASA), the Hsinchu City Railway Art Village, and the Accton Arts Foundation. As part of this initiative, Suzuki was sent to Taiwan. During his stay, he attended international conferences such as “Res Artis TAIPEI 2024,” where over 100 participants who are involved in artists-in-residence programs gathered globally and TASA’s annual meeting.
In this volume of “Beer with Artist”, Suzuki will give a report on his experiences, and a talk event will be held at [venue] in [district] Osaka.
This event aims to foster casual interaction with artists. It’s a laid-back talk event where you can enjoy food and drinks with the artist, have conversations, and build new connections.
We hope to create an opportunity for free discussions not only about art but also about personal curiosities, such as life in Yamaguchi, where the speaker is based. We warmly welcome everyone to drop by!
✅Beer with Artist vol.6
with Keijiro Suzuki / “Artist Residencies at the Forefront? Reporting from Taiwan”
Date: Friday, September 27 2024 / 18:00-20:00
Language: Japanese
Fee: free (donation required)
Venue: EARTH 3-26, Taishi 1-chome, Nishinari-ku, Osaka, 557-0002, Japan
*Capacity: 15 people (No reservation required, first come, first served)
Organized by: TRA-TRAVEL
Co-organized by: TASA
✅Keijiro Suzuki (Yamaguchi City, Japan)
Born in 1981 in Nagoya City, Aichi Prefecture. Graduated from Nagoya City University in 2004 and completed a Master’s in Sculpture from the University of Houston in 2010. Suzuki explores the practical application of art through various research and production methods. His notable activities include internships with “Earthship Biotecture” and “Adobe Alliance,” participation in “Project Row Houses,” and the establishment of the alternative space “the temporary space.” Major exhibitions include “Fotofest 2010” (USA) and “Jakarta Biennale #14” (Indonesia). He received the 10th Yamaguchi Emerging Artist Award in 2018. Recently, he has been involved in projects like “Hospital Arts” and the “Speculative Library.” www.keijirosuzuki.com
TRA-TRA-TALK vol.6
『アーティストはどこに集うのか』
■イベント概要
TRA-TRAVELが主催するTRA-TRA-TALK(TTT)は、「リサーチをひらく」をテーマにしたトークイベントです。クリエイターや研究者などのリサーチャーは、プロジェクトやリサーチを進めるにあたって、専門的な知識のある方や、事情通などに話しを聞きにいきます。
本企画は、『リサーチャー(聞き手)』が、『レスポンダー(応対者)』に話しを聞くことを、あえてパブリックイベントとしてひらく事で、観客も交えた意見交換を行う「相互の学びの場」となることを望んでいます。
このトークでは、山梨県河口湖町にてアーティスト・ラン・レジデンス「6okken」を運営する筒さんを『リサーチャー(聞き手)』として、また1994年に神戸で設立されたC.A.P.(芸術と計画会議)のメンバーである下田展久さんを『レスポンダー(応対者)』としてお招きし、『アーティスト・ラン・スペースの未来像』を中心に対話/リサーチをひらきます。
□ トークテーマ「アーティストはどこに集うのか」
– リサーチャー/筒 | tsu-tsu
– レスポンダー/下田 展久
□ 日 程:2024年9月16日(月祝)16:00~18:00 ( 受付開始:15:45 )
*参加費:入場無料 (ドネーション制) *定員30名 (予約不要、先着順)
□ 会 場:VisLab OSAKA グランフロント大阪北館 タワーC 9F
(〒530-0011 大阪府大阪市北区大深町3−1)
主催:TRA-TRAVEL 助成:大阪市、芳泉文化財団
協力:C.A.P.(芸術と計画会議)、6okken、VisLab OSAKA/大阪電気通信大学
6okkenは、現代美術や音楽や建築、また演劇やVtubeなどをフィールドとする14名のメンバーで構成され、山梨県河口湖の6棟の家を拠点とする生活/表現活動/運営が一体となった『アーティスト・ラン・レジデンス』です。また国内外からアーティストを招聘し、芸術祭「ダイロッカン」を開催するなど、積極的に外部と連携しアートプロジェクトを企画しています。
時代毎にメンバーも入れ替えながら30年間運営されてきたC.A.P.は、「CAPARTY」と題して神戸の町に開いた展示やシンポジウムやアートフェアを実施する一方で、2016年からドバイ、ハンブルク、トゥルクのアートコミュニティと連携して、アーティストを交換するプログラム「See Saw Seeds」を行なうなど、地域や異なる国との交流を積極的にしてこられています。
6okkenとC.A.P.の活動をとおして「アーティスト・ラン・スペースの可能性」を探る本トークイベント。クリエイターが集まり協働し、団体としてプロジェクトを柔軟に実践することから、2020年代以降のアーティスト・ラン・スペースの未来像を、鑑賞者を交えて想像したいと思います。アートやスペース運営に興味のある方はもちろん、国際交流に関心のある方にもおすすめのイベントです。ぜひご参加ください。
ドキュメンタリーアクター。山梨県在住。実在の人物を取材し、演じるという一連の行為を「ドキュメンタリーアクティング」と名付け、実践する。他方で、2022年から山梨県河口湖町にてアーティスト・ラン・レジデンス「6okken」を設立・運営する。近年の活動に、クマ財団ギャラリー「01.25.1997」、十和田市現代美術館「地上」、ANB Tokyo「全体の奉仕者」など。主な受賞に、第28回CGC最優秀賞、やまなしメディア芸術アワード山梨県賞など。Forbes Japan 30 under 30 2023選出。
下田 展久 Nobuhisa SHIMODA
1957年、川崎生まれ。1979年、アルファレコードよりアルバム「ムーンダンサー」でレコードデビュー。1988年、神戸ポートアイランドのジーベックホール設立準備に参加し2000年まで同ホールのプロデュース。1998年、C.A.P.(芸術と計画会議)のメンバーになり、2015年より2023年まで理事長を務める。C.A.P.と海外のアートグループによる共同プロジェクト「See Saw Seeds」を2016年に開始、アーティスト交換を主軸に現在もプロジェクト継続中。
https://cap-kobe.com/
Where Do Artists Gather?
Event Overview
TRA-TRA-TALK (TTT), organized by TRA-TRAVEL, is a talk event centered around the theme of “Opening Research.” Creators and researchers often seek out experts and knowledgeable individuals to gain insights as they advance their projects and research.
This event aims to turn such interactions between ‘Researchers’ (the questioners) and ‘Responders’ (the interviewees) into a public event, creating a “mutual learning space” where even the audience can participate in exchanging opinions.
In this talk, we welcome tsu-tsu, who operates the artist-run residence “6okken” in Kawaguchiko, Yamanashi Prefecture, as the ‘Researcher’ (the questioner), and Nobuhisa Shimoda, a member of C.A.P. (Conference on Art and Planning) established in Kobe in 1994, as the ‘Responder’ (the interviewee). Together, they will engage in a discussion and research session focusing on the “Future of Artist-Run Spaces.”
Talk Theme: “Where Do Artists Gather?”
- Researcher: tsu-tsu
- Responder: Nobuhisa Shimoda
Date: Monday, September 16, 2024, 16:00-18:00 (Reception starts at 15:45)
*Admission: Free (Donations welcome)
*Capacity: 30 people (No reservation required, first come, first served)
Venue: VisLab OSAKA, Grand Front Osaka North Building, Tower C, 9th Floor
(3-1 Ofukacho, Kita-ku, Osaka 530-0011)
Organized by: TRA-TRAVEL
Supported by: Osaka City, Housen Cultural Foundation
In cooperation with: C.A.P. (Conference on Art and Planning), 6okken, VisLab OSAKA / Osaka Electro-Communication University
Event Details
This event will feature a discussion on the “Future of Artist-Run Spaces” between tsu-tsu, who operates the artist-run residence “6okken” in Kawaguchiko, Yamanashi Prefecture, and Nobuhisa Shimoda from C.A.P. (Conference on Art and Planning), an organization based in Kobe.
As a documentary actor, tsu-tsu has been practicing a unique process of interviewing and portraying real people, presenting his work at venues such as the Towada Art Center. Since 2022, he has established and managed “6okken.” On the other hand, Shimoda has been involved with C.A.P. since 1998, launching numerous projects, including international collaborations like the “See Saw Seeds” project with art groups abroad.
In this event, tsu-tsu will serve as the ‘Researcher’ (questioner), and Shimoda as the ‘Responder’ (interviewee), as they discuss the future of artist-run spaces. Artist-run spaces are places managed by artists themselves, and both 6okken and C.A.P. are organizations founded by artists. However, the times in which they were established are different: 6okken in 2022 and C.A.P. in 1994. As a result, their visions for the future, management methods, and interactions with external parties differ. At the same time, they share common ground, such as running residencies and studios, holding regular meetings, and responding to proposed projects — aspects unique to artist-run spaces.
6okken is an artist-run residence based in six houses in Kawaguchiko, Yamanashi, and consists of 14 members involved in contemporary art, music, architecture, theater, Vtubing, and other fields. The group integrates daily life, creative activities, and management. They also collaborate with external partners to organize art projects, such as the art festival “Dairokkann,” and invite artists from Japan and abroad.
C.A.P., which has been operating for 30 years with changing members, organizes exhibitions, symposia, and art fairs, such as “CAPARTY” in Kobe. Since 2016, they have actively engaged in international exchanges with art communities in Dubai, Hamburg, and Turku, including artist exchange programs under the “See Saw Seeds” initiative.
This talk event will explore the potential of artist-run spaces through the activities of 6okken and C.A.P. By imagining the future of artist-run spaces beyond 2020, the event aims to involve the audience in envisioning the possibilities. It is an event recommended for those interested in art, space management, and international exchange. We hope you will join us.
tsu-tsu
Documentary actor based in Yamanashi Prefecture. He has named and practices the act of interviewing and portraying real individuals as “Documentary Acting.” Since 2022, he has also established and managed the artist-run residence “6okken” in Kawaguchiko, Yamanashi. Recent activities include exhibitions at Kuma Foundation Gallery (“01.25.1997”), Towada Art Center (“Chijou”), and ANB Tokyo (“Servant of the Whole”). His major awards include the 28th CGC Grand Prize and the Yamanashi Media Arts Award. He was selected for Forbes Japan’s 30 under 30 in 2023.
https://6okken-org.studio.site/
Nobuhisa Shimoda
Born in 1957 in Kawasaki. He made his record debut in 1979 with the album “Moon Dancer” from Alfa Records. In 1988, he participated in the establishment of Xebec Hall in Kobe Port Island and served as its producer until 2000. In 1998, he became a member of C.A.P. (Conference on Art and Planning) and served as its president from 2015 to 2023. In 2016, he launched the international collaborative project “See Saw Seeds” with overseas art groups, focusing on artist exchanges, a project that is still ongoing today.
https://cap-kobe.com/
AIR Δ / Artist-in-residency Program vol.12
Key image of AIR Δ vol.12
JP/EN September 2024
アーティスト・イン・レジデンスプログラム「AIRΔ vol.12」
AIRΔ vol.12では、2023年にICA京都滞在中に着想を得たリサーチプロジェクト「Toytopia」を展開するために、再来日したオーストリア・ウィーン拠点のビジュアルアーティストファニ・フッタークネヒト(Fanni Futterknecht)と、作曲家カミロ・ラトーレ(Camilo Latorre)を招聘します。
日本は世界最大の玩具輸出国の一つとして知られ、玩具と遊びの文脈において世界的な影響力を持ちます。ゴジラ、戦隊もの、スーパーマリオ、ポケモンなど、日本の漫画やゲーム、アニメのキャラクターは、世界中の人々の想像力を掻き立て、デザインやポップカルチャーのトレンドを生み出すなど、国境を越えて強い存在感を示します。
本リサーチプロジェクトでは、特に「カワイイ文化」と「ソフビ」に焦点を当て、玩具の政治的側面に対する批評的な考察を行います。
彼らは、2024年9月から1ヶ月レジデンスパートナーである此花区のFIGYAで滞在制作を行いパフォーマンス及び映像作品を制作、そして9月末に1日限りのパフォーマンスを行う予定です。
そのほか、アーティストの面会やインタビューも随時受け入れるなど、有機的なレジデンスプログラムを目指していますので、ご興味のある方は、ぜひTRA-TRAVELにご連絡ください。
▼主催:TRA-TRAVEL 共催:FIGYA
▼助成: 大阪市、芳泉文化財団、Austrian ministry of culture、 ACT OUT、 EU Japanfest Foundation
✅滞在期間:2024年9月
FIGYA(〒554-0013 大阪府大阪市此花区梅香1丁目18−19)
https://www.figya-jp.com/
✅招聘アーティスト:
ファニ・フッタークネヒト(Fanni Futterknecht)
ウィーンを拠点とするビデオ、パフォーマンス、インスタレーションなど多様な手法を用いるビジュアルアーティスト。 異なるメディア間の関係性の探究や、メディア間の翻訳、あるいは、芸術として使用されるメディアの問い直しなど、メディアを再考する実践を行う。
現在、在籍する博士課程では、文化・政治的な側面を含む、公共および半公共の空間における言語を通じたパフォーマンスの実用化について研究を行う。https://www.fannifutterknecht.com/
カミロ・ラトーレ(Camilo Latorre)
ウィーンを拠点とするコロンビア出身の作曲家/ライター。ウィーンのMDWでピアノ教育法を学び、その後、プロヴディフ音楽アカデミーおよびリンツのアントン・ブルックナー大学で作曲を学ぶ。特に音楽と文学や視覚芸術など、異なる芸術表現における関係性を探ることに関心を持ち表現する。
Artist-in-Residence Program “AIR Δ vol.12”
AIR Δ vol.12 invites Fanni Futterknecht, a Vienna-based visual artist in collaboration with composer Camilo Latorre, who have returned to Japan to further develop their ongoing research project “Toytopia,” which was inspired during Fannis’ 2023 fellowship at ICA Kyoto.
Japan is known as one of the world’s largest exporters of toys and holds significant global influence in the context of toys and play. Characters from Japanese manga, games, and animations, such as Godzilla, Power Rangers, Super Mario, and Pokémon, shape the imagination of people worldwide, creating trends in design and pop culture and establishing a strong presence beyond Japan’s borders. This research project critically examines the political aspects of toys, with a particular focus on “Kawaii Culture” and “Sofubi.”
The two artists will be in residence at FIGYA in Konohana-ku for one month starting in September 2024 developing performative and film works, culminating in a one-day performance at the end of September.
TRA-TRAVEL.
▼Organized by: TRA-TRAVEL
Co-organized by: FIGYA
▼Funding: Osaka City, Housen Cultural Foundation, Austrian Ministry of Culture, ACT OUT, EU Japanfest Foundation
✅ Residency Period: September 2024
@FIGYA (1-18-19 Baika, Konohana-ku, Osaka, 554-0013)
https://www.figya-jp.com/
✅Artist Profile
Fanni Futterknecht
Fanni Futterknecht works in an interdisciplinary artistic field between video, performance and installation. Her practice examines performance in the time- based visual and performing arts and its relationship to text and narrative. Part of this exploration is the examination of media translation processes and the questioning of the media used in the respective artistic context. Repeated stays in Japan have significantly contributed to shaping and deepening her interest in Japanese performance culture. As part of a PhD in Practice, she is currently researching performances and their instrumentalisation through language in public and semi-public spaces, taking cultural and political dimensions into account.
https://www.fannifutterknecht.com/
Camilo Latorre
Camilo is a Colombian composer and writer based in Vienna. He studied piano pedagogy at MDW in Vienna and later composition at the Plovdiv Academy of Music and at the Anton Bruckner University in Linz. Camilo´s formal interest lies specially in finding relationships between music and other art forms, like literature and visual arts.
#tratravel #osakaart #osakaarthub #airΔ #FIGYA #FanniFutterknecht #CamiloLatorre
AIRΔ / Artist-in-residency Program vol.10
Key image of AIR Δ vol.10
JP/EN August 2024
TRA-TRAVELは2023年から、国際交流基金マニラ日本文化センター(JFM)と共に、フィリピン人アーティストを大阪に招聘するアーティスト・イン・レジデンス(AIR)を大阪で実施してまいりました。今年度から、エクスチェンジプロジェクトをスタートし、日本人アーティストをフィリピンのバコロドにあるOrange Projectに招聘するレジデンスを開始します。
推薦型コンペティションのAIRΔ vol.10は、第一次審査にて日本在住の3名の有識者が、各アーティスト1名を推薦し、3名のアーティスト「筒 | tsu-tsu」「トモトシ」「山口塁」が選ばれました。そしてフィリピン側の第二次審査を経て、最終1名のレジデンスアーティストを、「トモトシ」に決定しました。以下に審査評、推薦理由をまとめましたので、ご覧ください。
またアーティストと推薦者の皆さまには、この場を借りて改めて御礼を申し上げます。
<第一次審査>
選定アーティスト①:筒 | tsu-tsu
推薦者①:川上 幸之介 (Kounosuke Kawakakami)
選定アーティスト②:トモトシ (Tomotosi)
推薦者②:木村絵理子 (Eriko Kimura)
選定アーティスト③:山口塁 (Rui Yamaguchi)
推薦者③:沢山遼 (Ryo Sawayama)
<第二次審査>
AIRΔ vol.10 レジデンスアーティスト:トモトシ(Tomotosi)
審査員①:Candy Nagrampa
審査員②:CHARLIE S. CO
審査員③:Manny Montelibano
(50音順、敬称略)
<選定アーティストと推薦者>
選定アーティスト①:筒 | tsu-tsu
ドキュメンタリーアクター。山梨県在住。実在の人物を取材し、演じるという一連の行為を「ドキュメンタリーアクティング」と名付け、実践する。他方で、2022年から山梨県河口湖町にてアーティスト・ラン・レジデンス「6okken」を設立・運営する。近年の活動に、クマ財団ギャラリー「01.25.1997」、十和田市現代美術館「地上」、ANB Tokyo「全体の奉仕者」など。主な受賞に、第28回CGC最優秀賞、やまなしメディア芸術アワード山梨県賞など。Forbes Japan 30 under 30 2023選出。
推薦者①:川上 幸之介 (Kounosuke Kawakami)
1979年山梨県生まれ。倉敷芸術科学大学教員。ロンドン芸術大学セントラル・セント・マーチンズMAファインアート修了。専門は現代アート、ポピュラー音楽、キュレーション。著書に『パンクの系譜学』(書肆侃侃房)、共著に『思想としてのアナキズム』(以文社)。キュレーションにPunk! The Revolution of Everyday Life 展、Bedtime for Democracy 展ほか。
選定アーティスト②:トモトシ(tomotosi)
1983年山口県出身。国立大学法人豊橋技術科学大学建設工学課程を卒業後数年にわたって建築設計・都市計画に携わる。2014年より展覧会での発表を開始。「人の動きを変容させるアクション」をテーマに主に映像作品を制作している。また2020年よりトモ都市美術館を運営し、新しい都市の使い方を提案している。主な展覧会に、「tttv」(中央本線画廊、2018)、「有酸素ナンパ」(埼玉県立近代美術館、2019)、「ミッシング・サン(芸術競技2021)」(代々木TOH、2021)、「絶望的遅延計画」(TAV GALLERY、2023)がある。
推薦者②:木村絵理子(Eriko Kimura)
キュレーター、弘前れんが倉庫美術館館⻑、多摩美術大学・金沢美術工芸大学客員教授、美術評論家連盟会員。2023 年より、弘前れんが倉庫美術館副館⻑兼学芸統括を務め、2024 年 より現職。2000 年より横浜美術館に勤務、2012 年より 2023 年まで主任学芸員。2005 年より 2023 年まで横浜トリエンナーレのキュレトリア ル・チームに携わり、2020 年の第7回展では企画統括を務めた。その 他、關渡ビエンナーレ(2008 年、台北)、釜山 Sea Art Festival(2011 年)など海外のプロジェクトに従事。
選定アーティスト③:山口塁(Rui Yamaguchi)
1991年石川県生まれ。些細なジェスチャーや身近な生活用品を詩的あるいは政治的メタファーに転換し、日常に潜む社会的構造を明らかにする作品を制作している。制作は都市文脈と歴史のリサーチ、特定の個人への聞き取りから始まり、表現媒体はテキスト、ダンス、映像、インスタレーション、パフォーマンスなど領域横断的に展開する。近年の主な展示に「現代芸術振興財団CAF賞ファイナリスト展」(代官山ヒルサイドフォーラム、2023年)、「ON LIMITS」(新有楽町#ソノアイダ、2023年)、「A-TOM ART AWARD 2022 ヴァナキュラーと夜明け」(コートヤードHIROO、2022年)、などがある。
推薦者③:沢山遼(Ryo Sawayama)
美術批評家、武蔵野美術大学美学美術史研究室准教授
1982年生まれ。東京造形大学絵画専攻領域特任准教授を経て2024年4月より現職。2009年「レイバー・ワー ク―カール・アンドレにおける制作の概念」で第14回芸術評論募集第一席。著書に『絵画の力学』(2020年、 書肆侃侃房)。主な共著に『現代アート10講』(2017年、田中正之編著、武蔵野美術大学出版局)、『絵画 との契約―山田正亮再考』(2016年、松浦寿夫ほか著、水声社)、国立新美術館編『今、絵画について考える』(水声社、2023 年)などがある。
<第2次審査評>
まず日本の3名のアーティストのプロポーザルに大いに興奮しました。それぞれのアーティストの提案は、いずれもグローバル/ローカルな文化的な物語に共鳴するもので、最終的に1名のアーティストの選定は、熟考の末に行いました。
筒 | tsu-tsuは、自分と同じ日に生まれた多様な文化や人々に魅せられており、バコロド住民とのパフォーマンスアートを通じて、そのつながりを探ることを目的とするものでした。彼の個人的な人間関係に焦点を当てたプロジェクトではありますが、深い洞察に誘うものでした。
山口塁は、ネグレンセ文化とその豊かな集いの伝統や、多様な料理の影響を反映し、食の共同体的側面に深く掘り下げるプランを提案しました。彼のコンセプトはシンプルでありつつも、私たちのコミュニティの本質を的確に捉えるものでした。
トモトシの「ストリート・イナサルとフランチャイズ・イナサルの邂逅」という革新的なプロジェクトは、地元の食品ベンダーが直面する現在の課題に関連しており、際立って見えました。その提案では、商業開発によって地元の名物が置き換えられる問題に取り組んでおり、バコロドで強く認識される懸念を反映したものでした。彼の提案は地域の問題に光をあてつつ、経済的変遷のなか、文化保存というグローバルなテーマにも触れるものでした。
上記の選考の結果、トモトシをAIRΔ vol.10 レジデンスアーティストとして選定いたしました。彼のプロポーザルは目的が明瞭で、また私たち地域住民や地域文化に与えうる影響を深く理解していると感じたためです。
As discussed in the meeting, we are excited to host all three Japanese artists for our residency, a decision made after much deliberation. Each artist’s proposal uniquely resonates with our global and local cultural narrative.
Tsu-Tsu, films is fascinated by diverse cultures and individuals born on the same day as him, and aims to explore this connection through performance art with a Bacolod resident. Although his focus on personal human connections, his project promises profound insights.
Rui Yamaguchi, plans to delve into the communal aspect of food, reflecting the Negrense culture and its rich traditions of gatherings and diverse culinary influences. His concept, while simple, effectively captures the essence of our community.
Tomotosi, with his innovative “Street Inasal meets Franchise Inasal” project, stood out due to its relevance to the current challenges faced by local food vendors. This project addresses the displacement of local delicacies by commercial developments, a concern deeply felt in Bacolod. His work not only highlights regional issues but also speaks to global themes of cultural preservation amid economic shifts. Therefore, we have selected Tomotosi as our top choice for the residency because we feel he clearly understands the purpose of his proposal and how this affects our people and our regional culture. We recommend ensuring that he has all necessary documentation from participants for his art and documentation.
Candy Nagrampa
Candy Nagrampa is a film worker based in Bacolod City, Philippines. She is the Projects and Exhibition Director of the Orange Project, a private artist-run space that supports and promotes contemporary art in the Philippines. Nagrampa is also active in the arts community. She has organized several exhibitions, public art projects and inter-community collaborations. She has worked as an assistant director for several indie and mainstream films. Her debut directorial is a documentary short film “Ang Kalibutan ni Nunelucio Alvarado”.She is passionate about using her craft to promote social change and to create a more inclusive and equitable society.
CHARLIE S. CO
CHARLIE S. CO has produced more than 40 solo exhibitions since 1983, presented internationally in Australia, China, Hong Kong, Singapore and The Philippines. A mature and prolific career, Co established his own distinctive style early on, an individuality that has awarded him many accolades among them the 13 Artists Award (1990), Juror’s Choice of The 6th Philip Morris ASEAN Art Awards (1999), an Artist in Residence in Japan, China and Australia, Patnubay ng Sining at Kalinangan (Pintura) (2003), and the Dr. Jose Rizal Award for Excellence (2007). Furthermore, Co has represented the Philippines in important regional surveys including Brazil’s 23rd Sao Paulo Biennale (1996), 2nd Asia Pacific Triennial (Australia 1996), “Asian Modernism” at the Japan Foundation Asian Cultural Centre, Tokyo (1995, traveling to Bangkok and Jakarta). Despite his successes Co’s practice has remained deeply rooted to his home of Bacolod City, where he runs and co-owns Orange Project supporting emerging Visayan talent. Co was pivotal in establishing VIVA EX-CON (Visayan Visual Art Exhibition and Conference) in 1990 and is currently the longest running biennial in the Philippines.
Manny Montelibano
Mariano “Manny” G. Montelibano III (b. 1971) lives and works in Bacolod, the province of Negros Occidental, Philippines. He holds a Bachelor’s degree in Economics from the University of St. La Salle in Bacolod City, where he is currently Director of the Institute of the Moving Image. He also received his training through experience as technical director at University of St. La Salle in Bacolod and various film projects. His work often explores contemporary socio-political, economic, and religious structures through video and inter-media installations, reflecting on the Philippine cultural landscape within a broader, universal context. He is an active cultural worker in the Philippines, especially in the Visayas region, affiliated with various organizations such as the National Commission for Culture and the Arts of the Philippines, Black Artists in Asia Association, and VIVA EXCON Organization. In 2015, he represented the Philippines at the 56th Venice Biennale.
AIR Δ / Artist-in-residency Program vol.9
JP/EN August 2024
AIRΔ vol.9は、TRA-TRAVEL、国際交流基金マニラ日本文化センター(JFM)、Orange Projectとが共催し、大阪にフィリピン人アーティストを1名招聘するアーティスト・イン・レジデンスアワードです。
本アワードでは、2024年6月中旬、JFMとOrange Projectによりフィリピン国内でオープンコールを実施、フィリピン各地から65名の応募がありました。フィリピン側の選考委員により6名に絞りこまれ、日本の最終審査で、レジデンスアワード大賞者を Lala Monserrat(ララ モンセラット)に決定しました。大賞者は10月から大阪に滞在し、3カ月間のアーティスト・イン・レジデンスと成果展を実施します。
以下は、上位3名の審査評になります。そして65名の応募アーティストに、改めて御礼を申し上げます。
Selection of Filipino Artists for AIRΔ Vol. 9 in Osaka:
AIRΔ vol.9 is an Artist-in-Residence Award co-hosted by TRA-TRAVEL, the Japan Foundation Manila (JFM), and Orange Project, which invites one artist from the Philippines to Osaka. In mid-June 2024, an open call was conducted across the Philippines by JFM and Orange Project, receiving 65 applications from various regions of the country. The selection committee in the Philippines narrowed the applicants down to six, and in the final selection in Japan, Lala Monserrat was chosen as the recipient of the Residency Award. The awardee will stay in Osaka starting in October for a three-month artist residency, culminating in an exhibition.
Below are the reviews for the top three finalists. We also extend our sincere thanks to all 65 artists who applied this year.
<審査評>
Doktor Karayom (ドクトル・カラヨム) のプロポーザルは、フィリピンの伝統的なカトリックの祭壇文化と、それが日本で生活するフィリピン人によってどのように適応されているかに焦点を当てたものであり魅力的な内容でした。また、日本の寺院の創造過程や、日本の信仰においてあまり探究されていない祈り、儀式、そして超常現象にも踏み込み、フィリピンと日本の精神性の間にある形而上学的な関係を可視化する可能性を秘めたものでした。
Renz Baluyot(レンツ・バルヨット)のプロポーザルは、彼自身の父が元海外労働者であったという家族史を織り交ぜ、コミュニティとレジリエンス(復元力)に焦点を当てたものでした。大阪在住のOFW(フィリピンの海外労働者)やフィリピン移民の生活を調査し、彼/彼女らの個人的な物語とフィリピンのディアスポラ全体の理解を橋渡しすることを目的とするものでした。さらに、大阪の歴史とフィリピンコミュニティのつながりを強調し、過去と現在を結ぶ大阪という場所の特性を考慮した提案であることが特に注目されました。
Lala Monserrat(ララ モンセラット)のプロポーザルは、『移ろう風景:共同体の絆と集団的記憶の形』というテーマのもと、地域の「治癒」の伝統と文化遺産を探り、再構築することを目的とするものでした。本プロジェクトでは、大阪の博物館でのリサーチや、地元民や職人との交流を通じて、儀式、家庭、文化上など様々な在り方で重要とされる品々を、その意義を含め調査が行われます。そこから、デジタルアーカイブを作成するなど、多様な形での協働が期待される内容です。
移ろう世界の中で「治癒」を考えるMonserratの視点は、単純なアーカイブにとどまらない広がりを示しており、MonserratをAIRΔ vol.9のレジデンスアーティストとして選出いたしました。
Doktor Karayom‘s proposal was compelling in its focus on the traditional Catholic altar culture of the Philippines and its adaptation by Filipinos living in Japan. Additionally, he aims to delve into the creation of Japanese temples and investigate prayers, rituals, and supernatural phenomena that are not commonly explored in Japanese faith, seeking to uncover the metaphysical connections between Filipino and Japanese spirituality.
Renz Baluyot’s proposal interweaves his family history, particularly the experience of his father as a former overseas worker, with a focus on community and resilience. He aims to investigate the lives of OFWs (Overseas Filipino Workers) and Filipino immigrants living in Osaka, seeking to bridge their personal narratives with a broader understanding of the Filipino diaspora. Furthermore, the proposal emphasizes the connection between Osaka’s history and the Filipino community, making it particularly noteworthy for its consideration of Osaka as a place that links the past with the present.
Lala Monserrat‘s proposal, under the theme “Transitory Landscape: A Form of Communal Bonds and Collective Memory,” aims to explore and reconstruct the traditions and cultural heritage of healing in the region. The project will involve research at Osaka’s museums and engagement with local residents and artisans to investigate the significance of various objects considered important in rituals, households, and culture. This research will lead to the creation of a digital archive, anticipating diverse forms of collaboration. Monserrat’s perspective on “healing” within a transitory world reflects a broader scope that goes beyond a simple archive, leading to her selection as the AIRΔ vol.9 resident artist.
AIR Δ / Artist-in-residency Program vol.11 アーティスト・トークイベント
『夢の国? 日本 – アメリカの移民史』
ハナン美弥 × 奥村一郎
(アーティスト) (和歌山県立近代美術館 学芸員)
Key image of “Yumenokuni? Nihon-America no iminshi” as a result of AIR Δ vol.11
JP 11 August 2024
TRA-TRAVELはこれまで国外のアートオーガナイゼーションと共に、アーティスト・イン・レジデンス(AIR)を、大阪で実施してまいりました。今年から、『レジデンス事業を通して国内のアートオーガナイゼーションをつなぐ』ことをキーワードに、日本国内の他都市/地域のレジデンス施設と共同で、新たな形のアーティスト・イン・レジデンスを開始します。
このレジデンスプログラムでは、関西でリサーチを必要としつつも関西外で滞在するアーティストを大阪に招聘し、滞在やリサーチ、発表などのサポートをおこないます。このような活動を通して『国際的な視点から読み解かれる大阪/関西』を取り上げ、『国内レジデンスのネットワーク』を創出することを試みます。
本企画AIRΔ vol.11では、「トーキョーアーツアンドスペースレジデンシー(TOKASレジデンシー)」(東京)に滞在していた、アメリカを拠点に活動するハナン美弥さんを、大阪に招聘します。ハナンは、2024年5月から7月にかけてTOKASにて滞在制作を行い、1900年頃アメリカに渡った日本人移民、とりわけ、二度と日本の地を踏むことなく亡くなった移民者たちの足跡を追うために、複数の国内地域を訪問しました。本リサーチは関西でも継続し、大阪での滞在ではリサーチに関するトークイベント『夢の国? 日本ーアメリカの移民史』を行います。
そしてこのトークゲストとして、日系美術家たちを紹介した展覧会「トランスボーダー 和歌山とアメリカをめぐる移民と美術」(和歌山県立近代美術館、2023年)の担当学芸員の一人、奥村一郎さんを招待し、日本ーアメリカの移民について、
深く知る機会をもちたいと思います。ご興味のある方は、ぜひお越しください。
✅トークイベント概要
『夢の国? 日本ーアメリカの移民史』
会期:2024年 8月11日(日)
会場:PORT(大阪市此花区四貫島1丁目6−6)
時間:15:00 ~ 17:00
料金:入場無料(投げ銭制)
主催:TRA-TRAVEL
共催:TOKAS(トーキョーアーツアンドスペース)
レジデンスパートナー:PORT
助成:大阪市、芳泉文化財団
✅登壇者情報
ハナン美弥
アメリカ合衆国を拠点としている学術的アーティスト。熊本県出身で、日本では放射線技師として病院に務めていたが、1998年に渡米。死の哲学を基にした作品が多い。現在は、渡米した日本人移民を中心とした、忘れられている歴史を追及した作品を製作中。ネバダ・アートカウンシル・フェローシップ(2023)、ジェンテル・アーティスト・イン・レジデンス(2022)、シエラ・アートファンデーション・グラント(2018)などをはじめとする、多くを受賞。ブライトン・プレスとの共同制作のアーティストブックはアメリカ議会図書館、ハーバード大学、スタンフォード大学など30以上もの施設のコレクションに追加されている。2012年にはTEDx San Diegoからインスタレーションを依頼され、発表。2013年にはサン・ディエゴ・メサ・カレッジより優秀卒業生賞を与えられた。現在ネバダ州立大学リノ校の准教授。https://www.miyahannan.com
奥村一郎
和歌山県立近代美術館学芸員。和歌山を中心とした戦前のアメリカへの移民と美術についての調査研究や展覧会などを手掛ける。関連する展覧会に、「生誕120年記念 石垣栄太郎」(2013)、「アメリカ移民の歴史と芸術家たち」(2015)、「アメリカへ渡った二人 国吉康雄と石垣栄太郎」(2017)、「島村逢紅と日本の近代写真」(2021)、「トランスボーダー 和歌山とアメリカをめぐる移民と美術」(2023)など。
■イベント前インタビュー
Qenji Yoshida(以下QY): こんにちは。ハナンさんは日本で放射線技師として務めておられ、その後1998年に渡米されていますが、アメリカでアートの道に進まれたのでしょうか?
ハナン美弥(以下ハナン):正直言って、全然予期していなかったことなんですが、渡米後、大学でドローイングのクラスを取ったのがきっかけです。その頃まだ英語があまり出来なかったのですが、言葉がなくても思っていることや考えていることを表現できて楽しかったんです。先生方に勧められて、気がついたら大学院まで卒業していました。とにかく人一倍努力しました。考えることも体を使って物を作る事も好きで、アートはその両方を満たしてくれました。
QY:放射線技師のキャリアから、なぜ渡米に至ったのかも伺いたいのですが、今日は作品について聞かせてください。これまでさまざまな制作や活動をされていますが、ご自身の制作やコンセプトについて教えていただけますか?
ハナン:大きく言うと、死に関することを題材にしています。私は世界を『次から次へとつながる一連の事象や生命』と見ていて、自然や風景はこれらの誠実な記録だと思っています。人類と、自然に刻まれている情報の関係に興味があります。扱う素材は特に決まっていません。コンセプト次第で決めて、実験的な手法を使うのが好きで、プロセスと使う材料の意味を大事にしています。
QY:『次から次へとつながる一連の事象や生命』の記録としての自然や風景という言葉は、数々の死(と生)の層がどんなものにも見えてくるように感じますね。今回の日本滞在ではリサーチに重点を置かれていると話されていましたが、どんな調べものをされているのでしょうか?
ハナン:ここ数年は、〈忘れられている、もしくは失われてしまいそうな話〉を呼び起こして保存しようという試みで作品を作っています。偶然にアメリカのへんぴな場所で日本人のお墓を見つけました。それは家族を支えるために出稼ぎに来て、残念ながら若くしてアメリカで亡くなってしまった方々のお墓だと後に知りました。その足跡を起点に、明治末にアメリカの鉄道建設に従事するため、海を渡った日本人出稼ぎ労働者や移民の歴史を調べています。それは今の日本の方々に知ってほしい歴史です。
QY:長くアメリカで暮らすハナンさん自身に重ねるように、移民の歴史へ関心を持たれているのかと想像します。それはハナンさん自身のアイデンティティについて考える/知ることと繋がっていると思います。少し抽象的な質問になってしまいますが、リサーチ対象とはどのような距離感を持って最終的な作品まで昇華されるのでしょうか?例えば、あくまで客観的な資料として見ているのか、またはより感情的に対象に近づくのか・・
ハナン:いい質問ですね。これは私も注意深く考えているところです。私としては、本で読めるような一般的な歴史よりは、個人的なストーリーに興味があります。一人一人の話を通して歴史を知るという事がアートにできる事だと思いま す。ただ、歴史を取り扱うのはとても責任のいることで、結果的にどのような作品になるにしても、しっかりリサーチをしてよく知っておくべきだと思います。今回のリサーチで、たくさんの本や資料を見ましたが、一番印象的だったのは、実際の移民達の書いた日記や手記でした。あまり感情的になると主観が入りすぎてしまうので、いいバランスを見つけたいと思います。
QY:最後の質問です。現在ネヴァダ州にお住まいとのことですが、そこからは今の日本はどのように見えていますか?
ハナン:ネヴァダというよりは、アメリカと日本両方を知っている者からの意見として、正直に言っていいでしょうか?(笑)今の日本はちょっと心配です。日本の食、文化、技術力、国民性などは今でも尊敬されていますが、政治的、経済的、国際的には日本は昔ほど重要視されていないように思います。日本には、世界情勢に興味がなかったり、知らないふりをしている人が多く、現実を見ずに内側にこもって安心している感じがします。
QY:内側にこもっているのは、日本にいても近年更に加速しているように感じています。特に若い人は昔ほど気軽には海外に行くことも難しく、でも半面、情報自体はインターネットで広く世界を知った気にはなれます。ただ日本語の情報にはジャーナリズムも少なく、多すぎるフェイクニュースとそもそもの情報過多から何を信じていいかも読めばいいかも分からないような状況が、自家中毒に気付けないような状況を招いているように感じています。
ハナン:確かに、情報の氾濫は、いろんな錯覚や誤解を招く可能性がありますね。だからこそ、情報を鵜呑みにせず、論理的・客観的・合理的に思考を展開し、分析する力(英語でいうcritical thinking)を身につけなければなりませんね。
AIR Δ / Artist-in-residency Program vol.8 成果展
タコの庭
楊健 ( Yang Jian / ヨウケン)
Key image of exhibition “Octopus’s Garden” as a result of AIR Δ vol.8
JP /EN /CN 19-21 July 2024
会期:2024年 7/19(金)〜21(日)
会場:Super Studio Kitakagaya 大阪市住之江区北加賀屋5-4-64
時間:11:00〜18:00
入場無料
「AIRΔ vol.8 with WHITE SPACE Beijing 」の成果展として、中国人アーティスト楊健(Yang Jian)の個展『タコ の 庭』を、Super Studio Kitakagaya (SSK)のオープンスタジオ「Studio 6」にて開催します。
1982年、中国福建省生まれの楊は、ビデオとインスタレーションを主な表現方法として、様々な国や地域で展覧会やビエンナーレに参加してきました。2024年初旬に家族で大阪に移住し、異邦人として日本の文化にふれ生活する自身を「タコ」としてとらえ、制作を行ってきました。タコは色を見ることはできませんが、皮膚の色を周囲や状況に合わせて変えることができます。つまり、タコは目ではなく体を使って世界を見ているのです。
本展覧会は、タコの目と体という対比を用い、単純な視覚的な経験ではなく全身で感じた深い感情や経験から生まれる抒情を基底に、ゴミや日用品などの物質とイメージが多彩に結びつくペインティング作品で構成されています。
楊が全身でとらえた世界観を、作品や在廊している作家から少しでも感じ取っていただければ幸いです。
✅招聘アーティスト:楊健/Yang Jian/ヨウケン
1982年 中国福建省生まれのビデオとインスタレーションを主に制作するアーティスト。厦門大学芸術学院で学士号(2004年)と修士号(2007年)を取得後、2009年から2010年までStichting Niemeijer Fonds (NL)の助成を受けRijksakademie van Beeldende Kunsten(オランダ)に滞在。 2015年にHUAYU Youth Awardの審査委員会特別賞を受賞。2018年OCATヤング・メディア・アーティスツ・オブ・ザ・イヤー受賞。中国、ドイツ、アメリカ、オランダで個展及びグループ展を多数開催。
主な展示として、「個展:Geyser」( WHITE SPACE、北京、2023年)、「Motion is Action-35 years of Chinese Media Art」(BY ART MATTERS、Hangzhou、2023年 )、「Three Rooms: Edge of Now」(ZKM、カールスルーエ、2019年/ナムジュンパイクアートセンター、2018年)など。
現在中国の南京及び大阪を拠点に活動。
WHITE SPACEは2004年北京で設立、2009年に草場地にある1500平方メートルのスペースに移転し、若手アーティストの作品に焦点を当てた中国初の現代アートギャラリーとし、次々と新しい企画を実施している。
2021年、WHITE SPACEは北京市の順義区に700平方メートルの新スペースをオープン。WHITE SPACEは各取扱い作家の個々の芸術活動を深め、また、コンテンポラリーアートの世界的な普及と交流を促進するプロフェッショナルなギャラリーとして、中国とアジアにおける先駆的なアートスペースのひとつとして発展を続けている。
“Octopus’s Garden”
The solo exhibition “Octopus’s Garden” by Chinese artist Yang Jian will be presented at Studio 6 within SSK as the outcome of “AIRΔ vol.8 in collaboration with WHITE SPACE Beijing.”
Born in 1982 in Fujian Province, China, Jian has participated in various solo and group exhibitions, as well as biennales internationally, primarily using video and installation as his mediums of expression.
In early 2024, he relocated to Osaka with his family. Living as a foreigner in Japan and experiencing its culture, he perceives himself as an “octopus” and has been creating works that reflect the subtle nuances of this experience.
Octopuses have just one kind of photoreceptor in their eyes, so they can’t see colors. But their skin can sense and respond to the colors around them. Their bodies see the world more clearly than their eyes do. The artist uses this contrast between the octopus’s eyes and its body to describe his life in Japan. These aren’t just brief visual impressions; they are deep, full-bodied experiences and feelings.
This exhibition features paintings that reflect the emotions and lyricism arising from his new life in Osaka. These works showcase a diverse combination of images and materials, including waste and everyday objects he found in Osaka.
Yang Jian
Born in 1982 in Fujian Province, China, Yang Jian is an artist whose work primarily focuses on video and installation. He received a BA (2004) and MA (2007) from the Art College of Xiamen University. From 2009 to 2010, he was a resident artist at the Rijksakademie van Beeldende Kunsten in the Netherlands, supported with funding from Stichting Niemeijer Fonds (NL). In 2015, he won the Judging Panel Special Award of the HUAYU Youth Award, and in 2018, he was honored with the OCAT Young Media Artists of the Year award.
Yang Jian has exhibited extensively in solo and group exhibitions in China, Germany, the USA, and the Netherlands. Notable exhibitions include “Geyser” (solo exhibition at WHITE SPACE, Beijing, 2023), “Motion is Action-35 years of Chinese Media Art
” (,BY ART MATTERS,Hangzhou,China), and “Three Rooms: Edge of Now” (ZKM, Karlsruhe, 2019 / Nam June Paik Art Center, 2018).
He currently lives and works in Nanjing, China, and Osaka, Japan.
WHITE SPACE
WHITE SPACE was founded in 2004 in Beijing and relocated to the current 1,500-square-meter space in Caochangdi in 2009 to embark on a new series of art programs, becoming the first contemporary art gallery in China to focus on working with young artists. In 2021, WHITE SPACE opened its brand new 700-square-meter space in Shunyi district of Beijing. As a professional gallery that promotes the dissemination and exchange of contemporary art worldwide, the gallery has worked alongside each artist to deepen individual artistic practices, and becoming one of the foremost pioneering spaces for art in China and Asia.
“AIRΔ vol.8 in collaboration with WHITE SPACE Beijing”
“Octopus’s Garden” solo exhibiton by Yang Jian
Dates: Friday, July 19th, Saturday, July 20th, Sunday, July 21st, 2024
Venue: Super Studio Kitakagaya
Time: 11:00 AM – 7:00 PM
Admission: Free Organizers:
TRA-TRAVEL, WHITE SPACE Beijing
Residency Partner: The Chishima Foundation for Creative Osaka
Support: Osaka City, Housen Cultural Foundation
《章鱼花园》
杨健本次个展将作为与空白空间联合举办的“AIRΔ vol.8”的成果在SSK的Studio 6展出。杨健于1982年出生于中国福建省,主要以视频和装置为表达媒介,他的作品多次在国内外画廊、机构和美术馆展出。
章鱼的眼睛只有单一类型的感光细胞无法分辨颜色,但它的皮肤却能感知并回应环境中的色彩变化。它的身体比它的眼睛更能看见周围的世界。杨健把章鱼的眼睛与身体在色彩感知上的显著对立来描述他在日本生活的经验。这些作品不是浮光掠影式的有限视觉印象,而是全身体的体验和感受。他还在作品中结合了在大阪发现的废弃物和日常物品,一如既往的展示着他对材料与图像组合的探索兴趣。
本次展览期间,艺术家将一直在场,欢迎随时交流。
杨健
杨健主要从事录像和装置创作。他分别于2004及2007年在厦门大学艺术学院被授予文学学士与文学硕士学位。2009年至2010年间,他入选荷兰国立美术学院的国际驻地艺术家项目,并于2010年获得荷兰Stichting Niemeijer基金会赞助支持。2015年他获得华宇青年奖评委会特别奖。2018年,入选上海OCAT美术馆青年媒体艺术家年度项目。
杨健的作品多次在国内外的画廊、机构及公立美术馆展出。近期的展览包括:间歇泉,空白空间,北京;动为行-中国媒体艺术35年,天目里美术馆,杭州,中国;
三个屋子:此刻的边际,卡尔斯鲁厄艺术与媒体中心(ZKM),卡尔斯鲁厄,德国;新时线媒体艺术中心,上海,中国;白南准艺术中心,首尔,韩国
目前,他生活工作于南京,大阪。
WHITE SPACE
WHITE SPACE于2004年成立于北京,并于2009年搬迁至草场地的1500平方米空间,开始一系列新的艺术项目,成为中国首家专注于与年轻艺术家合作的当代艺术画廊。2021年,WHITE SPACE在北京顺义区开设了全新的700平方米空间。作为一家致力于全球当代艺术传播与交流的专业画廊,WHITE SPACE与艺术家合作,深入其个人艺术实践,成为中国乃至亚洲最前沿的艺术空间之一。
“AIRΔ vol.8 与北京空白空间联合举办”
“章鱼花园” 杨健个展
展期:2024年7月19-7月21日
地点: Super Studio Kitakagaya
时间: 11:00 – 19:00
参观免费
主办机构: TRA-TRAVEL, 空白空间
驻留机构: 大阪创造千岛财团
支持机构: 大阪市政府, 芳泉文化财团
TAIWAN: The Professional Exchange Program 2024
AIR台湾:日本のアート実践者を台湾へ
TAIWAN: The Professional Exchange Program 2024 AIR台湾:日本のアート実践者を台湾へ
プログラム実施期間:2024年8月1日-9月23日
応募締め切り:2024年6月17日午後11時(GMT+8)
概要:
台湾で行われるRes Artis Conference 2024 – TAIPEI(※)の開催時期に合わせて芸術文化の実践者(キュレーター、アーティスト、文化事業者、批評家など)を日本から1名、台湾の新竹市鐵道藝術村に約2ヵ月台湾に招聘いたします。参加者は2ヵ月の滞在時に台湾国内のアートシーンやレジデンスプログラムを観察し、成果発表としてプレゼンテーション及び執筆をご依頼させていただきます。プレゼンテーションはRes Artist及びTASAのアニュアルミーティングにて行います。
提供:
- プログラム期間中の宿泊施設及び共同作業スペース
- 台湾国内の交通費
- 日本ー台湾間の往復エコノミークラス航空券
- 生活費 NT$8,000(約39,000円)
- 執筆謝金 NT$10,000(約49,000円)
- 台湾国内の文化芸術施設や組織とのネットワーキング及びその旅行費
対象者:
・日本在住の芸術文化実践者(キュレーター、アーティスト、文化事業者、批評家など)
・英語での日常的なコミュニケーションが可能な方
・年齢性別国籍不問
申請方法:
オンラインでの申請のみ受け付けています。次のリンクをクリックしてくださいhttps://forms.gle/7b57Kne43EWyC6LJ6
上記の応募締切日までに英語にて必要事項を記入し、個人情報、履歴書、滞在計画書、任意で推薦者の連絡先をアップロードしてください。
本プログラムの審査結果は、2024年6月20日ごろにTASAのFacebookページ(https://www.facebook.com/profile.php?id=100012372787522)、および公式ウェブサイト( https://tasa-tw.org/en/home )にて発表いたします。
ご質問:
質問や提案、またサポートが必要な場合は、英語にて「tasatw@gmail.com」にお問い合わせください。また詳しい条件は、リンク先の英語の募集要項をご参照ください。
https://docs.google.com/document/d/1qVg5CjkRJFYMvc88V3_qL-GwEEgSLQS42e0kBWjTIcg/edit?usp=drive_link
※ Res Artisは、アーティスト・イン・レジデンス(AiR)プログラムを支援する国際的なネットワークです。世界中のアーティスト・イン・レジデンスプログラムや文化機関をつなぎ、情報交換やリソースの共有を促進しています。Res Artisのメンバーには、アーティスト、キュレーター、文化機関のプロフェッショナルなど多岐にわたります。
Res Artisのアニュアルミーティング(年次会議)では、世界中のアーティスト・イン・レジデンス(AiR)プログラムの運営者、アーティスト、文化機関の代表者たち数百名が集い、多様なワークショップ、プレゼンテーション、パネルディスカッションが行われます。2024年の会議は台北で開催される予定です。過去にはロンドン(2022年)、京都(2019年)、ラップランド(2018年)など世界各地で開催。
エクスチェンジプログラム共同主催:
TASA(台湾アートスペースアライアンス)
新竹市鐵道藝術村(新竹、台湾)
Accton Arts Foundation(新竹、台湾)
TRA-TRAVEL(大阪)
The Professional Exchange Program 2024
Open Call for Applications: Art and Cultural Practitioners (from Japan)
Program timeline: 1st August – 23th september 2024
Submission Deadline: 11:00pm(GMT+8) of 17th June, 2024
The Professional Exchange Program is to support practitioners who are in the field of arts and culture working as curator, artist, cultural worker, and critic from Japan to have the chance for a multi-week visit and exchange in Taiwan, hosted by an individual or an organization who has the related experiences and skills to help them develop the visiting practitioner’ personal and professional goals. The visiting practitioner also contributes to the host and art community of Taiwan by giving reflective observations and suggestions.
Taiwan Art Space Alliance and Art Site of Railway Warehouse, Hsin-Chu City also facilitates coordination and logistics of the exchange as needed.
Eligibility and criteria:
Designed for one Art and Cultural practitioner working as curator, artist, cultural worker, and critic from Japan.
How does the program work?
Organizers will offer the visiting practitioner :
- Provide accommodation ( shared creative space) during the Program.
- Local transportation fee (up to the given limit based on actual expenses and with a given maximum NT2000 for staying ).
- A round-trip economy class ticket.
- NT$ 8,000 for Living expenses. (about USD$240)
- NT$ 10,000 for written creation (about USD$ 300)
- Visiting trip, connecting practitioner to cultural sites and organizations.
The visiting practitioner is required to:
- Give presentations in separate sessions of the 2024 Res Artist Conference and 2024 TASA Annual Meeting with Southeast Asia Professional Exchange Platform, which topic is regarding “Arts Residencies in Taiwan Today” and assess the current landscape of Art Residency in Taiwan and explore future opportunities.
- 1 article ( 2 pages in English) about the observation of Taiwan Art-in-Residence now. The article will be presented in the publication platform about the AiR, and on the official website of TASA.
- conduct workshops during the residency (optional) ( we will leave this decision for the final selecting candidate, if any)
How can you apply for this program:
We only accept online applications. Please click on the following link:
fill out the application before the deadline (listed above). Applicants are required to upload personal information, CV. a resident plan, and the contact information of your referee.
Should you have any questions about the 2024 TASA Open Call for Applications or submitting your proposal, or need assistance with access requirements, please don’t hesitate to get in touch via email: tasatw@gmail.com
This program responds to needs and requests from practitioners in the result of the review, which will be launched on the Facebook page and official website of TASA on June 20th 2024.
Our Organizers:
Taiwan Art Space Alliance, (hereinafter “TASA”) entitled TASA was established in 2016. It integrates dozens of art villages and art spaces across Taiwan and holds regular meetings every year across Taiwan to discuss the position and role of artists in residence (AiR) in contemporary art through an annual series of meetings and lectures. TASA was to serve as a platform for the exchange and integration of resources among artists in residence (AiR) and art spaces throughout Taiwan. In addition, by connecting organizations and planning events, TASA endeavors to improve and strengthen the overall environment for art and culture in Taiwan, while attracting new energy in promoting international cooperation and expanding the global network among art institutions.
Art Site of Railway Warehouse, Hsin-Chu City, was formerly known as Warehouse No. 3, No. 4, and No. 5 of Taiwan Railway Company in Hsinchu Station. It was built in 1941 during the Japanese Occupation and was registered as a historical building in 2015. The wooden roof built by using the traditional jointing method has been completely preserved. The original truck platform has been converted into a platform for viewing trains. Each year the Art Site offers5-8 positions for artist-in-residency programs. In addition, the Art Site also holds exhibitions, art and cultural events very often.Hsinchu City Art Site of Railway Warehouse has been operated by Accton Arts Foundation since 2016.
Accton Arts Foundation was established in 2000 with the support of Accton Technology Coperation. We mainly focus on “promoting art education”, “nurturing artistic talents” and “connecting art communities” to respond to the missions and vision of the Arts Foundation.
TRA-TRAVEL is an art hub/collective with the mission of “creating international art pathways in Osaka.” It engages in a wide range of artistic practices and projects, including curating exhibitions, running artist-in-residence programs, organizing art workshops for children, and hosting international conferences and talks. As a mobile project, TRA-TRAVEL does not have a fixed location; instead, it collaborates with various local and international art spaces and organizations to create unique projects.
Host for the Program :
Art Site of Railway Warehouse, Hsin-Chu City, was formerly known as Warehouse No. 3, No. 4, and No. 5 of Taiwan Railway Company in Hsinchu Station. It was built in 1941 during the Japanese Occupation and was registered as a historical building in 2015. The wooden roof built by using the traditional jointing method has been completely preserved. The original truck platform has been converted into a platform for viewing trains. Each year the Art Site offers 5-8 positions for artist-in-residency programs. In addition, the Art Site also holds exhibitions, art and cultural events very often.Hsinchu City Art Site of Railway Warehouse has been operated by Accton Arts Foundation since 2016.
Supported by:
Ministry of Culture
National Culture and Arts Foundation
The Housen Cultural Foundation
AIRΔ / Artist-in-residency Program vol.8
ヨウ・ケン(楊健/Yang Jian)
TRA-TRAVELと WHITE SPACE BEIJINGによるアーティスト・イン・レジデンスプログラムAIRΔ Vol.8
▼AIR Δ vol.8 概要
TRA-TRAVELは2021年から、公共および民間のアートオーガナイゼーションと共に、アーティスト・イン・レジデンス(AIR)を大阪で7回実施してまいりました。本年から、『AIRにおけるクリエイティブエコノミーを考える』をキーワードに、国外のギャラリーとコラボレーションするアーティスト・イン・レジデンスを開始します。
本プログラムでは、作品の構想から販売に至るまでのレジデンスプログラムの流れを、アーティストとギャラリーと共にデザインすることで、アーティストの滞在制作、作品発表、そして作品の「販売」に至るまでの動線をもつAIRプログラムを試験的に実施します。
本滞在制作は、アーティストはもちろん、協働するギャラリーにおいても、作品の流通だけでなく、派遣アーティストが新たなインスピレーションを得る機会と捉えています。
AIRΔ vol.8では、北京のギャラリー「WHITE SPACE」が推薦する、中国の南京及び大阪を拠点に制作を行うアーティスト、ヨウ・ケン(楊健/Yang Jian)を招聘します。ヨウ・ケンは、2024年6月から7月にかけてレジデンスパートナーである北加賀屋のSuper Studio Kitakagayaで滞在制作を行い、また7月19日から21日まで「ART OSAKA」に合わせて開催されるオープンスタジオにて成果展と作品販売を行います。そのほか、アーティストの面会やインタビューも随時受け入れるなど、有機的なレジデンスプログラムを目指していますので、ご興味のある方は、ぜひTRA-TRAVELにご連絡ください。
*作家とギャラリーの経費を除いた作品の売上は、次年度の本プログラムのAIR費用にあてるなど、循環型クリエイティブエコノミーを計画しています。
TRA-TRAVEL
▼主催:TRA-TRAVEL、WHITE SPACE
レジデンスパートナー:おおさか創造千島財団(Super Studio Kitakagaya)
▼助成: 大阪市、芳泉文化財団
▼滞在場所:Super Studio Kitakagaya (スーパースタジオキタカガヤ)
〒559-0011 大阪府大阪市住之江区北加賀屋5丁目4−64
▼滞在期間:2024年6月―7月末
© Julian Salinas
▼招聘アーティスト:ヨウ・ケン(楊健/Yang Jian)
1982年 中国福建省生まれ。ビデオとインスタレーションを主に制作するアーティスト。厦門大学芸術学院で学士号(2004年)と修士号(2007年)を取得後、2009年から2010年までStichting Niemeijer Fonds (NL)の助成を受けオランダのRijksakademie van Beeldende Kunstenに滞在。 2015年にHUAYU Youth Awardの審査委員会特別賞を受賞。2018年OCAT Young Media Artists of the Year受賞。中国、ドイツ、アメリカ、オランダで個展及びグループ展を多数開催。現在中国の南京及び大阪を拠点に制作を行う。
https://whitespace.cn/artists/yang-jian/
▼コラボレーションギャラリー:WHITE SPACE
WHITE SPACEは2004年北京で設立、2009年に草場地にある1500平方メートルのスペースに移転し、若手アーティストの作品に焦点を当てた中国初の現代アートギャラリーとし、次々と新しい企画を実施している。2021年、WHITE SPACEは北京市の順義区に700平方メートルの新スペースをオープン。WHITE SPACEは各取扱い作家の個々の芸術活動を深め、また、コンテンポラリーアートの世界的な普及と交流を促進するプロフェッショナルなギャラリーとして、中国とアジアにおける先駆的なアートスペースのひとつとして発展を続けている。
▼WHITE SPACEによる推薦理由
Reasons for recommendation by WHITE SPACE
福建省出身で、厦門大学で修士号を取得したヨウ・ケンは、2012年からWhite Spaceの所属アーティストになりました。彼は、2009年にアムステルダムのRijksakademie van Beeldende Kunstenで奨学金を受けるなど、数々の重要な功績で知られています。その作品は文化の壁を越えて多くの観客に共鳴し、中国国内外の展覧会で展示され、また、メディアアート分野でも重要な存在として認識されています。
ヨウ・ケンは日本文化に対する深い関心を持っています。TRA-TRAVELとの共同プログラムを通じて大阪や日本の芸術文化、そして社会を知り、交流を深めることから新たなインスピレーションが生まれ、それが彼の芸術表現をさらに豊かにすることを期待しています。これは、グローバルな芸術交流を促進し、創造的な才能を育成するという我々のミッションと一致するものです。彼のSSKでのレジデンスを楽しみにしており、それが彼の芸術的探究と私たちのコミュニティの両方を豊かにすることを期待しています。
AIRΔ vol.8 in collaboration with WHITE SPACE Beijing
Since 2021, TRA-TRAVEL has collaborated with public and private art organizations to conduct seven artist-in-residence (AIR) programs in Osaka. Starting this year, we are excited to launch a new artist-in-residence initiative in collaboration with international galleries under the theme “Rethinking the Creative Economy in the Context of AIR.”
In this program, we aim to experimentally implement an artist-in-residence (AIR) program that encompasses the entire process from the artist’s residency and creation to the presentation and sale of their works. By designing the residency program flow together with artists and galleries—from the conception of artworks to their sale—we seek to create a seamless pathway for artists from their creative process to the commercial distribution of their works.
Our overseas gallery partners expect that by not only facilitating the distribution of artworks but also sending artists to Osaka to participate in the AIR program, they can provide opportunities for artists to gain new inspiration and foster creativity.
For AIRΔ vol.8, we are pleased to invite Yang Jian (楊健), an artist based in Nanjing and Osaka, recommended by the Beijing gallery “WHITE SPACE.” Yang Jian will undertake a residency at Super Studio Kitakagaya in Kitakagaya from June to July 2024. He will showcase and sell his works during the open studio event from 19 to 21 July coinciding with the art fair “ART OSAKA.” . In addition, we will arrange meetings and interviews with the artist, aiming for a dynamic and interactive residency program. Interested parties are encouraged to contact TRA-TRAVEL for more details.
*Proceeds from the sale of the artworks, excluding the expenses of the artist and the gallery, will be reinvested into the AIR program for the following year, supporting a sustainable creative economy.
▼ Organizers: TRA-TRAVEL, WHITE SPACE
Residence Partner: Chishima Foundation for Creative Osaka (Super Studio Kitakagaya)
▼ Support: Osaka City, Housen Cultural Foundation
▼ Residence Location:
Super Studio Kitakagaya 5-4-64 Kitakagaya, Suminoe-ku, Osaka, 559-0011, Japan https://ssk-chishima.info/
▼ Residence Period: June – End of July 2024
Yang Jian
Born in 1982 in Fujian Province, China, Yang Jian is an artist whose work primarily focuses on video and installation. He received a BA (2004) and MA (2007) from the Art College of Xiamen University and was a resident artist at the Rijksakademie van Beeldende Kunsten in Netherlands from 2009 to 2010, supported with funding from Stichting Niemeijer Fonds (NL). He won the Judging Panel Special Award of HUAYU Youth Award in 2015. OCAT Young Media Artists of the Year in 2018.He has exhibited extensively in solo and group exhibitions in China,Germany, USA and the Netherlands, He currently lives and works in Nanjing China and Osaka Japan.
https://whitespace.cn/artists/yang-jian/
WHITE SPACE
WHITE SPACE was founded in 2004 in Beijing and relocated to the current 1,500-square-meter space in Caochangdi in 2009 to embark on a new series of art programs, becoming the first contemporary art gallery in China to focus on working with young artists. In 2021, WHITE SPACE opened its brand new 700-square-meter space in Shunyi district of Beijing. As a professional gallery that promotes the dissemination and exchange of contemporary art worldwide, the gallery has worked alongside each artist to deepen individual artistic practices, and becoming one of the foremost pioneering spaces for art in China and Asia.
Yang Jian, a native of Fujian Province with a Master’s degree from Xiamen University, has been a key figure at White Space Gallery since 2012. His early career is marked by significant accomplishments, such as receiving a prestigious scholarship at the Rijksakademie van Beeldende Kunsten in Amsterdam in 2009. His work, recognized for transcending cultural barriers, resonates with diverse audiences worldwide and has been featured in notable solo and group exhibitions both in China and internationally. His contributions to media art have established him as a significant figure in this field.
Yang Jian has a deep interest in Japanese culture, and we hope that through this collaborative program with TRA-TRAVEL, he will gain new inspiration and enrich his artistic expression by learning about and engaging with the art, culture, society and people of Osaka and Japan. This program aligns perfectly with the gallery mission to foster global artistic exchange and nurture creative talent.We eagerly anticipate his future residency at SSK, confident that it will enrich both his artistic journey and our community.
『in flux: ベトナムビデオアートの流れを振り返る』
ベトナム映像作品スクリーニング+キュレータートーク(TRA-TRA-TALK vol.5関連イベント)
さて、テーマを絞らずにベトナムの映像作品をキュレーションするにはどこから手をつければいいのだろう。ベトナムにビデオアートが導入されたのは1990年〜2000年代とかなり遅く、現在においても他の表現に比べ正確な位置づけがなされぬまま、多くのアーティストにより映像芸術は進展を続け、ベトナムの芸術史の中でその位置を確立しようとしています。
本スクリーニング『in flux』では、Veronika Radulovic(ヴェロニカ・ラドゥロヴィック), Phạm Nguyễn Anh Tú,(ファン・グエン・アン・トゥ) Phạm Anh(ファン・アン), Thảo Nguyên Phan(タオ・グエン・ファン), Quỳnh Đông(クイン・ドン), Lêna Bùi(レナ・ブイ), Trương Công Tùng(チュオン・コン・トゥン)の作品を紹介します。ただ闇雲に広大なジャンルを網羅して紹介するのではなく、むしろこの地域から生まれた、まだあまり知られていない実践を紹介したいと思います。
それぞれ多様な美学とテーマをもつアーティストの中に、一つ共通点をあげるのなら、文化的な遺産を見なおし、再解釈することによって「記憶」を振り返るというアイデアがあげられるでしょう。本映像オムニバスは、アーティストが様々なメディア(アーカイブ、映画史、文学資料、ニュースメディア、口承/民俗史、あるいは映像そのものなど)を再訪することを通して、歴史と記憶がどのように生産あるいは再生産されるかに光をあて、一面的な視点に挑戦し、それらを浮き彫りにします。
本イベントは、スクリーニングに合わせ、キュレーターのマリー・ルー・ダヴィド(Sàn Art、ホーチミン)自身によるプログラムや選出作品の紹介があり、上映後には観客とのオープンディスカッションを設けています。
マリー・ルー・ダヴィド/Mary Lou DAVID
■日時: 2024年2月18日(日)14時ー17時30分(上映+トーク)
■会場: JUU arts&stay 〒554-0013 大阪府大阪市此花区梅香1丁目17−20
■参加費:自由(ドネーション制)*定員30名(予約不要、先着順)
■ キュレーション: Mary Lou David
■ 企画・字幕翻訳: 池田昇太郎
■ トーク通訳: 柏本奈津
■ 主催: TRA-TRAVEL
■ 協力: FIGYA, San Art, 一般社団法人アラヤシキ
■ 助成: 大阪市、芳泉文化財団
■上映作品
<第1部>
「The most romantic walk」 監督:Phan Anh|ベトナム|2017|カラー|30分
「Journey of a Piece of Soil」監督:Trương Công Tùng|ベトナム|2015|カラー|33分
–休憩–
<第2部>
「On Amanda Heng: The Scent of Tam Đảo」監督:Veronika Radulovic|ベトナム|2022|カラー|10分
「Soap Bubbles」監督:Phạm Nguyễn Anh Tú|ベトナム|2021|カラー|7分
「Precious. Rare. For Sale.」監督:Lêna Bùi|ベトナム|2023|カラー|12分
「Becoming Alluvium」監督:Thảo Nguyên Phan|ベトナム|2019-ongoing|カラー|16分
「My Paradise」監督:Quỳnh Đông|ベトナム|2012|カラー|14分
■ マリー・ルー・ダヴィド/Mary Lou DAVID
パリ生まれ、ロンドン育ち。ホーチミンを拠点に活動。2014年ロンドン大学コートールド美術研究所美術史コース修了。 ベトナムのアートシーンを牽引する現代アートオーガナイゼーション「Sàn Art(サン・アート)」のキュレーター。
実験映画、ビデオ・アート、クィア・パフォーマンスへの継続的な関心に加え、同地のインディペンデントなアートスペースを支援し、コラボレーションするための新たなネットワークの構築を目指す。さまざまなレジデンスプロジェクトに携わる中で、コミュニティに焦点を当てたプログラムと国際的な芸術交流が地元のアートシーンを多様にし、活性化するためのプロジェクトを数多く実践している。
Sàn Artでの展覧会企画と並行して、「Saigon Experimental Film Festival’ editions III and IV (2020年、 2022年) 」の共同キュレーション、 A. Farm (2018-2020年)、Times & Realities (2021年)、Sàn Art Studio (2021年〜)、Ecologies of Water (2023-)といったレジデンシープロジェクトにも関わっている。
※マリー・ルー・ダヴィドの今回の日本滞在とリサーチは、石橋財団・国際交流基金日本美術研究フェローシップの支援により実現しました。
■ Sàn Art (サンアート)
2007年にアーティスト主導のプラットフォームとしてホーチミン市に設立されたSàn Artは、以来、ベトナムとこの地域をリードする独立系アート団体へと成長した。Sàn Artは、国内外のアーティストや文化活動に対する草の根的な支援へのコミットメントを維持しつつ、定期的な教育的イニシアチブを通じた批評的言説の場でもある。
展覧会プログラム(2007年以来110以上)のほか、Sàn Artの過去のプロジェクトには、アーティスト・レジデンス「Sàn Art Laboratory」(2012-2015年)、出版物やイベントのシリーズ「Conscious Realities」(2013-2016年)などがあり、グローバル・サウスに焦点を当てた作家、アーティスト、思想家、文化関係者を招いている。2018年、Sàn Artはキュレーター養成学校「Uncommon Pursuits」と、ベトナムとこの地域の近現代美術の対話に焦点を当てた新しいギャラリーを立ち上げた。また同年、MoT+++およびNguyen Art Foundationと共同で設立した国際的なアーティスト・レジデンシー・プログラムであるA. Farm(2018-2020)を開始した。組織の歴史に新たな章を開いたSàn Artは、革新的で実験的な実践や視点を支援・育成するコミュニティ・ハブとして拡大している。
Screening event + post-screening talk:
“in flux: revisiting media in Vietnam-based video art ”
■ Date: 2.00 – 5.30 pm Sunday, 18th February 2024
■ Venue: “JUU arts&stay” 1-17-20, Baika, Konohana-ku, Osaka
■ Admission: Free (donation required) * Capacity: 30 people (no reservation required)
■ Curation: Mary Lou David
■ Organizer: TRA-TRAVEL
■ Collaboration: FIGYA, San Art
■ Mediator & Subtitle translator: Shotaro Ikeda
■ Talk interpreter: Natsu Kashiwamoto
■ Support: Osaka city, Housen Cultural Foundation
Where to begin when tasked to curate a Vietnam-based moving image programme with an open-ended theme? While the medium of video art arrived much later into the country, in the 1990s and 2000s, and still struggles today to find its rightful place amongst other contemporary practices, there have been a wide range of artists pushing the medium forward and anchoring it within the making of Vietnamese art history. ‘In flux’ introduces works by Veronika Radulovic, Phạm Nguyễn Anh Tú, Phan Anh, Thảo Nguyên Phan, Quỳnh Đông, Lêna Bùi and Trương Công Tùng, inviting audiences to discover the world of moving image from a Vietnamese context. It doesn’t attempt to cover its broad spectrum but rather offer an entryway into the lesser known practices stemming from the region.
One connecting thread amongst these artists of diverse aesthetics and thematics is the idea of revisiting memory by reutilising and dissecting various forms of cultural heritage. If we consider how memory is a malleable force that can easily be shaped to form master narratives, then the present selection shows how each artist has revisited a plethora of other media – be it archives, film history, literary sources, news outlets, oral/folk history or video itself – to highlight how history and memory can be produced, reproduced, and ultimately challenge such one-sided perspectives.
The event will include a short introduction to the programme and selected works by curator Mary Lou David (Sàn Art, Ho Chi Minh City, Vietnam), and an open discussion with the audience following the screening.
“The most romantic walk” by Phan Anh | Vietnam| 2017 | Color | 30 minutes
“Journey of a Piece of Soil” by Trương Công Tùng | Vietnam | 2015 | Color | 33minutes
“On Amanda Heng: The Scent of Tam Đảo” by Veronika Radulovic | Vietnam | 2022 | Color | 10 minutes
“Soap Bubbles” by Phạm Nguyễn Anh Tú | Vietnam | 2021 | Color | 7 minutes
“Precious. Rare. For Sale.” by Lêna Bùi | Vietnam | 2023 | Color | 12 minutes
“Becoming Alluvium” by Thảo Nguyên Phan | Vietnam | 2019-ongoing | Color | 16 minutes
“My Paradise” by Quỳnh Đông | Vietnam | 2012 | Color | 14 minutes
Born in Paris, raised in London and now living in Ho Chi Minh City, Mary is one of the curators currently running Sàn Art, an leading contemporary arts organisation in Vietnam. In addition to her ongoing interests in experimental cinema, video art, and queer performance, Mary is interested in developing new networks of support and collaboration between independent art spaces in the region. Aside from her exhibition work, she has also co-curated ‘Saigon Experimental Film Festival’ editions III and IV (2020 and 2022) and been involved in a variety of residency projects including A. Farm (2018-2020), Times & Realities (2021), Sàn Art Studio (2021-), Ecologies of Water (2023-).
* Mary’s research and stay in Japan has been made possible through the generous support of the Ishibashi Foundation / The Japan Foundation Fellowship for Research on Japanese Art.
Aside from our exhibition programmes, Sàn Art’s past projects include various residencies, international exchanges and educational projects: Sàn Art Laboratory (2012-2015), Conscious Realities (2013-2016), Uncommon Pursuits (2018-), A. Farm in collaboration with MoT and the Nguyen Art Foundation (2018-2020), Journey to the Southwest (2021), Sàn Art Studio (2022-), Saigon-Leipzig exchange (2023). With a new team and space since 2018, Sàn Art continues to expand as a community hub to support and foster innovative and experimental practices and perspectives.
■作品概要(English follows Japanese in each artwork and artist)
「The most romantic walk(ふたりの小径)」
監督:Phạn Anh (ファン・アン)|ベトナム|2017|カラー|30分
この半自伝的ドキュメンタリーは、病室の隣で祖母の訃報を待つアーティスト自身の無意識の逡巡を理解しようとする試みである。 祖母の死後、ファン・アンは追悼を込めて彼女の個人史に関する調査を始めた。 このビデオの元になる「ミュージアム・オブ・マインド」と題されたこのプロジェクトは、こうした記憶の個人的なアーカイブを提示している。 ファウンド・オブジェクトは、集合的な記憶と個人的なエピソードを結びつけ、信仰やイデオロギーが異なる地理的および歴史的文脈の影響を受けながらも、その心や思いやり、人間愛を共有する2人の個人のアイデンティティを反映している。
— 出典: ベトナム現代美術データベースより編集
ファン・アンは、ベトナムのサイゴンを拠点とする学際的なアーティスト。2013 年ホーチミン芸術大学を卒業、2015 年にオランダのユトレヒト芸術学校で修士号を取得。 2017年に教育機関やアートコミュニティからあまり認知や支援を受けていない実践者のために、Đường Chạy(ドゥン・チャイ)というコレクティヴを自己資金で共同設立する。同年、ドグマプライズでグランプリを受賞。 ドローイングやライティング、ファウンド・オブジェクトやイメージの組み合わせといったアーカイブ手法を用いた映像やインスタレーションを制作する。 こうした作品では、イメージのパフォーマティブな構造において果敢な実験が為されており、既成の物語に挑戦し、思想・研究・表現の自由を提唱し、政治的・社会的・歴史的な出来事のあり得べき対話を模索している。
近年のプロジェクトや展覧会に ‘Pixelating families: Photography as Material for Filmic (Re)Inquiries’, Sàn Art, Ho Chi Minh City, Vietnam (2023), ‘Glad we made it on time’, organised by Salt Beyoğlu in collaboration with the Asian Art Museum, programmed and curated by Naz Cuguoğlu and Vicky Do, Salt Beyoğlu, Istanbul, Turkey, and Sàn Art, Ho Chi Minh, Vietnam (2022), ‘Remnants’, Sàn Art, Ho Chi Minh City, Vietnam (2022), ‘Month of Arts Practice’ residency and showcase, Heritage Space, Hanoi, Vietnam (2020); ‘(re)imagined Chorography’ with Đường Chạy and Sàn Art, Ho Chi Minh City, Vietnam (2020); ‘Đường Chạy 3’ (co-curator with Vicky Do), Hanoi, Vietnam (2019); ‘Le Voyage dans L’imaginaire’, bottomspace, Guangzhou, China (2019); ‘Singing to the Choir?’, The Factory Contemporary Arts Centre, Ho Chi Minh City, Vietnam (2019); ‘The Foliage 3’, Vincom Center for Contemporary Art, Hanoi, Vietnam (2019); ‘Museum Of The Mind’, Ho Chi Minh City, Vietnam (2018); ‘ACC Arts Space Network Residency and Open Studio’, ACC Asia Culture Center, Gwangju, Republic of Korea (2018); ‘The Multiverse’, Heritage Space, Hanoi, Vietnam (2017); and ‘Dogma Prize 2017’, Ho Chi Minh City and Hanoi, Vietnam (2017).
Phan Anh, The most romantic walk (2017)
Duration: 30:38
This (semi-)biographical documentary is an attempt to make sense of the artist’s unconscious wanderings while awaiting news of his grandmother in the hospital room next door. In remembrance of her, following her passing, Phan Anh conducted a research on her personal history. Entitled ‘The Museum of the Mind’, the project – which this video is taken from – presents his personal archive of these memories. Found objects and artefacts interlink collective memory and personal anecdote to reflect the identities of two individuals whose beliefs and ideologies were influenced by differing geographical and historical contexts but whose mind, compassion, and humanity are a shared legacy.
— Source: edited from Vietnam Contemporary Art Database
Phan Anh is a multidisciplinary artist based in Saigon, Vietnam. He graduated from the Ho Chi Minh University of Fine Arts in 2013 and later received his M.A from Utrecht School of the Arts in the Netherlands in 2015. In 2017, he co-established a self-funded collective called Đường Chạy for practitioners who have not received much recognition and support from educational institutions or the general art community. That same year, he received the Grand Prize of the Dogma Prize for contemporary portraiture. Phan Anh’s works often involve videos and installations with the help of other archival methods such as drawing, writing, and assembling found objects and images. They contain intense experimentations on the image’s performative construction, aim to advocate freedom of thought, research and expression through the act of challenging established narratives, while exploring possible discourses of political, social and historical events.
Recent projects and exhibitions include ‘Pixelating families: Photography as Material for Filmic (Re)Inquiries’, Sàn Art, Ho Chi Minh City, Vietnam (2023), ‘Glad we made it on time’, organised by Salt Beyoğlu in collaboration with the Asian Art Museum, programmed and curated by Naz Cuguoğlu and Vicky Do, Salt Beyoğlu, Istanbul, Turkey, and Sàn Art, Ho Chi Minh, Vietnam (2022), ‘Remnants’, Sàn Art, Ho Chi Minh City, Vietnam (2022), ‘Month of Arts Practice’ residency and showcase, Heritage Space, Hanoi, Vietnam (2020); ‘(re)imagined Chorography’ with Đường Chạy and Sàn Art, Ho Chi Minh City, Vietnam (2020); ‘Đường Chạy 3’ (co-curator with Vicky Do), Hanoi, Vietnam (2019); ‘Le Voyage dans L’imaginaire’, bottomspace, Guangzhou, China (2019); ‘Singing to the Choir?’, The Factory Contemporary Arts Centre, Ho Chi Minh City, Vietnam (2019); ‘The Foliage 3’, Vincom Center for Contemporary Art, Hanoi, Vietnam (2019); ‘Museum Of The Mind’, Ho Chi Minh City, Vietnam (2018); ‘ACC Arts Space Network Residency and Open Studio’, ACC Asia Culture Center, Gwangju, Republic of Korea (2018); ‘The Multiverse’, Heritage Space, Hanoi, Vietnam (2017); and ‘Dogma Prize 2017’, Ho Chi Minh City and Hanoi, Vietnam (2017).
「Journey of a Piece of Soil(ジャーニー・オブ・ピース・オブ・ソイル)」
監督:Trương Công Tùng(チュオン・コン・トゥン)|ベトナム|2015|カラー|33分
大きな赤土のように見えるもの、実際にはシロアリの巣を運んでいる匿名の男を追った。 映像の中では何の説明も与えられないまま、男はどこへ行くにもそれを持ち歩き、細心の注意を払ってその物体を扱う。 ここではアーティストは、集団的な関与と文化的生産のより大きな様式における儀式の機能を考察している。 アーティストの活動は中央高原の複数の歴史、生活、民族性、神話に大きく影響され、関わってきたが、作品の中で描かれている農村のシャーマニズムは架空のもの。 なぜ男がシロアリの巣に惹かれるのかは明確には示されないが、だからこそ、献身についての作品『Journey of a Piece of Soil(ジャーニー・オブ・ピース・オブ・ソイル)』が作品として非常に魅力的なのである。さまざまな信仰が私たちに求める、堅実で妥協のない決意を力強く描いているのだ。
— 出典: Kadist から編集
チュオン・コン・トゥンは、ベトナム中部高原のさまざまな少数民族に囲まれたダクラク省で育つ。 2010年にホーチミン芸術大学で漆絵を専攻し卒業。 科学、宇宙論、哲学、環境の研究に関心を持っている。トゥンは、ビデオ、インスタレーション、絵画、ファウンド・オブジェクトなどさまざまな表現形式を用いて、近代化による文化的、地政学的な変化が土地の生態系、信仰、神話に顕在化したことに対する個人的な思索を反映させた作品を制作している。 また、さまざまな公共空間や状況での芸術的および文化的活動を通じて、ビジュアルアートと生命及び社会科学の間でオルタナティブな知識を生み出すための活動集団Art Labor (2012 年設立) のメンバー。 2023年にはハン・ネフケンス財団東南アジアビデオアート制作賞を受賞した。
主な展覧会に「The Disowned Garden…A Breath of Dream」サンアート/ササアートスペース/ジム・トンプソン・アートセンター/プラメーヤ財団/ムゼイオン/釜山市立美術館で2023年〜2025年にかけて巡回|「Trương Công Tùng」ICA、ロサンゼルス(2023)|『O Quilombismo, Of Resisting and Insisting. Of Flight as Flight. Other Democratic Egalitarian Political Philosophies」世界文化の家、ベルリン(2023)|「Signals…瞬息」パラサイト、香港(2023)|「Is it morning for you yet?」第58回カーネギーインターナショナル、ピッツバーグ(2022)|「A State of Absence…Words out there」 Manzi Art Space、ハノイ(2021)|「The Sap Still Runs」Sàn Art、ホーチミン市(2019)| 「バンコク・アート・ビエンナーレ」バンコク(2018年)|「Between Fragmentation and Wholeness」Galerie Quynh、ホーチミン市(2018年)|「A Beast, a God, and a Line」パラサイト、香港/ワルシャワ近代美術館/ダッカアートサミット(2018年)「Cosmopolis, Collective Intelligence」ポンピドゥーセンター、パリ(2017年)。
truongcongtung.com
Trương Công Tùng, Journey of a Piece of Soil (2015)
Duration: 33:35
We follow an unnamed man carrying what appears to be a large piece of red soil, in actuality a termite nest. Without any explanation provided in the film, the man brings it with him wherever he goes, devoting great care and attention to the object. Here, the artist considers the function of the ritual in larger modes of collective engagement and cultural production. While the artist’s practice has been largely influenced and engaged with the multiple histor(ies), lives, ethnicities and mythologies of the Central Highlands, the rural shamanism depicted in the work is a fictive one. There’s no clear indication why the man is drawn to the termite’s nest, and yet that is what makes Journey of a Piece of Soil so fascinating as a work about devotion: it powerfully depicts the steady and uncompromised determination our various faiths require of us.
— Source: edited from Kadist
Trương Công Tùng grew up in Dak Lak among various ethnic minorities in the Central Highlands of Vietnam. He graduated from the Ho Chi Minh Fine Arts University in 2010, majoring in lacquer painting. With research interests in science, cosmology, philosophy and the environment, Trương Công Tùng works with a range of media, including video, installation, painting and found objects, which reflect personal contemplations on the cultural and geopolitical shifts of modernization, as embodied in the morphing ecology, belief or mythology of a land. He is also a member of Art Labor (founded in 2012), a collective working between visual art and social/life sciences to produce alternative non-formal knowledge via artistic and cultural activities in various public contexts and locales. In 2023 he was awarded the Han Nefkens Foundation Southeast Asian Video Art Production Prize.
Selected exhibitions include ‘The Disoriented Garden…A Breath of Dream’ (presented between 2023-2025 at Sàn Art, Sa Sa Art Space, the Jim Thompson Art Center, the Prameya Foundation, Museion, Busan Museum of Art); ‘Trương Công Tùng’, Institute of Contemporary Art, Los Angeles, USA (2023); ‘O Quilombismo, Of Resisting and Insisting. Of Flight as Flight. Other Democratic Egalitarian Political Philosophies’, Haus der Kulturen der Welt, Berlin, Germany (2023); ‘Signals…瞬息’, Para Site, Hong Kong (2023), ‘Is it morning for you yet?’, 58th Carnegie International, Pittsburgh, USA (2022), ‘A State of Absence…Words out there’, Manzi Art Space, Hanoi, Vietnam (2021), ‘The Sap Still Runs’, Sàn Art, Ho Chi Minh City, Vietnam (2019); The Bangkok Art Biennale, Bangkok, Thailand (2018); ‘Between Fragmentation and Wholeness’, Galerie Quynh, Ho Chi Minh City, Vietnam (2018); ‘A Beast, a God, and a Line’, Para Site, Hong Kong (2018), the Museum of Modern Art, Warsaw, Poland, (2018), the Dhaka Art Summit, Dhaka, Bangladesh (2018); ‘Cosmopolis, Collective Intelligence’, Centre Pompidou, Paris, France, (2017).
truongcongtung.com
「On Amanda Heng: The Scent of Tam Đảo(アマンダ・ヘン:タム・ダオの香り)」
監督:Veronika Radulovic(ヴェロニカ・ラドゥロヴィック)|ベトナム|2022|カラー|10分
* このビデオエッセイは、インドネシアのゲーテ・インスティトゥート・ジャカルタのプログラムおよび取り組みである「絡み合いと身体化された歴史の収集」の一部です。
1995年、ヴェロニカ・ラドゥロヴィックは、シンガポール人アーティストのアマンダ・ヘンとアーティスト兼講師のチュオン・タンをハノイ芸術大学の教室に連れて行った。 彼らは学生たちと一緒に即興パフォーマンスのワークショップを行い、それを無許可でビデオ録画した。 同じ頃、アーティストのグループは授業を離れ、都市を離れ、誰の監視も逃れて、近くの山や田園地帯に実験を持ち出し、そこで最初のパフォーマンス・アート作品のいくつかが試作され、記録された。26 年以上後に、ラドゥロヴィッチはこのオリジナルの素材を使用して、1990 年代のベトナムのパフォーマンス・アートに対する特異なアプローチを振り返り、コメントを残した。 彼女は参加者の何人かに当時の状況について質問し、これらのビデオとワークショップが作成された歴史的背景について最新の見解を用意した。
— 出典: ゲーテ・インスティトゥートより編集
ヴェロニカ・ラドゥロヴィックは、ベトナムの漆工芸を学ぶために1990年代初頭に初めてハノイを訪れた。1994年から 2005年まで、DAAD (ドイツ学術交流サービス) の後援により、ハノイ芸術大学で初の国際講師を務めた。ドイツのさまざまな機関や美術館と協力して、彼女はドイツとベトナムの現代美術の間の重要な結節点として機能し、1995年にドイツのミュンスター・ラックンスト美術館での「Lacquer, Earth, Stone(漆、土、石」(BASF の後援)を含むいくつかの主要な展覧会を企画。 ベルリン世界文化の家にてギャップ・ベトナム・プロジェクト(1998年)や ベルリン・フォルクスビューネでのプロジェクト「Ryllega Berlin 」(2008年)、そして、 ifaギャラリーベルリン (Institut für Auslandsbeziehungen)での展覧会 Connect: Kunstszene Vietnam (2009/2010) などを行います。ヴェロニカ・ラドゥロヴィックは、ハノイとベトナムでの長年の教育活動はじめ、広範な活動により、ベトナムにおける現代美術シーンの発展における最も重要なパイオニアの一人とみなされてる。
http://www.radulovic.org/wordpress/
Veronika Radulovic, On Amanda Heng: The Scent of Tam Đảo (2022)
Duration: 10:23
* The video-essay was part of ‘Collecting Entanglements and Embodied Histories’, a programme and initiative of the Goethe-Institut Jakarta, Indonesia.
In 1995, Veronika Radulovic brought Singaporean artist Amanda Heng and artist/lecturer Trương Tân to her classroom at University of Fine Arts Hanoi. Together with the students, they did an improvised performance workshop and made an unauthorised video recording out of it. Around that same time, the group of artists took their experiments out of the class, out of the city, and out of any scrutiny, into the nearing mountains and countryside where some of the first performance art pieces were trialled and documented. Over 26 years later, Radulovic uses this original material to reflect and comment on the unusual approach to performance art in Vietnam in the 1990s. She asks some of the participants about the situation at that time and provides an up-to-date view at the historical context in which these videos and the workshop were created.
— Source: edited from the Goethe-Institut
Veronika Radulovic first came to Hanoi in the early 1990s to study Vietnamese lacquer art. From 1994 to 2005 she was the first international lecturer at the Hanoi University of Fine Arts, sponsored by DAAD (German Academic Exchange Service). Working in cooperation with various institutions and museums in Germany, she served as an important link between German and Vietnamese contemporary art, and curated several major exhibitions, including: Lacquer, Earth, Stone at the Museum für Lackkunst Münster, Germany (sponsored by BASF, 1995); the Gap Vietnam Project at the House of the World Culture Berlin (1998); the project Ryllega Berlin at the Volksbühne Berlin (2008); and the exhibition at the ifa Gallery Berlin (Institut für Auslandsbeziehungen) Connect: Kunstszene Vietnam (2009/2010). Due to her many years of teaching and her extensive activities in Hanoi and Vietnam, Veronika Radulovic is considered one of the most important pioneers in the development of the contemporary art scene in Vietnam.
http://www.radulovic.org/wordpress/
「Becoming Alluvium(漂砂になる)」
監督:Thảo Nguyên Phan (タオ・グエン・ファン)|ベトナム|2019-ongoing|カラー|16分
「Becoming Alluvium」は、タオ・グエン・ファンによるメコン川とそれが育む文化についての現在進行形のリサーチに基づく。 寓話を通して、農地の拡大、魚類の乱獲、農民の都市部への経済的移住によって引き起こされた環境と社会の変化を探っている。 (中略) 三章に渡って展開される本作は、時代や年代はバラバラの破壊と輪廻、再生の物語を連想的な方法論で結ぶ。クメールの民話、ラビンドラナート・タゴールの詩、マルグリット・デュラスの『恋人』、イタロ・カルヴィーノの『見えない都市』に至るまで、数多くの文学的参考文献を参照している。 チベット、中国、ビルマ、タイ、ラオス、カンボジア、ベトナムを流れるメコン川のように、この映画は歴史と神話の間を漂流している。
— 出典: Institute of Modern Art(オーストラリア)
タオ・グエン・ファンは、絵画や映像、インスタレーションなど多様な表現形式を用いた作品を発表している。 文学的で哲学的なまなざしを日常生活へと向け、社会や歴史における曖昧な問題を観察している。
Fundaciò Joan Miró(ジョアン・ミロ・ファウンデーション)と共同で、Han Nefkens Foundation-LOOP Barcelona Video Art Production Award 2018を受賞。アーティストとしての活動に加え、専門分野を超えた実践を探求し、地域コミュニティに利益をもたらすアートプロジェクトを開発するコレクティヴ「Art Labor」の共同ファウンダーでもある。
http://www.thaoguyenphan.com/
主な国際展への参加:
Pirelli HangarBiccoca (Milan, Italy, 2023)、 Venice Art Biennial (Venice, Italy, 2022)、Tate St Ives (Cornwall, UK, 2022)、Chisenhale gallery (London, 2020)、WIELS (Brussels, 2020)、Rockbund Art Museum (Shanghai, 2019)、Lyon Biennale (Lyon, 2019)、Sharjah Biennial (Sharjah Art Foundation, 2019)、Dhaka Art Summit (2018)、Para Site (Hong Kong, 2018)、Factory Contemporary Art Centre (Ho Chi Minh City, 2017)、Nha San Collective (Hanoi, 2017)、and Bétonsalon (Paris, 2016)
Thảo Nguyên Phan, Becoming Alluvium(2019)
Duration: 16:40
‘Becoming Alluvium continues Thảo Nguyên Phan’s ongoing research into the Mekong River and the cultures that it nurtures. Through allegory it explores the environmental and social changes caused by the expansion of agriculture, overfishing and economic migration of farmers to urban areas. […] Although non-chronological in narrative and associative in logic, ‘Becoming Alluvium’ unfolds over three-chapters telling stories of destruction, reincarnation, and renewal. Bringing together a host of literary references from Khmer folktales, the poetry of Rabindranath Tagore, to The Lover by Marguerite Duras, and Italo Calvino’s Invisible Cities. History and mythology flow and ebb through this film, like the river it traces which snakes through Tibet, China, Burma, Thailand, Laos, Cambodia, and Vietnam.
— Source: The Institute of Modern Art
Trained as a painter, Thảo Nguyên Phan is a multimedia artist whose practice encompasses video, painting and installation. Drawing from literature, philosophy and daily life, Phan observes ambiguous issues in social conventions and history.
Phan exhibits internationally, with solo and group exhibitions including Pirelli HangarBiccoca (Milan, Italy, 2023); Venice Art Biennial (Venice, Italy, 2022); Tate St Ives, (Cornwall, UK, 2022); Chisenhale gallery (London, 2020); WIELS (Brussels, 2020); Rockbund Art Museum (Shanghai, 2019); Lyon Biennale (Lyon, 2019); Sharjah Biennial (Sharjah Art Foundation, 2019); Dhaka Art Summit (2018); Para Site (Hong Kong, 2018); Factory Contemporary Art Centre (Ho Chi Minh City, 2017); Nha San Collective (Hanoi, 2017); and Bétonsalon (Paris, 2016), among others. She was granted the Han Nefkens Foundation-LOOP Barcelona Video Art Production Award 2018, in collaboration with Fundaciò Joan Miró. In addition to her work as a multimedia artist, she is co-founder of the collective Art Labor, which explores cross disciplinary practices and develops art projects that benefit the local community.
http://www.thaonguyenphan.com/
「Soap Bubbles」
監督:Phạm Nguyễn Anh Tú (ファン・グエン・アン・トゥ)|ベトナム|2021|カラー|7分
* Ignite Creativity Grant by ゲーテ・インスティトゥートの支援を受けた「ルン・チュン」プロジェクトの一部。
本作は、ゲイのスーパーヒーローが、ベトナムではクィアネスが伝染する可能性があるという噂を乗り越るという物語の中で、彼自身のクィアの原初の記憶を探求した。さまざまなユーモラスで不遜な役割を引き受け、ホーチミン市で行われた実際のパフォーマンスの一部と組み合わせることにより、アーティストは、ベトナムのLGBTQ+コミュニティに関する固定観念を生み出し、具体化する主な情報源の1つとしての報道機関を再検討する。この映像は、思い出の光景を再現し、ポップソングのファンタジーや家族の逸話を織り交ぜることによって、記憶と外的要因が個人のアイデンティティの形成に果たす役割について考察する。この作品は、オルタナティブな物語、クィア・アイデンティティに関する会話、ベトナムのクィア・コミュニティに対する偏見の調査と解体を歓迎する上映プロジェクトである「Lưng Chừng (ルン・チュン)」の一環として制作および上映された。
— 出典: ゲーテ・インスティトゥートより編集
ファン・グエン・アン・トゥは、ベトナムのサイゴンで生まれ育ったビジュアル アーティスト。 彼は、アニメーション コラージュとクロマキー合成を組み合わせてビデオ制作に取り組み、個人的な思い出、空想、内なる対話のシーンを再現する。 彼は、物理的世界との関わりを再考し、再想像するために、私たちの世界を構造化する知識のシステムを把握するための実験と批判的考察の場としてアートを用いることに関心を持っている。
プリンス・クラウス・ファンドのシード賞、第9回インターナショナル・ビエンナーレ・オブ・ユニバーシティ:ビジュアル・アート・ビエンナーレ賞、PULSE賞、ドグマ・プライズ 2019年と2021年、およびゲーテ・インスティトゥートからのIgnite Creativity Grant 2021を受賞。 彼の作品は、大英博物館、オーバーハウゼン国際短編映画祭、第4回タイ短編映画・ビデオフェスティバル、シュツットガルト・フィルム・ウィンター、カッセル・ドクフェスト、ニューメキシコ・エクスペリメンツ・イン・シネマ国際映画祭などで国際的に上映。ナイシネマの創設、及びサイゴン・エクスメリメンタル・フィルム・フェスティバルの共同創設者。ドイツとベトナムを往来している。
https://www.instagram.com/naicinema/
Phạm Nguyễn Anh Tú, Soap Bubbles, 2021
Duration: 7:00
* Part of ‘Lưng Chừng’ supported by the Goethe-Institut’s Ignite Creativity Grant.
A gay superhero experiments with his first queer memory while navigating rumours that queerness could be potentially contagious in Vietnam. Assuming different humorous and irreverent roles and combining these with segments of an actual performance done in Ho Chi Minh City, the artist reexamines news outlets as one of the primary sources that generates and reifies stereotypes on the LGBTQIA+ community in Vietnam. By recreating scenes of memory, interweaving it with pop song fantasy and family anecdotes, the video contemplates on the role that memory and external forces play in formation of one’s identity. The work was produced and screened as part of ‘Lưng Chừng / In the Middle of Nowhere’, a screening project welcoming alternative narratives, conversation on queer identities, examining and deconstructing the stigmatisation on the Vietnamese queer community.
— Source: edited from the Goethe-Institut
Phạm Nguyễn Anh Tú is a visual artist born and raised in Sài Gòn, Việt Nam. He approaches video making through combinations of animated collages and chroma key compositing to recreate scenes of personal memories, fantasy and inner dialogues. He is interested in using art as a site for experimenting and critically reflecting, to grasp the systems of knowledge that structure our world in order to rethink and reimagine our engagement with the physical world.
He is the recipient of the Prince Claus Fund’s Seed Award, 9th International Biennial of University Visual Art Award, PULSE Award, Dogma Prize 2019 and 2021, and Ignite Creativity Grant 2021 from Goethe Institut. His works have been shown internationally at The British Museum, International Short Film Festival Oberhausen, 4th Thai Short Film and Video Festival, Stuttgart Film Winter, Kassel Dokfest, New Mexico Experiments in Cinema International Film Festival. He is also the founder of Nãi Cinema and the co-founder of Saigon Experimental Film Festival. He lives and works between Germany and Vietnam.
https://www.instagram.com/naicinema/
「Precious. Rare. For Sale.(プレシャス・レア・フォーセール)」
監督:Lêna Bùi|ベトナム|2023|カラー|12分
「プレシャス・レア・フォーセール」は、1990年代のベトナムの映像における表象を広く取り上げる。雄大かつ神聖な獣の住処から、戦争の英雄譚やソーシャル・リアリズム(労働者階級の現実の生活から社会・政治的状況を描いた作風≠社会主義リアリズム)悲劇の背景としての役割まで、自然の表象は、ベトナムの社会・政治的文脈の変化によって形作られてきた。
映画製作者が環境をどのように描いてきたかを振り返ることで、ブイはカメラのために自然を利用する倫理に疑問を抱く。フランス人が撮影した初期の民族誌学映画では、ベトナムのジャングルが手付かずの原始的な風景として描かれていたが、今日の荒廃した森林や整然と区画された土地の映像は、台頭する中産階級にとって自然がどのように商品となったかを明らかにしている。不動産開発業者やスリルを求めるビデオブロガーによってスクリーン上に捉えられた自然のイメージは常に形を変え、メディア消費の無限ループを加速させる。
— 出典: 「モノグラフ 2023」アジア・フィルム・アーカイブ(AFA)
レナ・ブイは、時に逸話から、時に人間と自然との関係や急速な発展が人々の生活に与える影響を深く表現した作品を制作する。 彼女は主にペインティングと映像を通じて、伝統や信仰、死や夢が私たちの行動や認識にどのような影響を与えるかを考察している。
ウェスレアン大学で東アジア研究の学士号を取得。ブイの作品は、「モノグラフ2023」アジア・フィルム・アーカイブ(AFA)を始め、2022年には韓国の済州ビエンナーレとアジア文化センター、UAEのシャルジャ芸術財団、ベトナムでは、SànArtとファクトリーコンテンポラリーアートセンター、ドイツの世界文化の家、そして、ロンドンのウェルカムコレクションでの個展やグループ展、上映プログラムにて展示。
https://www.lenabui.com/
Lêna Bùi, Precious. Rare. For Sale. (2023)
Duration: 12:40
Commissioned by Asian Film Archive
‘Precious. Rare. For Sale.’ takes a broad sweep at the presentation of nature in Vietnamese moving images from the 1990s. From being an abode for majestic and magical beasts, to serving as a backdrop for war heroics and social realist tragedies, representations of nature have been shaped by Vietnam’s changing socio-political contexts.
Reflecting on how filmmakers have portrayed the environment, Bùi questions the ethics of exploiting nature for the camera. While early ethnographic films shot by the French depicted the Vietnamese jungle as an untouched, primitive landscape, today’s images of razed forests and neatly-partitioned land plots reveal how nature has become a commodity for a rising middle-class. Captured on screen by property developers and thrill-seeking vloggers alike, nature’s images shape-shift constantly, feeding into an endless loop of mediated consumption.
— Source: ‘Monograph 2023’, Asian Film Archive
Lêna Bùi produces works that are drawn sometimes from anecdotes, and at other times from in-depth articulations of human relationships to nature and the impact of rapid development on people’s lives. Working mainly through painting and video, she reflects on the ways in which tradition, faith, death and dreams influence our behaviour and perception.
Lêna holds a B.A in East Asian Studies from Wesleyan University. Her work has been shown in solo, group exhibitions and screening programmes such as Monograph 2023 by Asian Film Archive; 2022 Jeju Biennale, the Asia Culture Center, South Korea; Sharjah Art Foundation, UAE; Sàn Art and The Factory Contemporary Art Center, Vietnam; Haus der Kulturen der Welt, Germany; and the Wellcome Collection, London.
「My Paradise(私の楽園)」
監督:Quỳnh Đông(クイン・ドン)|ベトナム|2012|カラー|14分
エデンへの憧れを皮肉たっぷりに解説した「My Paradise(私の楽園)」では、ベトナムの理想主義が表現する夢のようなキッチュな世界の中で、クイン・ドン自身の両親が主人公として登場する。 彼女は、数々の文化的象徴、モチーフや舞台を参照してアーティストの父が作ったティールーム、パビリオン、中国の半月橋といった東洋風のマケット(模型)など、神話的なイメージに支えられた大げさなノスタルジーを誇張する。 […] 伝統的なイメージとポップなイメージの両方を派手な感性で融合させ、ドンはその時代に構築された「オリエント(東洋)」を風刺している。
— 出典 : Yeo Workshop(シンガポール)
クイン・ドンは、文化的な固定観念に意図的に挑戦するための本来のプラットフォームとして、ハイパーリアルなビデオ作品を制作する。また、彼女の活動はパフォーマンスや彫刻にも及ぶ。ベルン芸術大学でアートを学び、チューリッヒ芸術大学でアートの修士号を取得。 作品は世界的に公開され、ベルン美術館、パリのペロタン美術館、アムステルダム国立美術館、ベルンのベルンハルト・ビショフ&パートナー美術館などで知られる。 さらに、パリ音響調整研究所/音楽院、スイス・ローザンヌ州立美術館 ; LISTE 17やバーゼルのヤングアートフェア、 米国・ニューヨークのエミリー・ハーベイ財団、韓国・大邱でも作品を発表。
My Paradise by Quỳnh Đông (2012)
Duration: 14:32
A sardonic commentary on the yearning for Eden, ‘My Paradise’ features Quynh Đông’s own parents as protagonists within a dreamlike and kitschy landscape of Vietnamese idealism. She references a myriad of cultural icons, motifs and settings including oriental-styled maquettes of a teahouse, pavilion and half-moon Chinese bridge made by the artist’s father, to reinforce an overblown nostalgia fed by mythic imagery. […] Marrying both traditional and pop imagery with a garish sensibility, Đông satirises the construct of ‘The Orient’ through the times.
— Source : Yeo Workshop.
Quỳnh Đông creates hyper-real video works to provide an innate platform upon which she deliberately challenges cultural stereotypes. Her practice extends to also include performance and sculpture. She studied Fine Arts at Bern University of the Arts, and completed her MA in Fine Arts at Zurich University of the Arts. Her work has been exhibited internationally, notably including the Kunsthalle Bern, Galerie Perotin in Paris, Rijksakademie van beeldende kunsten in Amsterdam, and Galerie Bernhard Bischoff & Partner in Bern. She has further performed her works at Institut de Recherche et Coordination Acoustique/Musique Paris; Museé cantonal des Beaux-Arts Lausanne in Switzerland ; LISTE 17, the Young Art Fair in Basel, Switzerland; the Emily Harvey Foundation in New York, USA; and YAP`15, The Twinkle World, Exco 1F, Deagu, in South Korea.